Se trata de seguir una estrategia para ofrecer una combinación de productos y poder satisfacer un espectro más amplio del mercado.

La idea se centra en poder atender la demanda con una variada oferta y, de esta manera, poder llegar a todos los bolsillos.

Estemos o no socialmente inmersos en una crisis, a nivel individual las personas siguen emocionándose con el arte.

Se interesan por tu obra y en algún momento desearán adquirirla.

Esto ocurre a distintos niveles de mercado y, mientras unos puedan permitirse adquirir una obra original, un sector mayoritario de la sociedad no puede hacerlo.

Aplicado a las ventas globales de obras de arte, esto significa que aproximadamente que una quinta parte de las iniciativas, artistas o piezas de arte son responsables del 80% de las ventas totales del mercado del arte.

A nivel individual, como artista, realiza diferentes tareas y actividades centradas en la divulgación de tu obra para favorecer o fomentar la venta.

En principio, cualquier oportunidad que tengas de exponer, ser entrevistado, participar en iniciativas artistico-culturales, colaborar, integrarte en grupos, fomentar las relaciones públicas, abrir tu estudio-taller o , incluso, dar clases potenciará tu visibilidad.

Todas estas actividades deben estar focalizadas en conseguir la venta de tu obra.

Después, revisa en un plazo de unos tres meses, por ejemplo, que ventas has conseguido y a través de que actividad se han materializado.

Deberás revisar las ventas e intentar identificar qué tipo de iniciativas u obras generaron los ingresos máximos.

La idea es crear una identificación del 20 % de los productos más vendidos.

 

La idea significa que al enfocarte en tus convicciones y creencias, puedes construir una conexión más fuerte con tu audiencia y establecer un sentido de comunidad en torno a tu obra.

El 20% restante de la comunicación debes centrarla en mostrar y compartir tu producción artística.

Comparte imágenes de tu trabajo, descripciones detalladas del proceso creativo y cualquier otra cosa que ayude a tus seguidores a comprender y apreciar la obra.

Al cumplir esta proporción, garantizas que tu comunicación esté equilibrada.

Compartes tus creencias y, al hacerlo, refuerzas de manera efectiva tu obra.

El principio de Pareto se utiliza a menudo como una herramienta para la toma de decisiones y la gestión de recursos, ya que sugiere que enfocarse en los pocos factores más importantes puede tener un impacto significativo en los resultados generales.

Cuando las ventas son consecuencia de la calidad y el reconocimiento del público tienden a recibir más atención y, por lo tanto, generan más ventas.

Las iniciativas  con más éxito, generalmente, invierten más en estrategias de marketing y promoción.

Los artistas y galerías más reconocidos suelen tener una amplia red de contactos en en el sector del arte y entre coleccionistas.

El precio alto y la exclusividad es otro de los motivos que conduce a una mayor proporción de ingresos generados por un grupo más pequeño de ventas.

Además, algunos artistas pueden mantener cierta exclusividad en el mercado, lo que aumenta la demanda y el valor de sus obras.

Factores subjetivos en las preferencias artísticas pueden variar ampliamente entre diferentes compradores.

Esto significa que algunas obras de arte pueden sintonizar mejor con el gusto de un público más amplio, mientras que otras pueden tener un atractivo más limitado.

Es importante tener en cuenta que la «Regla 80/20» no es una fórmula estricta, sino una tendencia observada en muchos escenarios diferentes, no solo en el del arte.

No siempre se aplica exactamente, pero el concepto subyacente sugiere que una pequeña parte de las iniciativas o elementos contribuirá de manera significativa a los resultados de los beneficios globales.

– Tu actitud debe ser de acompañamiento y procurar :

*No atosigarlo.
*No tratar de convencerlo.
*Informarlo.
*Dejar que crea que es él quien decide

Si no está del todo convencido, sea por cualquier motivo, no le facilites tú el pretexto para que pueda abandonar el estudio-taller sin comprar, aunque diga que aplaza su decisión para otro momento.

Cuando te encuentres en esta situación no debes cruzarte de brazos y dejar que se enfríe el interés que demostró por tu obra, sino que tienes que reavivar el deseo de compra .

Por eso, cuando tengas un primer contacto con algún coleccionista te conviene recabar datos para poderlo fidelizar.

Necesitas que te facilite:

Su email

Su teléfono (whatsapp)

Sus datos de contacto

Para enviarle periódicamente:

Información de tu actividad
Nuevas ofertas
Boletín de noticias

La realidad es que no todos los miembros de tu nicho o seguidores que estén interesados por tu obra van a convertirse en compradores.

Para poder persuadirlos tienes que implementar un método de fidelización y, progresivamente, acercarlos a la acción de compra.

Cuando realizas adecuadamente el seguimiento de los coleccionistas o posibles compradores que se han interesado por tu trabajo artístico, se consigue una conversión de un 3-5%, normalmente.

Esto significa que de cada cien personas interesadas se convierten en clientes 3 ó 5 de ellas.

El porcentaje puede ser mayor o menor en función de cómo, donde y cómo hayas conseguido los contactos.

La calidad de los integrantes de la comunidad que hayas creado en torno a tu arte redundará en la tasa de éxito que tengas para convertirlos en compradores.

Debes mantener el interés de tus seguidores y mantener un contacto fluido con ellos a través de tres canales de información:

página web,
redes sociales,
y email marketing.

Mantener la constancia y facilitar información relevante sobre tu trabajo artístico mantiene la atención de tu público que, en algún momento, decidirá comprar o te tendrá en cuenta en su proyecto artístico.

Identificar a posibles clientes que estén listos para comprar tu obra de arte requiere un enfoque estratégico y algunas tácticas de investigación.

La posibilidad más accesible para contactar con potenciales compradores es a través de exposiciones, ferias de arte, subastas y otros eventos relacionados con la cultura.

Estos lugares atraen a personas interesadas en el arte y pueden ser una excelente oportunidad.

También, te conviene establecer contacto con otros artistas, galeristas, curadores y profesionales del arte.

Tienen información valiosa sobre posibles compradores o incluso pueden ser compradores ellos mismos.

Visita galerías de arte y espacios de exhibición que muestren obras similares a las tuyas y observa si sus clientes encajan con tu mercado objetivo.

Encontrarás información sobre ellos a través de revistas especializadas, eventos de arte o en en la propia galería.

Envíales un correo electrónico o una carta presentándote y mostrando tu trabajo.

Algunos coleccionistas pueden estar dispuestos a adquirir tu obra o recomendarte a otros posibles compradores.

Igualmente, deberías hacer lo mismo con los diseñadores de interiores, decoradores o profesionales similares.

A menudo, estos profesionales buscan obras de arte para sus proyectos.

Establece relaciones con ellos y ofrece tus servicios como proveedor de arte.

Recuerda que la identificación de posibles compradores requerirá tiempo y esfuerzo.

Es importante mantenerse activo en la promoción de tu trabajo, para construir una red de contactos sólida, bien informada de tu trabajo y, en consecuencia, de compradores recurrentes.

Quizás estés trabajando en un proyecto a medio o largo plazo que requiere de apoyo financiero para conseguir que sea viable su ejecución.

O tal vez, vas a celebrar en breve una exposición que organizas y sufragas tu personalmente, sin la intermediación de galería alguna o marchante que se ocupe de los detalles de gestión.

Si es esta o similar la situación en la que te encuentras, considero que encontrar un patrocinador que te financie es la solución idónea.

 

DEFINICIÓN DE LOS PERFILES DE FINANCIACIÓN

Primer paso: Establecer un objetivo

Tienes que tener claro el interés que pueda aportar tu trabajo, la zona geográfica donde se va a desarrollar, publico al que va dirigido, la proyección mediática que puedas tener o la repercusión social que obtendrás.

Cuando tengas estos parámetros bien definidos te será más fácil saber a quien puedes dirigir tu oferta.

El siguiente paso sería saber exactamente que tipo de patrocinio necesitas;

– Financiero (por ejemplo, financiar un catálogo).
– Productos o servicios.(por ejemplo, aportar material o mobiliario ).
– Publicidad (por ejemplo, difusión mediática).
– Influencers RR.SS. (por ejemplo, difusión de marca personal ).
– Una vez hayas definido el objetivo y el tipo de patrocinio que te interesa personaliza tu petición de ayuda para cada solicitud que hagas, porque no todas las empresas son iguales o persiguen los mismos fines en cuestiones de promoción.

Beneficios que quiere el patrocinador

En general, un patrocinador puede interesarse en tu solicitud por motivos similares a los que te expongo a continuación:

– Aproximación a nuevos clientes o posibilidades de negocio.
– Promoción y vinculación de marca.
– Credibilidad para sus productos al ponerlos en uso frente al público.
– Compromiso socio-cultural y mejora de marca.
– Mayor visibilidad para ampliar su negocio en el sector.
– Mejorar su posicionamiento frente a la competencia.

