En el mundo del arte, alcanzar el éxito no solo se trata de talento innato, sino también de una combinación de factores que trabajan en conjunto para llevar a un artista a la cima de su carrera.

Existen tres áreas clave que pueden llevar a un artista al éxito:

excelencia artística,
      reconocimiento
             y estabilidad financiera.

Las tres pueden solaparse.

Equilibrar estas tres áreas requiere perseverancia, adaptabilidad y una pasión inquebrantable por la expresión creativa.

El éxito puede llegar cuando se logre el equilibrio entre estas tres áreas, pero lograrlo  puede llevar toda una vida.

Para conseguirlo, tienes que tener organización.

Esta estrategia puede ser la menos emocionante de todas, pero la organización es necesaria para lograr objetivos a largo plazo en tu negocio de arte.

Si tu objetivo es hacer ventas, o si tu ambición es ganarte la vida con tu arte, tendrás que ver tu producción artística como un negocio.

Algunos artistas encuentran esta idea desagradable.

Sienten que el arte y los negocios no se mezclan, y que plantearlo como un negocio de alguna manera puede manchar la pureza de su arte.

¿Y tú?

¿Te identificas con este sector?

Aquí tienes diez propuestas que pueden ser clave para ayudarte a lograr visibilidad en el mercado y consolidar tu éxito artístico:

1. Desarrolla tu propio estilo: Trabaja en encontrar tu voz artística única y en desarrollar un estilo distintivo que te diferencie de otros artistas.

2. Aprende constantemente: Nunca dejes de aprender y mejorar tus habilidades. Toma clases, asiste a talleres y mantente actualizado con las últimas técnicas y tendencias en el arte.

3. Construye una red de contactos: Conecta con otros artistas, críticos, galeristas y coleccionistas. Participa en eventos y exposiciones para conocer a personas influyentes en el mundo del arte.

4. Exhibe tu trabajo: Busca oportunidades para mostrar tu obra en espacios reconocidos. Las exposiciones te ayudarán a ganar visibilidad y atraer a potenciales compradores y seguidores.

5. Utiliza las redes sociales: Crea perfiles en plataformas de redes sociales y comparte tu trabajo regularmente. Utiliza hashtags relevantes y interactúa con otros artistas y amantes del arte para aumentar tu presencia en línea.

6. Crea un portafolio profesional: Prepara un portafolio bien curado y actualizado con tus mejores obras. Esto te permitirá presentar tu trabajo de manera efectiva a galeristas, curadores y clientes potenciales.

7. Participa en concursos y premios: Inscríbete en concursos de arte y premios relevantes. El reconocimiento obtenido puede aumentar tu credibilidad y visibilidad en la comunidad artística.

8. Colabora con otros artistas y profesionales creativos: Trabaja en proyectos colaborativos con otros artistas, fotógrafos, diseñadores u otros profesionales creativos. Estas colaboraciones pueden ampliar tu alcance y atraer nuevos seguidores.

9. Cultiva relaciones con coleccionistas: Establece relaciones sólidas con compradores de arte y coleccionistas. Mantén un contacto regular con ellos y ofréceles información sobre tu trabajo y futuras exposiciones.

10. Mantén la pasión y la perseverancia: El camino hacia el éxito en el arte puede ser desafiante, pero es importante mantener la pasión por lo que haces y perseverar a pesar de los obstáculos. Confía en tu visión y continúa creando con autenticidad.

Participar en los concursos aporta estímulos positivos para tu desarrollo y consolidación como artista.

Son un escenario apropiado para poder relacionarte, si la convocatoria es presencial.

Si solo se trata de participar aportando una obra la visibilidad será menor, pero siempre te puedes beneficiar de la publicidad que conlleva una convocatoria de estas caracteristicas.

Si eres seleccionado, el incentivo de poder llevarte el premio es relevante porque significará un ingreso extra a la comercialización de tu obra.

El concursar estimula tu creatividad, porque eres consciente de que tendrás que competir con los demás participantes y no podrás hacerlo, si quieres ganar, con una obra mediocre.

Además, de lo que te obliga como ejercicio profesional, debes tener en cuenta de no desaprovechar la oportunidad que te brinda una convocatoria de estas características para darte a conocer y promocionar tu trabajo.

Puede ser una buena plataforma destacar en un concurso y lograr que te sea mucho más rentable que la difusión que personalmente puedas hacer de tu obra llamando de puerta en puerta.

Los jurados los componen profesionales vinculados al mundo del arte y con amplio conocimiento del mercado, por lo que su interés por tu obra puede convertirse en una oportunidad única.

Las galerías están al tanto de los concursos y de los premiados para incorporarlos a su representación e, incluso, en muchas ocasiones promocionan estas convocatorias con la finalidad de descubrir a nuevos valores.

