Se trata de seguir una estrategia para ofrecer una combinación de productos y poder satisfacer un espectro más amplio del mercado.

La idea se centra en poder atender la demanda con una variada oferta y, de esta manera, poder llegar a todos los bolsillos.

Estemos o no socialmente inmersos en una crisis, a nivel individual las personas siguen emocionándose con el arte.

Se interesan por tu obra y en algún momento desearán adquirirla.

Esto ocurre a distintos niveles de mercado y, mientras unos puedan permitirse adquirir una obra original, un sector mayoritario de la sociedad no puede hacerlo.

Aplicado a las ventas globales de obras de arte, esto significa que aproximadamente que una quinta parte de las iniciativas, artistas o piezas de arte son responsables del 80% de las ventas totales del mercado del arte.

A nivel individual, como artista, realiza diferentes tareas y actividades centradas en la divulgación de tu obra para favorecer o fomentar la venta.

En principio, cualquier oportunidad que tengas de exponer, ser entrevistado, participar en iniciativas artistico-culturales, colaborar, integrarte en grupos, fomentar las relaciones públicas, abrir tu estudio-taller o , incluso, dar clases potenciará tu visibilidad.

Todas estas actividades deben estar focalizadas en conseguir la venta de tu obra.

Después, revisa en un plazo de unos tres meses, por ejemplo, que ventas has conseguido y a través de que actividad se han materializado.

Deberás revisar las ventas e intentar identificar qué tipo de iniciativas u obras generaron los ingresos máximos.

La idea es crear una identificación del 20 % de los productos más vendidos.

La idea significa que al enfocarte en tus convicciones y creencias, puedes construir una conexión más fuerte con tu audiencia y establecer un sentido de comunidad en torno a tu obra.

El 20% restante de la comunicación debes centrarla en mostrar y compartir tu producción artística.

Comparte imágenes de tu trabajo, descripciones detalladas del proceso creativo y cualquier otra cosa que ayude a tus seguidores a comprender y apreciar la obra.

Al cumplir esta proporción, garantizas que tu comunicación esté equilibrada.

Compartes tus creencias y, al hacerlo, refuerzas de manera efectiva tu obra.

El principio de Pareto se utiliza a menudo como una herramienta para la toma de decisiones y la gestión de recursos, ya que sugiere que enfocarse en los pocos factores más importantes puede tener un impacto significativo en los resultados generales.

Cuando las ventas son consecuencia de la calidad y el reconocimiento del público tienden a recibir más atención y, por lo tanto, generan más ventas.

Las iniciativas  con más éxito, generalmente, invierten más en estrategias de marketing y promoción.

Los artistas y galerías más reconocidos suelen tener una amplia red de contactos en en el sector del arte y entre coleccionistas.

El precio alto y la exclusividad es otro de los motivos que conduce a una mayor proporción de ingresos generados por un grupo más pequeño de ventas.

Además, algunos artistas pueden mantener cierta exclusividad en el mercado, lo que aumenta la demanda y el valor de sus obras.

Factores subjetivos en las preferencias artísticas pueden variar ampliamente entre diferentes compradores.

Esto significa que algunas obras de arte pueden sintonizar mejor con el gusto de un público más amplio, mientras que otras pueden tener un atractivo más limitado.

Es importante tener en cuenta que la «Regla 80/20» no es una fórmula estricta, sino una tendencia observada en muchos escenarios diferentes, no solo en el del arte.

No siempre se aplica exactamente, pero el concepto subyacente sugiere que una pequeña parte de las iniciativas o elementos contribuirá de manera significativa a los resultados de los beneficios globales.

– Tu actitud debe ser de acompañamiento y procurar :

*No atosigarlo.
*No tratar de convencerlo.
*Informarlo.
*Dejar que crea que es él quien decide

Si no está del todo convencido, sea por cualquier motivo, no le facilites tú el pretexto para que pueda abandonar el estudio-taller sin comprar, aunque diga que aplaza su decisión para otro momento.

Cuando te encuentres en esta situación no debes cruzarte de brazos y dejar que se enfríe el interés que demostró por tu obra, sino que tienes que reavivar el deseo de compra .

Por eso, cuando tengas un primer contacto con algún coleccionista te conviene recabar datos para poderlo fidelizar.

Necesitas que te facilite:

Su email

Su teléfono (whatsapp)

Sus datos de contacto

Para enviarle periódicamente:

Información de tu actividad
Nuevas ofertas
Boletín de noticias

Y evitar que se enfríe su interés por tu obra.