Ahora bien, ¿que obtendrá la empresa si te patrocina?.

Sé realista en la exposición de los beneficios que puede obtener y no mientas por tratar de conseguir su mecenazgo.

Los beneficios que ofreces pueden incluir alguna o todas de las siguientes acciones:

– Referencia o logotipo en la invitación, folleto o cartelería.
– Mención en la publicidad o entrevistas de prensa.
– Referencia de patrocinio y publicidad destacada en el catálogo.
– Stand de exhibición para promocionar productos o servicios
– Descuento en la compra de obra o realización de trabajo personalizado.
– Atención y presentación personal del artista para grupo o evento que organice la empresa patrocinadora.

Presenta una solicitud detallada y atractiva

Presenta tu solicitud con datos y cifras lo más realista posible, además de dejar bien claro que aspectos de tu oferta congenian con los valores del patrocinador o de su marca para que ambos podáis sacar el mayor beneficio.

Tu propuesta debe ser detallada y diáfana en la exposición de los motivos por los que se vería beneficiado el mecenas si decide financiarla.

Los datos que debes aportar deben referirse, principalmente, a los siguientes puntos:

-Quién eres, qué haces, credibilidad que tienes de marca y trayectoria personal.
-De que se trata el evento a patrocinar
-Tipo de público que atraerá su celebración.
-Oradores y profesionales que lo apoyarán.

Se debe cumplir siempre con las prestaciones que se hayan acordado por ambas partes.

Para conseguirlo hay que redactar un compromiso en el que quede detallado a lo que se compromete cada uno y en que forma se llevará a cabo.

Se debe establecer el tiempo que durará la acción, dónde se llevará a cabo, como se desarrollará y que medios se emplearán.

Examina detenidamente todo lo expuesto en este artículo y decide que tipo de acción consideras más apropiada para encontrar el patrocinio que más te beneficia y se ajusta a tus necesidades.

Pasa a la acción y haz tu oferta a los candidatos que hayas escogido para financiar total o parcialmente tu proyecto.

No te quedes en tu zona de confort y sal a buscar este apoyo externo que te hace falta para sufragar los gastos.

Recuerda que nadie va a poner su dinero para ayudarte si no ven una clara rentabilidad a cambio de lo que vayan a invertir.

Esta es la realidad.

Por lo tanto, objetividad, paciencia y confianza en que lo vas a conseguir.

1. Crowdfunding de recompensa:

En este modelo, las personas contribuyen a un proyecto a cambio de recompensas tangibles o productos.

Por ejemplo, alguien que apoye un proyecto de crowdfunding para la producción de un libro podría recibir una copia del libro una vez que se complete.

---

2. Crowdfunding de inversión:

En este caso, las personas invierten dinero en un proyecto o empresa a cambio de una participación en los ingresos futuros o en la propiedad de la empresa.

Esto a menudo se utiliza para financiar startups y negocios en crecimiento.

---

3. Crowdfunding de préstamo:

En lugar de invertir en el proyecto, las personas prestan dinero al prestatario a través de plataformas de crowdfunding.

El prestatario devuelve el dinero con intereses en un período determinado.

---

4. Crowdfunding de donación:

En este tipo de crowdfunding, las personas realizan donaciones sin esperar ninguna recompensa material a cambio.

Este enfoque se utiliza comúnmente para recaudar fondos para causas benéficas, organizaciones sin fines de lucro o para ayudar a personas en situaciones de emergencia.

---

Las plataformas de crowdfunding online, como Kickstarter, Indiegogo, GoFundMe y muchas otras, han ganado popularidad en los últimos años.

Su actividad ha facilitado la financiación de una amplia variedad de proyectos, desde proyectos culturales y artísticos, películas independientes y nuevos productos hasta campañas de caridad y causas sociales.

Esta forma de financiamiento permite a emprendedores, artistas y organizaciones acceder a fondos de una manera más democrática y descentralizada, al tiempo que involucra a la comunidad en el apoyo a iniciativas que les interesan.

La galería de arte es aún hoy en día el canal de distribución más adecuado para la comercialización y promoción del artista con que cuenta el mercado del arte.

Interrogantes que suele hacerse el galerista al elegir o rechazar a un artista:

• ¿Qué trayectoria tiene y donde ha expuesto?

---

• ¿Qué aceptación ha tenido en el mercado?

---

• ¿Prestigia a la galería su trabajo?

---

• ¿Es fácil de comercializar su obra?

---

• Su historial es reducido, pero, la calidad artística, indiscutible.

---

• Personalmente me gusta, pero ¿debo exponerlo?

---

• ¿Sus precios son competitivos?

---

En las galerías, el proceso de selección es más directo, recayendo este procedimiento en la dirección que, normalmente, suele ser unipersonal, aunque esté asesorada previamente.

Ten en cuenta las siguientes consideraciones:

---

– Cuando más prestigio tenga una galería filtrara más el proceso de selección para correr el mínimo riesgo.

---

– La selección de un artista emergente es arriesgado para la galería y si decide apoyarlo es una inversión de tiempo y dinero que tiene que hacer a medio y largo plazo.

---

– Las galerías de menor nivel o más comerciales asumen más fácilmente el riesgo de trabajar con nuevos artistas, ya que la única responsabilidad de su gestión se centra en la obra expuesta temporalmente.

---

– La posibilidad de exponer en estas galerías suele ser después de una entrevista personal o de conocer el portfolio si es del agrado de la dirección.

---

– Si la galería es de reciente creación y entras a formar parte de los artistas habituales con los que inicia su andadura, es muy posible que la relación permanezca en el tiempo, si hay buena sintonía entre ambas partes.

CLAVES PARA CONTACTAR CON UNA GALERÍA

---

En realidad, los artistas necesitan a las galerías para mostrar su obra y poder comercializarla.

Por su parte, el galerista necesita al artista porque el trabajo de este es el origen de su negocio, actuando de puente entre el artista y el coleccionista.

---

– Antes de presentarte personalmente o de manera virtual en una galería conoce el tipo de exposiciones que celebra habitualmente.

---

– Es preferible mantener el primer contacto en persona, en lugar de enviar un email. (Pregunta directamente si quieren conocer tu obra y como prefieren hacerlo).
A veces, el mejor método es también el más fácil. Haz la pregunta: “¿Cómo elige esta galería a sus artistas?”.

---

– Presenta el dossier con la máxima coordinación de contenido y calidad fotográfica.

---

– Las galerías suelen programar al menos con una temporada de antelación, por lo que tendrás tiempo para preparar a conciencia una exposición si te aceptan y entras a formar parte de su programación.

---

– Si llegáis a algún acuerdo, no tengas reparo en solicitarlo por escrito.

---

– Basa tu solicitud en la coherencia de la línea expositiva de la galería y evita ofertarla a galerías con las que no te identificas.

---

– No dudes en preguntar, porque el NO ya lo tienes asegurado si no lo haces. Muestra tu trabajo con confianza e intercambia opiniones con los responsables de la galería.

---

-Lo mas importante es la relevancia de tu trabajo para ser reconocido por una galería. Tienes que seleccionar y presentar lo mejor, eligiendo obras con las que te identificas artísticamente.

---

– Puede que no acepten tu obra en ese momento, pero, tal vez, te dirijan a alguien que si le interese o te propongan un proyecto o colaboración.

---

– Mejor si existe la mediación de algún conocido, amigo en común o profesional, al menos para que acepten que les muestres tu obra.

---

– Frecuenta el espacio antes de ofertar nada, porque el mundo del arte es reducido en cualquier ciudad y todos se conocen. Déjate ver.

---

– Una tarjeta de presentación en la que figure tu sitio web es mucho más efectivo que cualquier otro medio social. Utiliza las RRSS solo como un complemento paralelo a cualquier otra iniciativa.

---

– Dispón de un portfolio online o web donde puedan encontrarte y conocer tu obra, si lo desean. (Aunque la posibilidad de plagio te haga desistir, son más las ventajas de tener presencia online que carecer de ella).

---

– Las ferias de arte son una oportunidad para conocer a las galerías y saber cual es su oferta. Recopila toda la información que puedas, pero aplaza el contacto para otro momento. Su atención en estas convocatorias se centra en la promoción y venta de los artistas que ya representan.

Tipos de galerías de arte

Es complejo clasificar la gestión de las galerías de arte, porque existen tantos tipos de galerías como galeristas hay.

Los criterios de gestión son muy dispares y depende de la formación o fin que persigue el galerista, porque su interés tiene que trascender el ámbito económico, centrarse en la difusión de la cultura y sus representados y a la vez ser un perspicaz comerciante que conozca a fondo las estructuras del mercado.

Simplificando, se pueden describir tres grandes grupos:

Concretando en la especialización de cada galería se pueden establecer las siguientes categorías:

---

– Galería internacional: Con una trayectoria reconocida a nivel mundial. Trabajan con artistas consagrados y también con obra del mercado secundario. Los principales clientes de estas empresas son grandes coleccionistas y museos.