Publicidad, contactos o exposiciones son recompensas que puedes conseguir, al margen del premio de la convocatoria.

En el caso de que hayas sido seleccionado, este es el panorama que se te brinda con tu participación.

Si, por el contrario, no has podido pasar la criba y tu obra no ha sido aceptada, no significa que no tengas talento o que no debas presentarte a mas convocatorias de arte, porque los motivos por los que no te hayan aceptado en un concurso pueden ser de variada índole, al margen de tu capacidad como artista.

Hay muchos concursos y de todo tipo, por lo que es importante que sepas seleccionar con precisión a los que quieras presentarte, en función del premio, la temática, el tamaño, la técnica, la política de devoluciones, las condiciones de participación, el envío, etcétera.

• Selecciona los que sean de tu preferencia en webs como Deconcursos.com o en el portal Mundoarti.com

 Puedes participar indistintamente en concursos locales, nacionales o internacionales, pero siempre leyendo la letra pequeña de las bases de participación y teniendo muy claro que tu participación está al nivel de la convocatoria.

Conocer la dotación del premio es importante, porque puede no interesarte participar si es muy baja y, entonces, no te compensa invertir tiempo y dinero.

También te interesa saber cuál va a ser el destino de la obra premiada y que repercusión puede tener su difusión en los medios informativos.

En los últimos años ha estado de actualidad la aparición de iniciativas para poner en marcha nuevas residencias para artistas, con la finalidad de que sirvan de ayuda a la producción e investigación.

El enfoque en que se han creado las residencias son muy diferentes, porque no es lo mismo:

• un programa concreto de estudios,
• un taller de trabajo colectivo,
• refugiarse en un entorno rural o integrarse en un espacio urbano,
• convertirla en un lugar de encuentro entre artistas o limitar su función a hospedaje.

Este formato de trabajo colectivo resalta la importancia de la inmersión en otras culturas e intercambio cultural.

Definir el modelo ideal de residencia para artistas tiene su dificultad, porque hay que tener claro cuál es su finalidad y para que van a servir.

Para Javier Duero, comisario independiente y productor cultural: “una residencia puede ser una estructura barata, eficaz y muy útil para generar un sistema de producción cultural más democrático y horizontal”.

En un artículo que publica ElCultural.com, Duero insiste en esta idea y explica que “durante los años 80 y 90 nadie se interesaba por estas cuestiones. Los aspectos de investigación y producción eran asumidos en su integridad por los propios artistas, que trabajaban en un régimen de explotación, más parecido al servilismo que a una relación profesional. En este contexto, una residencia de artistas hubiera facilitado la ruptura con la estructura jerárquica tradicional del arte y hubiera permitido otro tipo de prácticas y trabajos. Desde entonces, las asociaciones de artistas las llevan reclamando. El principal problema es que las estructuras públicas han estado gestionadas por políticos ajenos al sector y una residencia de artistas o un centro de producción no es algo vistoso, no genera réditos inmediatos en términos de visibilidad. Es, sin embargo, una estructura básica si se quiere tener un sistema de producción cultural sostenible, que genere artistas profesionales y altamente preparados. Desde lo privado, no ha existido una cultura de emprendizaje y patrocinio de estas estructuras. Se ha privilegiado la gran exposición y el gran evento, y se entendía que el contexto productivo principal era el mercado del arte, con su sistema de colecciones, galerías y ferias”.

Entrar en una residencia puede ser por convocatoria abierta, por invitación directa o por acuerdo cultural con instituciones o fundaciones.

Las residencias no acogen únicamente a artistas, sino que se invita a otros profesionales del sector como comisarios, académicos o críticos con el fin de entrar en contacto y disfrutar de una experiencia colectiva y de un tiempo para investigar y producir.

Las residencias pueden mantenerse a lo largo del año, ser parte de un programa temporal o como una actividad más dentro de un evento o festival de arte.

La instauración y mantenimiento de las residencias puede estar patrocinado por sociedades culturales, instituciones administrativas y educativas o colectivo de artistas.

La financiación de los programas también es variado y van desde la residencia que cubre totalmente los gastos, hasta la que el residente debe financiar su estancia total o parcialmente.

El contenido del programa de trabajo puede ser de implicación con el entorno donde se lleve a cabo el desarrollo de un proyecto colectivo o de un taller o, por el contrario, aislarse dentro de la residencia con el único fin de trabajar e investigar en su idea creativa.

La experiencia con las residencias es vital como lugar de trabajo, investigación y exhibición alternativos, fuera de los circuitos artísticos convencionales.