Si se va sin comprar, en relación a sus preferencias o por el interés que demostró en determinada obra de tu autoría, diseña una programación de envíos o comunicaciones mandando fotografías relacionadas con la obra, datos técnicos o conceptuales que has recopilado, criticas o publicaciones de la prensa que estén vinculadas, con la finalidad de mantener vivo su interés.

Quizás no compró, porque
no fue el momento adecuado,
la compra no se ajustaba a su presupuesto
o, simplemente, la aplazó.

Durante su estancia en tu estudio-taller pregunta si podéis haceros una foto como recuerdo y guárdala junto a la ficha que le habrás creado para recordar en el futuro quién es y contactarlo para evitar que se enfríe su interés de compra.

La realidad es que no todos los miembros de tu nicho o seguidores que estén interesados por tu obra van a convertirse en compradores.

Para poder persuadirlos tienes que implementar un método de fidelización y, progresivamente, acercarlos a la acción de compra.

Cuando realizas adecuadamente el seguimiento de los coleccionistas o posibles compradores que se han interesado por tu trabajo artístico, se consigue una conversión de un 3-5%, normalmente.

Esto significa que de cada cien personas interesadas se convierten en clientes 3 ó 5 de ellas.

El porcentaje puede ser mayor o menor en función de cómo, donde y cómo hayas conseguido los contactos.

La calidad de los integrantes de la comunidad que hayas creado en torno a tu arte redundará en la tasa de éxito que tengas para convertirlos en compradores.

Debes mantener el interés de tus seguidores y mantener un contacto fluido con ellos a través de tres canales de información:

página web,
redes sociales,
y email marketing.

Mantener la constancia y facilitar información relevante sobre tu trabajo artístico mantiene la atención de tu público que, en algún momento, decidirá comprar o te tendrá en cuenta en su proyecto artístico.

Identificar a posibles clientes que estén listos para comprar tu obra de arte requiere un enfoque estratégico y algunas tácticas de investigación.

La posibilidad más accesible para contactar con potenciales compradores es a través de exposiciones, ferias de arte, subastas y otros eventos relacionados con la cultura.

Estos lugares atraen a personas interesadas en el arte y pueden ser una excelente oportunidad.

También, te conviene establecer contacto con otros artistas, galeristas, curadores y profesionales del arte.

Tienen información valiosa sobre posibles compradores o incluso pueden ser compradores ellos mismos.

Visita galerías de arte y espacios de exhibición que muestren obras similares a las tuyas y observa si sus clientes encajan con tu mercado objetivo.

Encontrarás información sobre ellos a través de revistas especializadas, eventos de arte o en en la propia galería.

Envíales un correo electrónico o una carta presentándote y mostrando tu trabajo.

Algunos coleccionistas pueden estar dispuestos a adquirir tu obra o recomendarte a otros posibles compradores.

Igualmente, deberías hacer lo mismo con los diseñadores de interiores, decoradores o profesionales similares.

A menudo, estos profesionales buscan obras de arte para sus proyectos.

Establece relaciones con ellos y ofrece tus servicios como proveedor de arte.

Recuerda que la identificación de posibles compradores requerirá tiempo y esfuerzo.

Es importante mantenerse activo en la promoción de tu trabajo, para construir una red de contactos sólida, bien informada de tu trabajo y, en consecuencia, de compradores recurrentes.

Quizás estés trabajando en un proyecto a medio o largo plazo que requiere de apoyo financiero para conseguir que sea viable su ejecución.

O tal vez, vas a celebrar en breve una exposición que organizas y sufragas tu personalmente, sin la intermediación de galería alguna o marchante que se ocupe de los detalles de gestión.

Si es esta o similar la situación en la que te encuentras, considero que encontrar un patrocinador que te financie es la solución idónea.

DEFINICIÓN DE LOS PERFILES DE FINANCIACIÓN

Primer paso: Establecer un objetivo

Tienes que tener claro el interés que pueda aportar tu trabajo, la zona geográfica donde se va a desarrollar, publico al que va dirigido, la proyección mediática que puedas tener o la repercusión social que obtendrás.

Cuando tengas estos parámetros bien definidos te será más fácil saber a quien puedes dirigir tu oferta.