---

– Galería nacional: La relevancia de este tipo de galería es inferior a las de carácter internacional, aunque son muy reconocidas en su país y participan también en ferias internacionales. Sus compradores tienen poder adquisitivo alto y trabajan estrechamente con museos e instituciones

---

– Galería local: Su ámbito de acción es de carácter local y trabajan con artistas con una menor trayectoria, emergentes o de ca­rrera media, pero no por ello sus ventas son menores. Su cartera de clientes se centra en el mercado local o provincial.

---

– Galería emergente: La actividad de estas galerías esta en promocionar la obra de los artistas emergentes con un gran potencial en su carrera artística. El galerista oferta representación profesional a la vez que un espacio expositivo y hacen una gran labor en la difusión artística y cultural.

---

– Galería alternativa pop-up: Es un nuevo concepto de negocio que puntualmente hace su oferta en distintos locales, que también lo han puesto en práctica galerías importantes donde no tienen sede pero sí clientes. Estratégicamente permite la movilidad de la obra en función de la oportunidad de negocio que puede haber temporalmente, pero tiene también sus desventajas. Las contraprestaciones principales son encontrar un local que se adapte a las necesidades que conlleva celebrar una muestra en condiciones óptimas y el trabajo extra de promoción al no ser el lugar habitual de exposición.

---

– Galería online: Actualmente la mayoría de las galerías tienen también presencia online por lo que significa esta opción como escaparate permanente y de carácter global.
El contacto con el cliente se establece a través de un dispositivo móvil o por el ordenador, es inmediato y permite la comparativa de la oferta del mercado instantáneamente.
Sin embargo, la principal desventaja se puede encontrar en la falta de trato personal durante el proceso de compra, ya que le gusta al cliente asiduo a las galerías el trato personalizado y asesorado exclusivamente.

CONCEPTO DE LA RELACION ARTISTA / GALERISTA

La relación artista / galerista deberá estar presidida por la mutua confianza, buena fe, confidencialidad de los pactos y por la máxima diligencia en el cumplimiento de las obligaciones asumidas por cada una de las partes.

La relación entre un artista y un galerista puede definirse como aquélla en la que ambas partes, mediante aportaciones recíprocas de diversa índole, unen esfuerzos con el objetivos común de proceder a la venta de la obra del artista así como difundir y dar a conocer la misma.

El galerista, cuando se produce la venta efectiva de la obra, percibirá un porcentaje (comisión), a determinar contractualmente, sobre el precio de venta de cada una de las piezas exhibidas.

 

• Código de relaciones artistas y galeristas
• Artistas Visuales Asociados de Madrid (AVAM)
• IAC. Instituto de Arte Contemporáneo. España

---

Tareas de un marchante de arte

---

 

Las tareas de un representante no se limitan solo a vender, sino también a trabajar para tu futuro buscando patrocinadores, coleccionistas y oportunidades del mercado o segmento en que desempeñe su trabajo.

Muchas de las acciones que realiza un marchante no persiguen la venta como finalidad inmediata, sino hacer visible a su representado a los galeristas, críticos y coleccionistas.

Más que vender, su gestión busca la forma más rentable a medio plazo, que es la de “colocar” en una colección o exposición relevante la obra del artista que representa.

Está claro, que en un mercado tan subjetivo como es el del arte la reputación del artista se beneficia del prestigio de las colecciones en que se encuentra su obra.

La demanda de su producción aumenta en la medida que su marca personal consigue notoriedad en el exclusivo ámbito coleccionista

Las tareas en las que se ocupa generalmente un marchante, además de vender tu obra, son las siguientes:

Organiza exposiciones y la participación a ferias.

---

Negocia contratos, intercambios y colaboraciones.

---

Aporta asesoramiento comercial y publicitario.

---

Atiende la relación con los medios informativos y la crítica especializada.

---

Gestiona la tramitación de permisos y documentación de la obra.

---

Fomenta, mantiene y crea nuevas redes de coleccionistas.

¿Donde y cómo encontrar un representante?

---

 

Aunque la finalidad sea la misma, no se trata tanto de que tú busques, sino más bien que te encuentren y que deseen gestionar tu obra.

Los representantes artísticos escogen ellos en función de sus preferencias y de la demanda de mercado en que se desenvuelven.

No todos los profesionales de la venta son adecuados para comercializar tu obra y no debes facilitar tu representación a la primera oferta que recibas o a cualquiera que no se identifique con tu trabajo.

Para ser “encontrado” como artista y que alguien se interese por representar tu trabajo debes ser visible para estos profesionales.

A continuación, te enumero algunas de las pautas que puedes seguir para ser «más visible» para los diversos agentes que interviene en el mercado del arte:

1. Promociona y divulga tu obra fuera del estudio/taller, participando y asistiendo a todo tipo de actividades artístico-culturales.

---

2. Como prevención, pon la condición de supeditar al principio la colaboración a un tiempo limitado, que después puede consolidarse o ampliar si el resultado es positivo para ambas partes.

---

3. Contacta con otros artistas que represente o ha representado en algún momento para conocer su opinión y como es o ha sido su relación profesional.

---

4. Infórmate sobre que reputación tiene quien quiere representarte y que actividades desempeña en el mercado del arte.

---

5. En cualquier decisión que tomes, ten mucho cuidado con las ofertas engañosas, ya que lo único que consigues con ellas es que te cueste dinero y trabajo.
A cambio, tan solo añadiras en el historial una línea más de curriculum dudoso.

---

6. Deja bien claras cuáles son tus aspiraciones en lo que se refiere a exposiciones, ferias, ventas directas, encargos o proyectos para que sepa cómo enfocar tu carrera.

---

7. Además, de estar presente en ferias, exposiciones, abrir tu estudio a visitas o disponer de página web, hazte presente en cualquier otro sitio que creas que puede beneficiar tu promoción.

---

8. Siempre con el apoyo de la calidad y de la originalidad de tu obra, promociona primero y después te llegarán las ventas y los profesionales que se interesen por representarte.

---

9. Participa y acude a exposiciones, actos culturales o afines, ten presencia en internet y procura que tu trabajo lo conozcan lo más posible en el sector artístico en que te desenvuelves habitualmente.

---

10. Conócelo personalmente y averigua si la línea de representación que lleva es acorde con la temática y características de tu obra y si su intermediación es temporal o está dispuesto a trabajar a largo plazo.

---

Imprescindible firmar un contrato

---

 

Si trabajas con un representante artístico, desde el primer momento debe quedar muy claro en qué términos se desarrollará vuestra relación.

Negocia al detalle las condiciones en base a las cuales vais a trabajar y exige que queden reflejadas por escrito.

En la inmensa mayoría de los casos, suele ocurrir que el artista se conforma con un acuerdo verbal, pero, en mi opinión, es conveniente dejar por escrito las obligaciones de uno y otro lo más detalladas posibles.

Incluso en el propio ámbito cultural, formalizar un contrato como puede ser la actuación de un grupo musical o de teatro en determinado evento es lo razonable, mientras que si es un artista visual quien lo plantea se suele entender como una falta de confianza.

Ten siempre presente que un contrato por escrito (no acuerdo verbal) da seguridad por ambas partes, concreta lo que se pacta y a lo que se obliga cada uno de los firmantes.

Como señala el bufete de abogados MYL: ”En la normativa española o europea no existe una duración mínima o máxima para el contrato de representación artística. La media suele estar entre dos y cinco años. Si el representante tiene la exclusividad y no se ha comprometido con muchas obligaciones le interesará una duración lo más amplia posible, mientras que el artista querrá negociar períodos cortos y/o revisables.”

1.Error: Sólo buscar galerías en ciudades grandes:
No solo hay galerías de arte increíbles en las ciudades, sino que también puedes encontrarlas en lugares menos conocidos con excelente oferta expositiva.
¡Hay cientos de galerías de arte y salas de exposición en ciudades pequeñas que están esperando ser descubiertas por artistas como tú!

2.Error: Enviar correos electrónicos genéricos en lugar de cartas de presentación personalizadas:
Los propietarios de galerías pueden recibir cientos de solicitudes cada semana, por lo que es vital destacar con una carta de presentación personalizada y emocionante.
Esmérate en redactar la carta, porque según como lo hagas atraerás o no la atención del destinatario.

3.Error: Olvidar de investigar la galería antes de contactarla:
Puede parecer una tarea tediosa, pero no investigar la galería antes de hablar con sus responsables es un gran error.
Además, puede ser una gran fuente de inspiración para ese correo electrónico personalizado que mencioné en el segundo punto.
Evita contactar sin haber investigado previamente sobre su enfoque artístico, el tipo de artistas que representan y las exposiciones que han realizado.
Es importante asegurarte de que tu trabajo encaje con la visión y el estilo de la galería.
Si no es la galería apropiada, tampoco vale la pena perder el tiempo en mostrarles tu obra.