En definitiva, las residencias, a pesar de sus limitaciones financieras o de programación, son una oportunidad positiva que ayudan al artista aportando el espacio idóneo donde crear, residir e intercambiar reciprocidad entre creadores.

 ¿Cómo actuar para que la prensa se interese por tu exposición?

Me imagino que en la ciudad donde te encuentras se podrán ver múltiples exposiciones simultáneamente y, como es lógico, la prensa local elige los artistas más reconocidos para hablar y escribir sobre ellos y de su exposición.

Si tienes abierta una muestra de tu obra y quieres que te apoyen los medios de comunicación para darle difusión hay que trabajárselo a fondo y uno a uno.

Esto tiene que ser así, a no ser que conozcas a alguien que te facilite el contacto,

Como artista que eres, es conveniente disponer de un dossier o portfolio (fotos, curriculum, declaración de artista, etcétera) como documentación para el redactor de Cultura de cada medio informativo y si es posible haciéndote presente en el periódico, radio o televisión y entregárselo personalmente.

Enviar notas informativas, aunque me consta que las tienen en cuenta, como las que suelen enviar las galerías en cada exposición, no siempre se publican y cuando lo hacen es una reseña breve.

Al margen de la calidad de tu obra y que ésta sea merecedora de la atención de la crítica, si quieres una entrevista o una opinión sobre tu obra tienes que contactar con la persona que se ocupa de ello en cada medio informativo.

Hay que trabajárselo y documentarse bien para saber quién es quién en cada sitio para que el contacto sea certero.

Ten en cuenta que una nota informativa puede resumirse en medio folio, pero un dossier ocupa bastante más.

La nota informativa sola llama poco la atención y es fácil que vaya a la papelera, el dossier le creará al redactor más interés o, quizás, por la extensión de su contenido, dudará a la hora de tener que deshacerse de él sin publicar nada.

Sea para una exposición o para cualquier otra finalidad, debes redactar una nota de prensa que sea atractiva, con información clara y concisa, para que no puedan eludir su publicación.

Algunos consejos para conseguir este propósito son los siguientes:

– Ve al grano. Explica lo que quieres contar empezando por lo más importante. En el primer párrafo debe quedar resumido qué es, de quién, dónde se celebra y cuando.

– Fotografías. Acompaña la nota con una o mSalir Visual Builderás fotografías y si haces la entrega vía online facilita la ruta de donde se las pueden descargar con una calidad óptima.

– Evita contactar con los periodistas a través de las redes sociales, por Messenger o enviándoles un whasapp. Parece una intromisión, es molesto y no son los canales adecuados.

– Destaca lo esencial del primer párrafo y si tienes algo más que comunicar acompáñalo con un subtítulo.

-Anexos. Además de la información descrita, puedes añadir textos que la amplíen, biografía del autor, listado de premios, exposiciones, bibliografía, enlaces o videos como material complementario.

– Por email. Si no la entregas en mano, hazlo por correo electrónico. Envíala con un tiempo prudencial y recuérdaselo uno o dos días antes, por si hubiera pasado desapercibido el correo.

– Información. En el siguiente párrafo ya se puede dar explicación detallada explicando en que consiste lo que les comunicas. Debes hacerlo con un lenguaje inteligible, evitando palabras rebuscadas, porque de lo que se trata es de informar. En ningún caso, contribuir a la confusión.

– Envío. Infórmate de quien se ocupa de la sección de Cultura en los medios informativos locales y mándales la información personalizada. Envíala a todos los medios de la ciudad y si tiene el evento cierta relevancia también se la mandas a los medios de cobertura nacional.

El portfolio es una herramienta esencial en tu promoción y, esmerándote en su diseño y contenido, lo debes convertir en la llave maestra que te abra las puertas a las que llames.

Al confeccionarlo, es conveniente analizar quienes van a ser sus destinatarios y diseñarlo de tal modo que, con unas ligeras modificaciones, pueda ser válido para todos.

Ten en cuenta que será lo primero que van a ver de tu trabajo y debe reflejar tu sello personal como artista.

No hay que conformarse con enviar un curriculum vitae extenso, bien nutrido de exposiciones, premios, estudios y bibliografía.

Es necesario también, pero en el mundo del arte lo que se impone son las imágenes por encima de cualquier escrito o recurso teórico.

Aquí sí vale aquello de que “una imagen vale más que mil palabras”, por lo que debes procurar ser original y hacerlo con creatividad para ofrecer lo mejor que tengas, porque se trata de diferenciarte de los demás.

Las galerías, instituciones, coleccionistas o convocatorias de arte reciben cientos de portfolios y es importante que, en primera instancia, visualmente se interesen por el tuyo porque llama la atención por su presentación.