El siguiente paso sería saber exactamente que tipo de patrocinio necesitas;

– Financiero (por ejemplo, financiar un catálogo).
– Productos o servicios.(por ejemplo, aportar material o mobiliario ).
– Publicidad (por ejemplo, difusión mediática).
– Influencers RR.SS. (por ejemplo, difusión de marca personal ).
– Una vez hayas definido el objetivo y el tipo de patrocinio que te interesa personaliza tu petición de ayuda para cada solicitud que hagas, porque no todas las empresas son iguales o persiguen los mismos fines en cuestiones de promoción.

Beneficios que quiere el patrocinador

En general, un patrocinador puede interesarse en tu solicitud por motivos similares a los que te expongo a continuación:

– Aproximación a nuevos clientes o posibilidades de negocio.
– Promoción y vinculación de marca.
– Credibilidad para sus productos al ponerlos en uso frente al público.
– Compromiso socio-cultural y mejora de marca.
– Mayor visibilidad para ampliar su negocio en el sector.
– Mejorar su posicionamiento frente a la competencia.

Ahora bien, ¿que obtendrá la empresa si te patrocina?.

Sé realista en la exposición de los beneficios que puede obtener y no mientas por tratar de conseguir su mecenazgo.

Los beneficios que ofreces pueden incluir alguna o todas de las siguientes acciones:

– Referencia o logotipo en la invitación, folleto o cartelería.
– Mención en la publicidad o entrevistas de prensa.
– Referencia de patrocinio y publicidad destacada en el catálogo.
– Stand de exhibición para promocionar productos o servicios
– Descuento en la compra de obra o realización de trabajo personalizado.
– Atención y presentación personal del artista para grupo o evento que organice la empresa patrocinadora.

Presenta una solicitud detallada y atractiva

Presenta tu solicitud con datos y cifras lo más realista posible, además de dejar bien claro que aspectos de tu oferta congenian con los valores del patrocinador o de su marca para que ambos podáis sacar el mayor beneficio.

Tu propuesta debe ser detallada y diáfana en la exposición de los motivos por los que se vería beneficiado el mecenas si decide financiarla.

Los datos que debes aportar deben referirse, principalmente, a los siguientes puntos:

-Quién eres, qué haces, credibilidad que tienes de marca y trayectoria personal.
-De que se trata el evento a patrocinar
-Tipo de público que atraerá su celebración.
-Oradores y profesionales que lo apoyarán.

Se debe cumplir siempre con las prestaciones que se hayan acordado por ambas partes.

Para conseguirlo hay que redactar un compromiso en el que quede detallado a lo que se compromete cada uno y en que forma se llevará a cabo.

Se debe establecer el tiempo que durará la acción, dónde se llevará a cabo, como se desarrollará y que medios se emplearán.

Examina detenidamente todo lo expuesto en este artículo y decide que tipo de acción consideras más apropiada para encontrar el patrocinio que más te beneficia y se ajusta a tus necesidades.

Pasa a la acción y haz tu oferta a los candidatos que hayas escogido para financiar total o parcialmente tu proyecto.

No te quedes en tu zona de confort y sal a buscar este apoyo externo que te hace falta para sufragar los gastos.

Recuerda que nadie va a poner su dinero para ayudarte si no ven una clara rentabilidad a cambio de lo que vayan a invertir.

Esta es la realidad.

Por lo tanto, objetividad, paciencia y confianza en que lo vas a conseguir.

El crowdfunding es una forma de financiamiento colectivo que se basa en la colaboración de un gran número de personas para recaudar fondos destinados a un proyecto, causa o emprendimiento específico.

En lugar de depender de un solo inversor o entidad financiera, los proyectos de crowdfunding obtienen pequeñas contribuciones de una amplia comunidad en línea.

Existen varios tipos de crowdfunding, incluyendo:

1. Crowdfunding de recompensa:

En este modelo, las personas contribuyen a un proyecto a cambio de recompensas tangibles o productos.

Por ejemplo, alguien que apoye un proyecto de crowdfunding para la producción de un libro podría recibir una copia del libro una vez que se complete.

2. Crowdfunding de inversión:

En este caso, las personas invierten dinero en un proyecto o empresa a cambio de una participación en los ingresos futuros o en la propiedad de la empresa.

Esto a menudo se utiliza para financiar startups y negocios en crecimiento.

3. Crowdfunding de préstamo:

En lugar de invertir en el proyecto, las personas prestan dinero al prestatario a través de plataformas de crowdfunding.

El prestatario devuelve el dinero con intereses en un período determinado.

4. Crowdfunding de donación:

En este tipo de crowdfunding, las personas realizan donaciones sin esperar ninguna recompensa material a cambio.