4.Error. No hablar directamente con el director de la galería:
Si te encuentras en una galería de arte y tienes la oportunidad de hablar con el director, ¡hazlo!
Asegúrate de expresar tu interés en exponer tu obra en su galería.
Es él quien tiene que decidir si expone tu trabajo o no.
Si delega en alguién para atenderte, declina la entrevista y pasate en otro momento que pueda atenderte personalmente.

5. Error. No prepararse para la entrevista:
Imagina entrar en una galería de arte con tu portfolio bien montado y ser incapaz de hablar sobre tus propias obras.
¡No te pongas en ese apuro!
No improvises y sigue un guión sobre el discuros de cada obra, tanto a nivel conceptual, como en el proceso de realización.

6.Error: No tener versión digital del portafolio:
En estos tiempos de alta tecnología, no tener un portfolio digital de tus obras de arte puede ser un gran obstáculo.
¡Asegúrate de tener una versión digital de alta calidad de tu trabajo!
Que sea fácil de recordar su URL y accesible.
Diseña tu portfolio de manera original y que sea cómodo de navegar.

7. Error: No seguir las tendencias del mercado:
El mundo del arte es muy dinámico.
Debes estar informado de las últimas tendencias y estilos del mercado.
Conocer la competencia y preferencias de mercado te será de gran ayuda para dar a conocer tus obras.

8. Error: Envío de trabajos inapropiados:
Evita enviar trabajos que no cumplan con los requisitos establecidos por la galería.
Asegúrate de seguir las pautas específicas proporcionadas por la galería en cuanto a formato, tamaño, número de piezas, etc.
También es importante seleccionar cuidadosamente las obras que envíes para asegurarte de que representen tu mejor trabajo y sean coherentes entre sí.

9. Error: Falta de presentación profesional:
No presentes tu solicitud de manera descuidada o poco profesional.
Asegúrate de incluir una carta de presentación clara y concisa que explique quién eres como artista, tu enfoque artístico y por qué te gustaría exhibir en esa galería en particular.
Acompaña tu solicitud con un currículum actualizado y una selección de imágenes de alta calidad de tu trabajo.

10.Error: No seguir las instrucciones:
Es fundamental leer y seguir cuidadosamente todas las instrucciones proporcionadas por la galería.
Si solicitan que se envíe la solicitud por correo electrónico, no la envíes por correo postal.
Si piden un número específico de imágenes, no envíes más ni menos.
Asegúrate de cumplir con todos los requisitos solicitados para que tu solicitud sea considerada seriamente.

11. Error: Ser impaciente o insistente:
Evita el seguimiento excesivo o la presión constante sobre la galería después de enviar tu solicitud.
Dale a la galería el tiempo adecuado para evaluar tu trabajo y si están interesados, te contactarán.
Si no te responden pasado un plazo prudencial, probablemente, no estén interesados.
Entonces, llámalos o contacta para saber su decisión definitiva.

12. Error: No investigar los términos del acuerdo:
Por último, si te ofrecen la oportunidad de exhibir en una galería, revisa detenidamente los términos del acuerdo antes de aceptar.
Asegúrate de comprender los detalles sobre la comisión, la duración de la exhibición, las responsabilidades compartidas, el transporte y cualquier otra cláusula relevante.
Si tienes alguna pregunta o inquietud, no dudes en discutirlas con la galería antes de firmar cualquier contrato.

Recuerda que cada galería tiene sus propios procedimientos y requisitos, por lo que es importante adaptar tu enfoque a las especificaciones de cada una.

Ser profesional, respetuoso y cuidadoso en tu solicitud aumentará tus posibilidades de éxito y podrás exigir el mismo trato por parte de la galería.

Espero que estos consejos te ayuden en tu búsqueda.

Si después de una exposición se liquidan los beneficios de las ventas al 50% (porcentaje habitual en galerías que representan la obra del artista) hay que tener en cuenta que para el artista pasará un tiempo (fácilmente puede ser un año) hasta que vuelva a exponer y obtener beneficios de la posible venta.

Sin embargo, la galería celebrará inmediatamente una nueva exposición con lo que será más fácil que se reponga si la anterior no ha tenido una buena acogida.

Visto desde este punto de vista el artista sale desfavorecido frente a la galería percibiendo el mismo porcentaje, por lo que se tienen que negociar con acierto las condiciones a la hora de exponer.

No solo a lo que se refiere al porcentaje, sino también las prestaciones que gestionará la galería, además de la venta, y si ésta le compra al artista o, por el contrario, es él quien le vende directamente al comprador y liquida el porcentaje a la galería.

Aunque no haya norma general, si pueden servir de orientación los siguientes porcentajes en función de la relación que exista entre artista y galería.

También quedará claro si los descuentos corren a cargo de la comisión de la galería o serán sobre el precio final y se asume por partes iguales.

Existe otra opción de galerías de arte que no cobran ningún porcentaje por ventas, pero cobran un precio elevado por el alquiler de la sala y no se tiene garantías de que gestionen las ventas, ni se ocupen de la promoción de la exposición.

No obstante, hay artistas que suelen tener su propia clientela y prefieren este tipo de galerías, porque les es más rentable que pagar una comisión, ya que tienen su  cartera de clientes y gestionan personalmente las relaciones públicas de la muestra.

Dos tipos de relación son los más habituales que se dan entre el galerista y el artista:

• Relación de colaboración
• Relación de representación

La relación de colaboración contempla un trabajo puntual entre ambas partes y que puede ser una forma habitual de la galería al trabajar con una amplia cartera de creadores, no mediando ningún compromiso de exclusividad.

La colaboración con una galería de manera puntual puede quedar circunscrita a la celebración de una exposición, por concurrir a una feria o solo por dejar un determinado número de obras en depósito hasta su venta.

Este tipo de relación se suele dejar por escrito mediante la redacción de la “Hoja de Depósito” en la que debe de figurar:

Fecha de entrega,
Datos técnicos de la obra,
Plazo de depósito y de devolución,
Responsabilidad de custodia,
Condiciones de transporte y embalaje.

Debe quedar constancia del precio de venta de la obra, impuestos a aplicar, posibilidad de descuento, quien o como se asume la rebaja y porcentaje de la galería.

Cuanto más detallada esté la documentación, mayor será la garantía de buenas relaciones y eliminar la posibilidad de conflicto.

Lo habitual es que cada obra que se entregue a la galería para su comercialización se haga con su correspondiente “Hoja de depósito”.

También se puede redactar un documento con las condiciones generales y acompañarlo con un anexo para cada obra con sus características técnicas que la identifiquen.

También, habrá que definir el número de obras que deberá entregar, bien sea anualmente o por exposición y la posibilidad de trabajar con otras galerías, participar en ferias o permitir que su obra sea itinerante o no.

Al margen del tipo de representación que se haya acordado, en la negociación no se pueden descuidar otros aspectos importantes como son el modo de exhibición, la custodia de la obra, como será almacenada, los plazos de entrega o como se llevarán a cabo las devoluciones.

Obligación de la galería es organizar un mínimo de exposiciones de carácter individual o colectivo y definir los gastos que hará frente como representante del artista en lo que se refiere a traslados de la obra, embalaje, transporte, montaje, fotografía, alojamiento y viajes del artista, etcétera.

En el Contrato de Representación debe quedar claro desde el primer momento, en función de la comisión que corresponda a la galería, si debe hacer frente o no a los gastos de publicidad, representación, catálogo, invitaciones, asistencia a ferias, etcétera.

La liquidación de los beneficios debería ser abonados al artista en un plazo razonable y no superior a treinta días, siempre y cuando no se haya acordado otra opción, ya que en cada venta se pueden dar circunstancias distintas como puede ser el pago a plazos, financiación de la obra o aplazamiento de la entrega.

También tiene derecho el artista a ser informado de la identidad del comprador y del destino de la obra vendida.

Por su parte, el artista debe cumplir con lo pactado con la galería como puede ser asistir a las inauguraciones, actos concertados, cumplir los plazos de entrega, supervisar el montaje de las exposiciones, informar de las relaciones con otros profesionales del sector y de la posible revalorización de su obra y, en todo momento, respetar la confidencialidad del contrato.

Desde el aspecto conceptual, lo relevante en tu labor creativa es conseguir una obra bien hecha, lograr expresar una buena idea y, mediante recursos técnicos, saberla plasmar satisfactoriamente.

Dominar el medio en el que trabajas artísticamente y expresar tus inquietudes es solo el primer paso, aunque para ti esta etapa sea la más importante del proceso.

Después de conseguida la obra, hay que saber venderla y estipular con acierto el precio justo de cada uno de tus trabajos, en función de una serie de pautas:

– ¿Aplicas los precios con certeza en función del trabajo y de su valor artístico?