Por experiencia y por la información recabada de otros artistas hoy en día las nuevas tecnologías ofrecen más posibilidades de ofrecer atractivos dossiers que hacerlo en formato físico.

Si tienes la oportunidad de presentarlo personalmente, un portfolio físico, incluso acompañado de alguna obra original, es más cálido, cercano y personal.

Si lo distribuyes digitalmente puedes hacerlo a través de tu página web, una memoria USB o a través de plataformas especializadas, además de que te permite diseñarlo con más recursos.

Más adelante, nos ocuparemos de un portfolio digital y los pasos a seguir cuando se diseña un dossier electrónico.

Una lista de consejos indispensable para confeccionar un portfolio (sea físico o digital) es la siguiente:

Aunque técnica y académicamente tu formación te permita desenvolverte en varias áreas profesionales,  es conveniente que orientes tu carrera artística hacia una especialización de tu creatividad.

Quizás te preguntes: ¿Por qué centrarme en un sector en concreto y no llegar a todos los públicos?

La respuesta es muy sencilla: ¡para no perder el tiempo!.

Y poder centrar todas tus energías en el grupo que realmente te interesa, porque es similar a tus inquietudes estéticas y conceptuales.

Hablar de nichos de mercado, aunque parezca algo reciente o quizás desconocido para tí hasta ahora, es una estrategia de marketing cuyo origen se puede remontar al siglo XVII, época de referencia en que se sitúa el nacimiento del mercado del arte, tal y como se entiende hoy en día.

Eso ocurrió el día en que se prescindió del mecenazgo del Papa, de los reyes o de la aristocracia y se empezó a producir en función de los gustos de la nueva burguesía que obtenía su riqueza del comercio.

Fue Rembrandt quien personalizó esta transición y como afirma Rosalía Sánchez, en su artículo “Así nació el mercado del arte”, publicado en ABC, “en la medida que los artistas se especializaban, tenían más facilidad de encontrar un nicho de mercado propio y lucrativo.”

La repercusión de esta decisión que tomaron los artistas modificó, no solo la comercialización, sino los temas y el formato, que se acomodaron al gusto de los nuevos coleccionistas.

Los artistas se fueron especializando en diversas temáticas: bodegones, paisajes, escenas campesinas o interiores familiares.

Esta especialización les favoreció al encontrar un nicho de mercado en el que podían destacar con su marca personal.

¿Lo tienes ya?

Cuando encuentres o sepas ya a que público debes dirigir tu oferta artística es cuestión de empezar a trabajar a fondo para convertirte en una autoridad en tu nicho de mercado o área en que te desenvuelvas comercialmente.

Debes aprovechar todas las oportunidades que se te presenten para obtener visibilidad.

Además de ser un buen profesional, cuando te conozcan por ser experto en una área o especialidad determinada, comprarán tu arte, porque confíaran en la inversión y se identificarán con tu oferta.

Si quieres dedicarte exclusivamente a vivir de tu vocación artística es importante que encuentres tu sitio y concretes cuál va a ser tu nicho de mercado, donde te puedas desenvolver profesionalmente con más afinidad y rentabilidad.

Un nicho de mercado es una parte muy específica de la sociedad como consumidores de arte.

Está compuesta por un número reducido de personas, empresas o instituciones que comparten características y preferencias similares dentro del sector cultural y artístico.

Representan una gran oportunidad de mercado al tener cualidades tan definidas.

Si te desenvuelves en el mercado del arte con una marca personal generalista, que ofreces tus dotes creativas a todos los segmentos, estarás perdiendo una de las mayores oportunidades de comercialización: la especialización.

Centra tu oferta en una modalidad artística que identifique tu marca personal y comercializala en el nicho de mercado más apropiado a tu producción.

La búsqueda de tu público puedes realizarla desde distintas perspectivas de selección y utilizando las siguientes características:

-Por conducta:
Analizar el mercado y la conducta en relación al arte: preferencias, frecuencias de compra o inversión.

-Por zona geográfica:
Selección de espacios geograficos: continente, países, ciudades, regiones, vecindario…. Individualmente o en conjunto.

Por demografía:
Seleccionar por sexo, estudios, edad, ingresos, familia, religión o raza.

-Por clase social:
Seleccionar en función de la clase social, personalidad o estilo de vida.

Por edad:
La edad es un segmento de mercado muy general, pero tu obra puede encontrar mejor acogida en un determinado rango de edad que en otro.

-Por profesión:
Las ocupaciones de las personas pueden determinar un status social que te interesa conocer y analizar por sus preferencias y poder adquisitivo.

Una vez hayas decidido cual es tu nicho de mercado ideal, tienes que validarlo para saber si te será rentable o no invertir en él tu trabajo, tu tiempo y tu dinero.