Este enfoque se utiliza comúnmente para recaudar fondos para causas benéficas, organizaciones sin fines de lucro o para ayudar a personas en situaciones de emergencia.

Las plataformas de crowdfunding online, como Kickstarter, Indiegogo, GoFundMe y muchas otras, han ganado popularidad en los últimos años.

Su actividad ha facilitado la financiación de una amplia variedad de proyectos, desde proyectos culturales y artísticos, películas independientes y nuevos productos hasta campañas de caridad y causas sociales.

Esta forma de financiamiento permite a emprendedores, artistas y organizaciones acceder a fondos de una manera más democrática y descentralizada, al tiempo que involucra a la comunidad en el apoyo a iniciativas que les interesan.

La galería de arte es aún hoy en día el canal de distribución más adecuado para la comercialización y promoción del artista con que cuenta el mercado del arte.

Interrogantes que suele hacerse el galerista al elegir o rechazar a un artista:

• ¿Qué trayectoria tiene y donde ha expuesto?
• ¿Qué aceptación ha tenido en el mercado?
• ¿Prestigia a la galería su trabajo?
• ¿Es fácil de comercializar su obra?
• Su historial es reducido, pero, la calidad artística, indiscutible.
• Personalmente me gusta, pero ¿debo exponerlo?
• ¿Sus precios son competitivos?

En las galerías, el proceso de selección es más directo, recayendo este procedimiento en la dirección que, normalmente, suele ser unipersonal, aunque esté asesorada previamente.

Ten en cuenta las siguientes consideraciones:

– Cuando más prestigio tenga una galería filtrara más el proceso de selección para correr el mínimo riesgo.

– La selección de un artista emergente es arriesgado para la galería y si decide apoyarlo es una inversión de tiempo y dinero que tiene que hacer a medio y largo plazo.

– Las galerías de menor nivel o más comerciales asumen más fácilmente el riesgo de trabajar con nuevos artistas, ya que la única responsabilidad de su gestión se centra en la obra expuesta temporalmente.

– La posibilidad de exponer en estas galerías suele ser después de una entrevista personal o de conocer el portfolio si es del agrado de la dirección.

– Si la galería es de reciente creación y entras a formar parte de los artistas habituales con los que inicia su andadura, es muy posible que la relación permanezca en el tiempo, si hay buena sintonía entre ambas partes.

CLAVES PARA CONTACTAR CON UNA GALERÍA

En realidad, los artistas necesitan a las galerías para mostrar su obra y poder comercializarla.

Por su parte, el galerista necesita al artista porque el trabajo de este es el origen de su negocio, actuando de puente entre el artista y el coleccionista.

– Antes de presentarte personalmente o de manera virtual en una galería conoce el tipo de exposiciones que celebra habitualmente.

– Es preferible mantener el primer contacto en persona, en lugar de enviar un email. (Pregunta directamente si quieren conocer tu obra y como prefieren hacerlo).
A veces, el mejor método es también el más fácil. Haz la pregunta: “¿Cómo elige esta galería a sus artistas?”.

– Presenta el dossier con la máxima coordinación de contenido y calidad fotográfica.

– Las galerías suelen programar al menos con una temporada de antelación, por lo que tendrás tiempo para preparar a conciencia una exposición si te aceptan y entras a formar parte de su programación.

– Si llegáis a algún acuerdo, no tengas reparo en solicitarlo por escrito.

– Basa tu solicitud en la coherencia de la línea expositiva de la galería y evita ofertarla a galerías con las que no te identificas.

– No dudes en preguntar, porque el NO ya lo tienes asegurado si no lo haces. Muestra tu trabajo con confianza e intercambia opiniones con los responsables de la galería.

-Lo mas importante es la relevancia de tu trabajo para ser reconocido por una galería. Tienes que seleccionar y presentar lo mejor, eligiendo obras con las que te identificas artísticamente.

– Puede que no acepten tu obra en ese momento, pero, tal vez, te dirijan a alguien que si le interese o te propongan un proyecto o colaboración.

– Mejor si existe la mediación de algún conocido, amigo en común o profesional, al menos para que acepten que les muestres tu obra.

– Frecuenta el espacio antes de ofertar nada, porque el mundo del arte es reducido en cualquier ciudad y todos se conocen. Déjate ver.

– Una tarjeta de presentación en la que figure tu sitio web es mucho más efectivo que cualquier otro medio social. Utiliza las RRSS solo como un complemento paralelo a cualquier otra iniciativa.