---

– ¿Pongo el mismo precio en el estudio-taller que en la galería, que si lo hago a través de un intermediario?

---

– ¿Aciertas al tarifar una obra cuya inversión principal es el tiempo invertido en su realización?

---

– ¿Calculas con acierto tus ganancias una vez has deducido todos sus costos, comisiones, impuestos y descuentos?

---

– ¿Dispones de un método eficaz y justo para hacerlo?

---

– ¿Sabes si tu margen de ganancias te permite vivir de tu arte?

---

– ¿Sabes cómo calcular los precios teniendo en cuenta la comisión de la galería o de un intermediario?

---

– ¿Cuánto vale tu hora o día de trabajo?

---

– ¿Eres consciente de cómo y cuánto te afecta no aplicar los precios con rigor?

---

Aunque para los pintores hay medidas standard que pueden servir de orientación, en otros oficios de arte cada obra requiere una valoración diferente para su comercialización.

Valor y precio

Estoy seguro que en más de una ocasión habrás oído: ”No es lo mismo valor que precio en una obra de arte”.
De acuerdo. Así es.

Tu obra es genial, tiene tu impronta personal, te identificas con ella, es única e irrepetible.

Artísticamente, vale mucho para ti, pero piensa ¿cuánto estaría dispuesto un comprador a pagar por ella?.

Medítalo fríamente.

Distánciate de tu obra como autor y obsérvala como un mero objeto.

Para ponerle precio a una pieza de arte, sea pintura, dibujo, escultura, obra gráfica, fotografía, cerámica, etcétera tienes que basarte en una lógica que te sea útil, equitativa y satisfactoria para cada ocasión.

A la hora laboral ponle un precio justo, como si fueras un profesional de otro sector.

No vayas sacando pecho y considerando que lo que tienes es único.

Para ti, seguro que sí.

Será algo especial, pero todo es reemplazable y la oferta que hay en el mercado es muy amplia y variada.

Con el paso del tiempo y superándote día a día conseguirás una justa cotización.

Si eres un artista emergente que se está introduciendo en el mercado, puedes empezar por ponerle a la hora de trabajo alrededor de los 20-25 euros, por ejemplo.

Observa a otros artistas similares.

Analiza su obra y el precio que tienen.

Recuerda que si eres “nuevo” en este mercado no puedes vender al mismo precio que un artista de amplio recorrido y con una demanda de su obra establecida.

Es preferible subir poco a poco y hacerlo a medida que exista una demanda favorable que, pasado un tiempo, tengas que bajar los precios porque no vendas.

Si alguien te ha comprado a 500 euros y, pasado un año, el mismo formato y temática lo estás vendiendo a 350 euros es una mala política; muy mala política.

Da la impresión que has engañado al que te ha comprado al principio a 500 euros.

Subir es fácil, pero después cuesta mucho bajar.

Sube poco a poco, aunque ya tengas establecido un pequeño hueco en el mercado.

Siempre, aunque no te lo pidan, debes poder justificar las subidas de precio.

Los precios altos frenan al comprador.

Los precios bajos te subestiman.

El arte es una expresión única de tu creatividad y dedicación, y reducir los precios puede hacer que los espectadores y compradores subestimen el esfuerzo y la calidad detrás de cada pieza.

Si constantemente bajas los precios, es posible que te encuentres luchando para cubrir los costos de producción, los materiales y tu tiempo invertido.

Esto puede llevar a una situación en la que te sientas obligado a crear más obras en menos tiempo, lo que podría afectar negativamente la calidad y la autenticidad de tu trabajo.

Al reducir los precios drásticamente, es posible que atraigas a compradores que buscan solo ofertas y descuentos, en lugar de personas que realmente valoren tu arte.

Esto puede generar una base de seguidores poco comprometidos y afectar la construcción de una audiencia genuina que aprecie tu visión creativa.

Si estableces un estándar de precios más bajo desde el principio, puede ser difícil aumentarlos a medida que tu trabajo gane reconocimiento y tu habilidad artística mejore.

Los ajustes de precio pueden malinterpretarse como intentos de aprovechar el éxito en lugar de reflejar el progreso legítimo en tu carrera.

Los compradores a menudo asocian precios más altos con mayor calidad.

En lugar de enfocarte en bajar los precios, considera otras estrategias para atraer a nuevos compradores y aumentar tu visibilidad en el mercado del arte.

Comunicar el proceso creativo detrás de cada obra y construir una historia en torno a tu arte puede ayudar a los compradores a comprender mejor su significado y a conectarse emocionalmente con él.

El arte es una inversión en la cultura y la creatividad, y tu trabajo merece ser valorado adecuadamente.

En lugar de ceder a la presión de reducir los precios, mantén la confianza en tu visión artística y busca un público que aprecie y respalde tu creatividad de manera auténtica.

El artista plástico sea pintor, escultor, acuarelista, dibujante, grabador, fotógrafo o artesano, por ejemplo, necesita exponer y mostrar su obra.

Para conseguirlo tienes que entrar en el exclusivo mercado del arte y lidiar con las peculiaridades de este sector elitista y comercial.

No siempre se acierta a la hora de elegir sala donde exponer su trabajo.

Disponer de la información necesaria y orientar acertadamente la difusión de tu trabajo artístico son las mejores herramientas para no perder el tiempo …y, a veces, dinero también.

---

¿Dónde se puede exponer?

---

Cada galería o sala de arte tiene sus características especiales y según sus preferencias se reserva el derecho de selección de los artistas que expone.

Es normal, porque en unos casos son negocios privados y otros siguen unas líneas de exhibición determinadas.

A la hora de buscar local donde exponer tu obra lo primero que tienes que tener claro es dirigirte solo a galerías que muestran en sus salas una línea artística igual o similar a la tuya.

No es acertado que, si tu estilo es abstracto, le solicites fecha para exponer a una galería de estilo costumbrista o figurativo.

Por este motivo, antes de dar ningún paso en falso es importante informarte lo más ampliamente posible de las posibilidades que hay para exhibir tu obra en tu ciudad o en cualquier otra plaza que quieras exponer.

Es muy importante también saber si te interesa una sala de exposiciones de pago que funciona como negocio, una sala cultural patrocinada por una entidad institucional, cultural o financiera o hacerlo en un local alternativo.

El mercado del arte online va en aumento cada año.

Si eres un autor emergente tu círculo de relaciones artístico-comerciales se reduce, normalmente, a familiares, amigos, vecinos, compañeros de trabajo o de estudios y poco más.

Si tienes ya un recorrido más amplio, porque has celebrado exposiciones o has vendido directamente es probable que ya tengas una pequeña cartera de clientes que están fuera del círculo más cercano a ti.

Pero, esta cartera no es suficiente.

Hay que ampliarla, porque lo normal es que te compren ocasionalmente y tú tienes que ganar para poder vivir todo el año.

Repito: debes publicitar tu obra para poder ampliar el campo de acción de mercado y no agotar con tu oferta reiterada tu clientela actual.

La posibilidad de que tú, como artista, artesano, fotógrafo o ilustrador, puedas vender a través de internet amplía el campo de tu acción a un mercado global.

No creas que si has subido a la Red tu portfolio de obras que has puesto en venta ya está todo hecho y solo hay que esperar a que lleguen los compradores.

Internet no funciona así.

Hay que publicar con regularidad y ser constante en todos los canales que tengas abiertos online.

No solo debes publicar periódicamente, sino que tienes que responder a los comentarios que hagan referencia a ti o a tu obra en las Redes Sociales.

Cualquier consulta que recibas vía email debes atenderla y contestarla lo antes posible.

Planifica los días que vas a publicar y el tiempo que dispones cada día para ocuparte de las redes y de actualizar tu web.

Por último, añadir que internet está lleno de oportunidades y te conviene ser visible, porque puedes asegurarte clientes interesados por tu arte en cualquier lugar del mundo, que pueden adquirir tus productos con solo un clic.

Cinco áreas donde actuar para conseguir el éxito 

Esta formación de cinco módulos la he diseñado para brindarte las herramientas y conocimientos necesarios:

En el primer módulo, «Definición como artista», te embarcarás en un viaje de autodescubrimiento, explorando qué tipo de artista eres y cómo puedes desarrollar una marca personal única que te distinga en el competitivo mundo del arte.

El mercado del arte online va en aumento cada año.

Si eres un autor emergente tu círculo de relaciones artístico-comerciales se reduce, normalmente, a familiares, amigos, vecinos, compañeros de trabajo o de estudios y poco más.

Si tienes ya un recorrido más amplio, porque has celebrado exposiciones o has vendido directamente es probable que ya tengas una pequeña cartera de clientes que están fuera del círculo más cercano a ti.

Pero, esta cartera no es suficiente.

Hay que ampliarla, porque lo normal es que te compren ocasionalmente y tú tienes que ganar para poder vivir todo el año.