– Dispón de un portfolio online o web donde puedan encontrarte y conocer tu obra, si lo desean. (Aunque la posibilidad de plagio te haga desistir, son más las ventajas de tener presencia online que carecer de ella).

– Las ferias de arte son una oportunidad para conocer a las galerías y saber cual es su oferta. Recopila toda la información que puedas, pero aplaza el contacto para otro momento. Su atención en estas convocatorias se centra en la promoción y venta de los artistas que ya representan.

Tipos de galerías de arte

Es complejo clasificar la gestión de las galerías de arte, porque existen tantos tipos de galerías como galeristas hay.

Los criterios de gestión son muy dispares y depende de la formación o fin que persigue el galerista, porque su interés tiene que trascender el ámbito económico, centrarse en la difusión de la cultura y sus representados y a la vez ser un perspicaz comerciante que conozca a fondo las estructuras del mercado.

Simplificando, se pueden describir tres grandes grupos:

Concretando en la especialización de cada galería se pueden establecer las siguientes categorías:

– Galería internacional: Con una trayectoria reconocida a nivel mundial. Trabajan con artistas consagrados y también con obra del mercado secundario. Los principales clientes de estas empresas son grandes coleccionistas y museos.

– Galería nacional: La relevancia de este tipo de galería es inferior a las de carácter internacional, aunque son muy reconocidas en su país y participan también en ferias internacionales. Sus compradores tienen poder adquisitivo alto y trabajan estrechamente con museos e instituciones

– Galería local: Su ámbito de acción es de carácter local y trabajan con artistas con una menor trayectoria, emergentes o de ca­rrera media, pero no por ello sus ventas son menores. Su cartera de clientes se centra en el mercado local o provincial.

– Galería emergente: La actividad de estas galerías esta en promocionar la obra de los artistas emergentes con un gran potencial en su carrera artística. El galerista oferta representación profesional a la vez que un espacio expositivo y hacen una gran labor en la difusión artística y cultural.

– Galería alternativa pop-up: Es un nuevo concepto de negocio que puntualmente hace su oferta en distintos locales, que también lo han puesto en práctica galerías importantes donde no tienen sede pero sí clientes. Estratégicamente permite la movilidad de la obra en función de la oportunidad de negocio que puede haber temporalmente, pero tiene también sus desventajas. Las contraprestaciones principales son encontrar un local que se adapte a las necesidades que conlleva celebrar una muestra en condiciones óptimas y el trabajo extra de promoción al no ser el lugar habitual de exposición.

– Galería online: Actualmente la mayoría de las galerías tienen también presencia online por lo que significa esta opción como escaparate permanente y de carácter global.
El contacto con el cliente se establece a través de un dispositivo móvil o por el ordenador, es inmediato y permite la comparativa de la oferta del mercado instantáneamente.
Sin embargo, la principal desventaja se puede encontrar en la falta de trato personal durante el proceso de compra, ya que le gusta al cliente asiduo a las galerías el trato personalizado y asesorado exclusivamente.

CONCEPTO DE LA RELACION ARTISTA / GALERISTA

La relación artista / galerista deberá estar presidida por la mutua confianza, buena fe, confidencialidad de los pactos y por la máxima diligencia en el cumplimiento de las obligaciones asumidas por cada una de las partes.

La relación entre un artista y un galerista puede definirse como aquélla en la que ambas partes, mediante aportaciones recíprocas de diversa índole, unen esfuerzos con el objetivos común de proceder a la venta de la obra del artista así como difundir y dar a conocer la misma.

El galerista, cuando se produce la venta efectiva de la obra, percibirá un porcentaje (comisión), a determinar contractualmente, sobre el precio de venta de cada una de las piezas exhibidas.

• Código de relaciones artistas y galeristas
• Artistas Visuales Asociados de Madrid (AVAM)
• IAC. Instituto de Arte Contemporáneo. España

La figura del representante o marchante de arte es conveniente para la consolidación de la trayectoria profesional del artista.

Su figura es relevante para un artista, porque tener quien le represente en exclusiva le facilita todo lo relacionado con el marketing de las artes, pudiéndose centrar en la realización de su obra artística.

Tareas de un marchante de arte

Las tareas de un representante no se limitan solo a vender, sino también a trabajar para tu futuro buscando patrocinadores, coleccionistas y oportunidades del mercado o segmento en que desempeñe su trabajo.

Muchas de las acciones que realiza un marchante no persiguen la venta como finalidad inmediata, sino hacer visible a su representado a los galeristas, críticos y coleccionistas.