Repito: debes publicitar tu obra para poder ampliar el campo de acción de mercado y no agotar con tu oferta reiterada tu clientela actual.

La posibilidad de que tú, como artista, artesano, fotógrafo o ilustrador, puedas vender a través de internet amplía el campo de tu acción a un mercado global.

No creas que si has subido a la Red tu portfolio de obras que has puesto en venta ya está todo hecho y solo hay que esperar a que lleguen los compradores.

Internet no funciona así.

Hay que publicar con regularidad y ser constante en todos los canales que tengas abiertos online.

No solo debes publicar periódicamente, sino que tienes que responder a los comentarios que hagan referencia a ti o a tu obra en las Redes Sociales.

Cualquier consulta que recibas vía email debes atenderla y contestarla lo antes posible.

Planifica los días que vas a publicar y el tiempo que dispones cada día para ocuparte de las redes y de actualizar tu web.

Por último, añadir que internet está lleno de oportunidades y te conviene ser visible, porque puedes asegurarte clientes interesados por tu arte en cualquier lugar del mundo, que pueden adquirir tus productos con solo un clic.

Cometer errores en las Redes Sociales es muy fácil y algunos se pueden propagar perjudicando nuestra marca personal.

Para evitarlos, a continuación se enumeran algunos errores de los más frecuentes:

1. Aunque sea muy cómodo programar con Hootsuit, por ejemplo, no hay que abusar de la programación automatizada de tus publicaciones. Se nota que interviene un robot.

2. No escoger bien la red que te conviene es un problema que debes evitar o corregir lo antes posible. Existen varias y cada una tiene un objetivo diferente que debes valorar y saber si está en consonancia con tus intereses.

3. Evita el spam porque es muy fácil que muchos dejen de seguirte si insistes en molestarlos. Nada de publicidad machacona, repetir la misma información o participar comentando con fines promocionales, porque al final perjudicarás tu reputación online.

4. Cualquier sugerencia, critica o queja se debe gestionar lo antes posible y dar explicaciones para evitar que se extienda lo que podría perjudicar tu credibilidad.

5. Usar un perfil inadecuado te puede perjudicar, por lo que debes decidir muy bien si te interesa un perfil personal o profesional desde un principio, para no desperdiciar ninguna de las oportunidades que te ofrece cada uno de ellos, según tus intereses.

6. No descuides la seguridad y gestiona las redes sociales con profesionalidad profundizando en su conocimiento, porque de no hacerlo así no conseguirás los resultados que te hayas propuesto o perderás mucho tiempo hasta ver unos mínimos logros.

7. No debes publicar el mismo contenido siempre. Diversifica entre fotos, videos, información, infografías, etcétera, según sea la red social en que te mueves. Evita la monotonía y haz que tu canal sea atractivo para los que te sigan.

8. Debes seleccionar tu público objetivo, porque nada te sirve tener miles de fans si no les interesa tu producción artística. Es una cuestión de calidad, no de cantidad.

Hay que estar, porque el que no está, no existe.

Se trata de internet y esto lo decía Bill Gates, hace ya unos cuantos años.

En la medida de tus intereses y posibilidades, tienes que tener presencia en el mundo online.

Las Redes Sociales son útiles para promocionar tu obra.

Son un escaparate excelente para el artista emergente.

Cuanta más visibilidad tengas más probalidades de comercializar tu trabajo artistico y obtener unos ingresos recurrentes.

Internet es un mundo lleno de posibilidades y de desengaños.

Tener un plan de acción y rentabilizarlo es el buen camino que hay que saber recorrer.

Instagram o Facebook, las dos redes sociales que más utilizan los artistas, no son un fin en sí mismo, sino solo el principio.

Por solo publicar en ellas no conseguirás vender o lo lograrás puntualmente.

Te servirán para llamar la atención, para que se fijen en tí, para que conozcan tu obra y así poder captar la atención de los usuarios que se han mostrado atraidos por lo que tu haces.

El 45% de los consumidores afirma que las redes sociales influyen en sus compras.

Pero, solo un 11% ha comprado directamente a través de ellas.

Entonces, una vez tienes su atención queda un largo recorrido de fidelización hasta que, en algún momento, decidan comprar.

Conseguido el primer contacto, te interesa atraerlo a tu territorio, a tu página web, y desde ahí fidelizarlo con información sobre tu producción artística y proyección profesional, personalizando todos los contactos y creando confianza.

Cuando un artista publica su obra, no compite sólo con los demás artistas que están en las redes sociales, sino también contra cualquier otra publicación.

El pasado año 11 millones de publicaciones de Instagram se publicaron con el hashtag #artforsale.

En esta competencia incide un factor fundamental y decisivo.

El famoso algoritmo que determina que se muestra, cuando se muestra y a quienes se muestra.

Entonces, en esos milisegundos en los cuales aparece tu obra en pantalla y compite con todo lo demás ¿cuáles pueden ser las probabilidades de venta?

Hay que lograr que ese posible comprador te dedique más tiempo que los milisegundos originales que te permite la red, a generar un vínculo emocional con la misma y a partir de ahí a considerar como factible adquirir en algún momento tu obra.

Por su valor, una obra de arte es difícil que se venda en frío.

Hay todo un proceso desde que se interese alguien por tu obra hasta que pasa a ser el comprador efectivo de la misma.

Facebook e Instagram suelen estar al inicio, no al final, de este proceso.

Las redes sociales exigen un flujo constante de contenido para mantener a tus fans.

Es una moderna esclavitud que tienes que asumir, porque si estás parado unos meses se olvidan de tí.

Si lanzas algo nuevo y resulta que funciona, el eco publicitario dura muy poco.

Puede ser que aciertes y tiunfes nada más llegar.

Pero la fama, en la era digital, no es sinónimo de garantía, ni de estabilidad.

Tampoco te pertenecen y estás al rebufo de decisiones de terceros.

Tu web y tu lista de suscriptores siempre serán tuyas.

Aprovecha las Redes Sociales para atraer tráfico a tu website y ampliar tu cartera de clientes.

Hazlo con contenido de calidad y afin a tu actividad artística.

Segmenta y fideliza a tus suscriptores para ofrecerles el contenido más allegado a su interés por tu trabajo.

Conseguirás vender aportando valor y confianza a través de trabajar tu marca personal y la relación con el tiempo que mantengas con cada usuario.

Eso solo se consigue desde tu propia web y lista de suscriptores.

Al venderse una obra, tendría que ser una prioridad que el artista o la galería facilitara la certificación como documento de autenticidad, acompañando a la correspondiente factura. En el mercado primario no todos los artistas tienen la cautela de adjuntar con la obra un Certificado de Autenticidad que garantice la autoría y detalle su trazabilidad. En lo que se refiere al mercado secundario, es fundamental la documentación que acompaña a la obra de arte, porque garantiza su legitimidad. En este caso, son transacciones que en su mayoría se realizan cuando el artista ha fallecido y, en consecuencia, no se puede contar con su participación para certificar su autoría.

---

Como acreditar la autoría de la obra de arte

---

No existe ninguna norma o regulación que exija para la compra-venta de una obra de arte la presencia de un certificado de autenticidad, pero su existencia acredita la autoría y es un requisito que beneficia la comercialización del arte. Un Certificado de Autenticidad asegura a los propietarios que la obra que poseen es un original y cuál es su autor y características de la misma, evitando así el posible fraude. En realidad, no existe en la actualidad un formato estándar para diseñar o redactar un Certificado de Autenticidad. Los formatos más comunes en el mercado del arte suelen ser de tipo documento, pegatina o sello. – Documento: Se adjunta a la obra como documentación independiente con una información más extensa y detallada de sus características, pudiendo estar redactado expresamente para cada pieza o recurrir a un formato estándar que se rellena en cada ocasión. – Pegatina: Como su nombre indica, es una nota adhesiva que va pegada a la obra, con una descripción general de la misma. Tiene la ventaja de que al estar adherida siempre acompaña a la obra. – Sello: se puede utilizar individualmente para rubricar e identificar la autoría de la obra, como para sellar la documentación que se adjunta. – Certificación Blockchain (Cadena de bloques, en español): es una tecnología que permite la transferencia de datos digitales de forma completamente segura para la información aportada que, gracias a los nodos una vez ratificados, la convierte en un sistema capaz de inculcar seguridad y veracidad a la información.

---

¿Cómo se expiden y qué ventajas tienen los certificados blockchain?

---

La certificación blockchain no requiere de un intermediario centralizado para el envío de información, sino que esta función está distribuida en múltiples nodos independientes que la corroboran y, en consecuencia, la registran. Una vez registrada la información que se ha facilitado, no puede ser borrada. Cualquier variación posterior que sea necesario hacer no podrá rectificar la ya existente, sino tan solo se podrá añadir como nuevos registros, que tendrán que ser legitimados por la mayoría de nodos que hayan intervenido en el registro original. Como artista, puedes certificar todo tipo de obras de arte, bien sean obras físicas o creaciones digitales. El único requisito que tienes que tener en cuenta es que cuando es una obra plástica tienes que registrar la fotografía de la obra física, para poder identificarla. Cuando la obra es digital se puede registrar directamente en formato de video o imagen. Para garantizar la autenticidad de la obra certificada mediante la tecnología blockchain ésta debe recopilar todas las características que influyen en su validez:

datos identificativos, fundamentos informáticos, referencias de legitimidad y derechos de autor reconocidos.

Toda esta información debe quedar registrada en la cadena de bloques que intervengan en su certificación y es necesaria para poder ser reconocida la obra desde una perspectiva judicial si es cedida, comprada o se ve envuelta en algún litigio. La certificación te permite hacerla tanto si se trata de una obra original (pieza única) o si se trata de una edición limitada de ejemplares (obra múltiple). En el caso de la obra múltiple, cada una de los ejemplares será catalogado independientemente dentro de la colección y se podrán certificar todos de igual manera, respetando las características de la edición y la distinta numeración que las identifica.

---

Documentación que debe recoger un certificado de autenticidad

---

Aunque no es fácil conocer la cifra exacta de obras que circulan por el mercado primario y secundario del arte, se puede señalar que entre un 30-40% de las que están a la venta son falsas o de dudosa procedencia. El certificado garantiza su legalidad y es mucho más fiable si este ha sido expedido mediante la tecnología blockchain, regulada por normas para la autenticación. Como explica Javier Pérez de Arana, CEO de DigitArt, “aunque aún existen desafíos, la tecnología blockchain será, sin duda, una de las de más rápido crecimiento y evolución en un futuro inmediato.” La documentación que aporta un certificado debe ser lo más amplia posible y a continuación se enumeran las principales referencias que debe contemplar:

– Nombre real completo o artístico del artista o autores. – Trayectoria del artista – Título que identifica a la obra – Resaltar su naturaleza si es una obra de arte original. – Declarar si forma parte de una edición limitada como obra múltiple. – Año de su creación. – Materiales y técnicas empleadas en su ejecución. – Medidas que delimitan la obra. – Aportar imágenes de alta resolución para identificar la obra si ha sido realizada físicamente para poderla cotejar visualmente. – Adjuntar una declaración por parte del autor que ratifique la autenticidad. – Adjuntar trayectoria profesional del artista (exposiciones, premios, critica, bibliografía, actividades artísticas, formación, etcétera). – Firmar el certificado y aportar datos de contacto.

Como artista, te interesa la credibilidad del mercado del arte y cuanto más garantías ofrezcas de tu obra mejor la obtendrás y un certificado aporta: Autenticidad a tu trabajo, garantiza la proyección de futuro de la obra y es una documentación relevante para el coleccionista. Por su parte el coleccionista, consigue legitimidad y valor para la reventa de la obra, igual que identidad y registro de datos de la obra adquirida.

---

¿Dónde encontrar un experto en Arte?

---

En lo que se refiere a tu obra personal el Certificado de Autenticidad puede estar redactado por ti mismo o a través del intermediario que te represente, si lo hubiere. Si la obra corresponde al mercado secundario y su autor ha fallecido sin dejar constancia de ninguna certificación, corresponde al experto en arte ser quien acredite su legitimidad. Son profesionales con amplia trayectoria y con experiencia en la evaluación de obras de arte, por su vinculación docente o de investigación con universidades, museos, peritaje de arte, galerías o publicaciones especializadas. También, existen hoy en día portales de servicios online especializados en certificaciones que te facilitan la redacción, materiales de impresión, depósito de certificación y seguridad para emitir el certificado, con la finalidad de hacer más difícil la posible falsificación y ofrecer mayores garantías al coleccionista. Empresas que emiten certificados blockchain:

PUKKART ART CERTIFICATE BLOCTAC

En definitiva, la tecnología blockchain suma la posibilidad de combinar las aportaciones de la firma del artista, el certificado de autenticidad clásico y la autenticidad digital segura.

Tienen que obtener tu autorización para poder utilizar o difundir alguna obra de la que tú seas su autor. Puedes difundir tus obras por internet y deberías tomar la precaución de advertir que están bajo derecho de autor con el símbolo © o añadir un apartado donde indiques la finalidad con que pueden ser utilizadas. La Ley de Propiedad Intelectual protege los derechos de autoría de las obras y, por tanto, de las imágenes. Es un equívoco muy frecuente pensar que las obras publicadas en Internet y en redes sociales, son de dominio público.

---

Autorización de licencias de tus creaciones

---

Si autorizas algunos permisos sobre tus obras, debes diferenciar lo gratis de lo libre. Una creación libre es cuando permites que ésta se difunda, reutilice, o modifique, pero que, si lo consideras oportuno, puedes exigir esta modalidad mediante previo pago. Cuando no cobras (gratis) por el uso de tus creaciones se entiende que las pueden utilizar libremente, pero también podrían estar protegidas por determinadas restricciones. El nivel de licencia que pueda tener tu obra quedará especificado en función de si se acoge al Copyright, en la que se reservan todos los derechos; el Creative Commons, con la que puedes regular el uso que permitas; o en Copyleft, que se convierte en una creación totalmente libre, incluso en el plano comercial.

Con estos 25 consejos podrás crear una página web de calidad que te defina como artista y que aporte valor añadido al usuario que se interese por tu obra.

Te recomiendo que los tengas presente si vas a diseñar tu la web o supervisarlos si decides delegar este trabajo a un profesional.

COLECCIONISTAS PRIVADOS

Estos son, sin duda alguna, el porcentaje más amplio dentro del total de los coleccionistas y se pueden diferenciar en tres grupos:

1. Inversionista: Invierte como valor refugio o buscando la revalorización de la obra. Tiene un gran poder adquisitivo y es muy activo en el mercado internacional participando en eventos y convocatorias.

2. Habitual: Además de una finalidad estética, está interesado en formar una colección. Suele acudir a galerías y ferias de arte a nivel nacional o internacional.

3. Ocasional: Es una compra motivada por el gusto personal y supone un esfuerzo económico, por lo que no son frecuentes sus adquisiciones.

COLECCIÓN CORPORRATIVA

Las adquisiciones son para el fondo de una empresa o institución destinada a la promoción y difusión del arte.

Igual que en el caso anterior, la venta de obras a este tipo de compradores le ofrecen gran notoriedad al artista por la difusión y promoción que hacen del fondo artístico.

Normalmente, adquieren las obras a través de galerías y ferias de arte.

GALERIAS

La motivación que anima al galerista a coleccionar puede ser su interés por tener una colección, comprar para revender o adquirir la obra con el fin de cederla en exposiciones externas a su negocio.

Su experiencia como agente del mercado del arte le permite conocer las firmas que pueden ser más rentables como inversión a corto y medio plazo, por lo que es mucho más habitual de lo que parece su actividad como coleccionista

La forma de redactarlo debe reflejar tu personalidad profesional y no dar una imagen equivocada a tu audiencia.

El contenido debe ser ameno, con informaciones cortas y esenciales, porque textos muy extensos tampoco se leerán.

En él puedes compartir tus experiencias creativas, proyectos que estés desarrollando, historias de tu vida como artista o como ves el mundo.

En resumen, lo que quieras que sepan de ti o el reflejo de tus inquietudes y de lo que te importa.

Sé sencillo escribiendo sobre lo que te gusta o conoces a fondo de tu trabajo, probando con diferentes estilos al principio, hasta que decidas con cual te encuentras más cómodo, mejor te identificas o que facilita tu discurso.

Elije las mejores imágenes y con criterio, pues ellas pueden transformar la apariencia de tu boletín y la atención de tus lectores.

Procura que sean imágenes comprimidas, que tengan una buena resolución y que no pesen mucho para facilitar la apertura del envío.

Escribe cada contenido como si fuera una información única y exclusiva que no está en el blog, pero sí compartes en el boletín entre tu suscriptor y tú.

Sé regular en los envíos y no abuses de ellos para no abrumar a tus suscriptores y que algún suscriptor decida darse de baja.

Una vez completada la realización del boletín es importante que le hagas una revisión a fondo para corregir posibles desajustes o rectificar algún error que se te haya podido pasar, como puede ser:

– ¿He corregido debidamente los textos?
– ¿El encabezado está personalizado para que cada suscriptor lo sienta como exclusivo?
– ¿El texto es original y no repites ideas ya expresadas anteriormente?
– ¿El contenido es atractivo para que sea leído?
– ¿He revisado los enlaces para que redirijan correctamente?
-¿Puedo aportar alguna innovación para mejorarlo?

Por último, recomendarte que analices periódicamente si tu newsletter funciona y tiene sentido para tus suscriptores, aprendiendo de sus aportaciones mediante análisis, estadísticas de envíos o pidiéndoles directamente su opinión.