Más que vender, su gestión busca la forma más rentable a medio plazo, que es la de “colocar” en una colección o exposición relevante la obra del artista que representa.

Está claro, que en un mercado tan subjetivo como es el del arte la reputación del artista se beneficia del prestigio de las colecciones en que se encuentra su obra.

La demanda de su producción aumenta en la medida que su marca personal consigue notoriedad en el exclusivo ámbito coleccionista

Las tareas en las que se ocupa generalmente un marchante, además de vender tu obra, son las siguientes:

Organiza exposiciones y la participación a ferias.
Negocia contratos, intercambios y colaboraciones.
Aporta asesoramiento comercial y publicitario.
Atiende la relación con los medios informativos y la crítica especializada.
Gestiona la tramitación de permisos y documentación de la obra.
Fomenta, mantiene y crea nuevas redes de coleccionistas.

¿Donde y cómo encontrar un representante?

Aunque la finalidad sea la misma, no se trata tanto de que tú busques, sino más bien que te encuentren y que deseen gestionar tu obra.

Los representantes artísticos escogen ellos en función de sus preferencias y de la demanda de mercado en que se desenvuelven.

No todos los profesionales de la venta son adecuados para comercializar tu obra y no debes facilitar tu representación a la primera oferta que recibas o a cualquiera que no se identifique con tu trabajo.

Para ser “encontrado” como artista y que alguien se interese por representar tu trabajo debes ser visible para estos profesionales.

A continuación, te enumero algunas de las pautas que puedes seguir para ser «más visible» para los diversos agentes que interviene en el mercado del arte:

1. Promociona y divulga tu obra fuera del estudio/taller, participando y asistiendo a todo tipo de actividades artístico-culturales.

2. Como prevención, pon la condición de supeditar al principio la colaboración a un tiempo limitado, que después puede consolidarse o ampliar si el resultado es positivo para ambas partes.

3. Contacta con otros artistas que represente o ha representado en algún momento para conocer su opinión y como es o ha sido su relación profesional.

4. Infórmate sobre que reputación tiene quien quiere representarte y que actividades desempeña en el mercado del arte.

5. En cualquier decisión que tomes, ten mucho cuidado con las ofertas engañosas, ya que lo único que consigues con ellas es que te cueste dinero y trabajo.
A cambio, tan solo añadiras en el historial una línea más de curriculum dudoso.

6. Deja bien claras cuáles son tus aspiraciones en lo que se refiere a exposiciones, ferias, ventas directas, encargos o proyectos para que sepa cómo enfocar tu carrera.

7. Además, de estar presente en ferias, exposiciones, abrir tu estudio a visitas o disponer de página web, hazte presente en cualquier otro sitio que creas que puede beneficiar tu promoción.

8. Siempre con el apoyo de la calidad y de la originalidad de tu obra, promociona primero y después te llegarán las ventas y los profesionales que se interesen por representarte.

9. Participa y acude a exposiciones, actos culturales o afines, ten presencia en internet y procura que tu trabajo lo conozcan lo más posible en el sector artístico en que te desenvuelves habitualmente.

10. Conócelo personalmente y averigua si la línea de representación que lleva es acorde con la temática y características de tu obra y si su intermediación es temporal o está dispuesto a trabajar a largo plazo.

Imprescindible firmar un contrato

Si trabajas con un representante artístico, desde el primer momento debe quedar muy claro en qué términos se desarrollará vuestra relación.

Negocia al detalle las condiciones en base a las cuales vais a trabajar y exige que queden reflejadas por escrito.

En la inmensa mayoría de los casos, suele ocurrir que el artista se conforma con un acuerdo verbal, pero, en mi opinión, es conveniente dejar por escrito las obligaciones de uno y otro lo más detalladas posibles.

Incluso en el propio ámbito cultural, formalizar un contrato como puede ser la actuación de un grupo musical o de teatro en determinado evento es lo razonable, mientras que si es un artista visual quien lo plantea se suele entender como una falta de confianza.

Ten siempre presente que un contrato por escrito (no acuerdo verbal) da seguridad por ambas partes, concreta lo que se pacta y a lo que se obliga cada uno de los firmantes.

Como señala el bufete de abogados MYL: ”En la normativa española o europea no existe una duración mínima o máxima para el contrato de representación artística. La media suele estar entre dos y cinco años. Si el representante tiene la exclusividad y no se ha comprometido con muchas obligaciones le interesará una duración lo más amplia posible, mientras que el artista querrá negociar períodos cortos y/o revisables.”