Te voy a comentar doce errores que debes evitar cometer.

Probablemente, si ya eres veterano en este circuito, los conozcas.

O, quizás, no eres consciente de estarlos cometiendo por muy evidentes que sean.

Estés en una situación o en otra no está de más que te los exponga y decidas su conveniencia en tu búsqueda de galerías de arte o donde quieras exponer tus obras:

1.Error: Sólo buscar galerías en ciudades grandes:
No solo hay galerías de arte increíbles en las ciudades, sino que también puedes encontrarlas en lugares menos conocidos con excelente oferta expositiva.
¡Hay cientos de galerías de arte y salas de exposición en ciudades pequeñas que están esperando ser descubiertas por artistas como tú!

2.Error: Enviar correos electrónicos genéricos en lugar de cartas de presentación personalizadas:
Los propietarios de galerías pueden recibir cientos de solicitudes cada semana, por lo que es vital destacar con una carta de presentación personalizada y emocionante.
Esmérate en redactar la carta, porque según como lo hagas atraerás o no la atención del destinatario.

3.Error: Olvidar de investigar la galería antes de contactarla:
Puede parecer una tarea tediosa, pero no investigar la galería antes de hablar con sus responsables es un gran error.
Además, puede ser una gran fuente de inspiración para ese correo electrónico personalizado que mencioné en el segundo punto.
Evita contactar sin haber investigado previamente sobre su enfoque artístico, el tipo de artistas que representan y las exposiciones que han realizado.
Es importante asegurarte de que tu trabajo encaje con la visión y el estilo de la galería.
Si no es la galería apropiada, tampoco vale la pena perder el tiempo en mostrarles tu obra.

4.Error. No hablar directamente con el director de la galería:
Si te encuentras en una galería de arte y tienes la oportunidad de hablar con el director, ¡hazlo!
Asegúrate de expresar tu interés en exponer tu obra en su galería.
Es él quien tiene que decidir si expone tu trabajo o no.
Si delega en alguién para atenderte, declina la entrevista y pasate en otro momento que pueda atenderte personalmente.

5. Error. No prepararse para la entrevista:
Imagina entrar en una galería de arte con tu portfolio bien montado y ser incapaz de hablar sobre tus propias obras.
¡No te pongas en ese apuro!
No improvises y sigue un guión sobre el discuros de cada obra, tanto a nivel conceptual, como en el proceso de realización.

6.Error: No tener versión digital del portafolio:
En estos tiempos de alta tecnología, no tener un portfolio digital de tus obras de arte puede ser un gran obstáculo.
¡Asegúrate de tener una versión digital de alta calidad de tu trabajo!
Que sea fácil de recordar su URL y accesible.
Diseña tu portfolio de manera original y que sea cómodo de navegar.

7. Error: No seguir las tendencias del mercado:
El mundo del arte es muy dinámico.
Debes estar informado de las últimas tendencias y estilos del mercado.
Conocer la competencia y preferencias de mercado te será de gran ayuda para dar a conocer tus obras.

8. Error: Envío de trabajos inapropiados:
Evita enviar trabajos que no cumplan con los requisitos establecidos por la galería.
Asegúrate de seguir las pautas específicas proporcionadas por la galería en cuanto a formato, tamaño, número de piezas, etc.
También es importante seleccionar cuidadosamente las obras que envíes para asegurarte de que representen tu mejor trabajo y sean coherentes entre sí.

9. Error: Falta de presentación profesional:
No presentes tu solicitud de manera descuidada o poco profesional.
Asegúrate de incluir una carta de presentación clara y concisa que explique quién eres como artista, tu enfoque artístico y por qué te gustaría exhibir en esa galería en particular.
Acompaña tu solicitud con un currículum actualizado y una selección de imágenes de alta calidad de tu trabajo.

10.Error: No seguir las instrucciones:
Es fundamental leer y seguir cuidadosamente todas las instrucciones proporcionadas por la galería.
Si solicitan que se envíe la solicitud por correo electrónico, no la envíes por correo postal.
Si piden un número específico de imágenes, no envíes más ni menos.
Asegúrate de cumplir con todos los requisitos solicitados para que tu solicitud sea considerada seriamente.

11. Error: Ser impaciente o insistente:
Evita el seguimiento excesivo o la presión constante sobre la galería después de enviar tu solicitud.
Dale a la galería el tiempo adecuado para evaluar tu trabajo y si están interesados, te contactarán.
Si no te responden pasado un plazo prudencial, probablemente, no estén interesados.
Entonces, llámalos o contacta para saber su decisión definitiva.

12. Error: No investigar los términos del acuerdo:
Por último, si te ofrecen la oportunidad de exhibir en una galería, revisa detenidamente los términos del acuerdo antes de aceptar.
Asegúrate de comprender los detalles sobre la comisión, la duración de la exhibición, las responsabilidades compartidas, el transporte y cualquier otra cláusula relevante.
Si tienes alguna pregunta o inquietud, no dudes en discutirlas con la galería antes de firmar cualquier contrato.

Recuerda que cada galería tiene sus propios procedimientos y requisitos, por lo que es importante adaptar tu enfoque a las especificaciones de cada una.

Ser profesional, respetuoso y cuidadoso en tu solicitud aumentará tus posibilidades de éxito y podrás exigir el mismo trato por parte de la galería.

Espero que estos consejos te ayuden en tu búsqueda.

Como cualquier otro negocio, la galería de arte tiene que hacer frente a los gastos de mantenimiento y gestión, además de buscar un margen lógico de beneficios.

Por su parte, el artista tiene también que hacer frente a unos gastos ineludibles y debe poder vivir de su producción.

Hay que pactar de acuerdo por ambas partes y muy conscientemente cual es el porcentaje de la venta de una obra que debe percibir cada una.

Si después de una exposición se liquidan los beneficios de las ventas al 50% (porcentaje habitual en galerías que representan la obra del artista) hay que tener en cuenta que para el artista pasará un tiempo (fácilmente puede ser un año) hasta que vuelva a exponer y obtener beneficios de la posible venta.

Sin embargo, la galería celebrará inmediatamente una nueva exposición con lo que será más fácil que se reponga si la anterior no ha tenido una buena acogida.

Visto desde este punto de vista el artista sale desfavorecido frente a la galería percibiendo el mismo porcentaje, por lo que se tienen que negociar con acierto las condiciones a la hora de exponer.

No solo a lo que se refiere al porcentaje, sino también las prestaciones que gestionará la galería, además de la venta, y si ésta le compra al artista o, por el contrario, es él quien le vende directamente al comprador y liquida el porcentaje a la galería.

Aunque no haya norma general, si pueden servir de orientación los siguientes porcentajes en función de la relación que exista entre artista y galería.

También quedará claro si los descuentos corren a cargo de la comisión de la galería o serán sobre el precio final y se asume por partes iguales.

Existe otra opción de galerías de arte que no cobran ningún porcentaje por ventas, pero cobran un precio elevado por el alquiler de la sala y no se tiene garantías de que gestionen las ventas, ni se ocupen de la promoción de la exposición.

No obstante, hay artistas que suelen tener su propia clientela y prefieren este tipo de galerías, porque les es más rentable que pagar una comisión, ya que tienen su  cartera de clientes y gestionan personalmente las relaciones públicas de la muestra.

Dos tipos de relación son los más habituales que se dan entre el galerista y el artista:

• Relación de colaboración
• Relación de representación

La relación de colaboración contempla un trabajo puntual entre ambas partes y que puede ser una forma habitual de la galería al trabajar con una amplia cartera de creadores, no mediando ningún compromiso de exclusividad.

La colaboración con una galería de manera puntual puede quedar circunscrita a la celebración de una exposición, por concurrir a una feria o solo por dejar un determinado número de obras en depósito hasta su venta.

Este tipo de relación se suele dejar por escrito mediante la redacción de la “Hoja de Depósito” en la que debe de figurar:

Fecha de entrega,
Datos técnicos de la obra,
Plazo de depósito y de devolución,
Responsabilidad de custodia,
Condiciones de transporte y embalaje.

Debe quedar constancia del precio de venta de la obra, impuestos a aplicar, posibilidad de descuento, quien o como se asume la rebaja y porcentaje de la galería.

Cuanto más detallada esté la documentación, mayor será la garantía de buenas relaciones y eliminar la posibilidad de conflicto.

Lo habitual es que cada obra que se entregue a la galería para su comercialización se haga con su correspondiente “Hoja de depósito”.

También se puede redactar un documento con las condiciones generales y acompañarlo con un anexo para cada obra con sus características técnicas que la identifiquen.

El artista puede tener relaciones con las galerías a nivel de exclusiva o de forma puntual, como se ha expuesto más arriba.

Si la relación la determina la exclusividad, ésta se debe establecer en su totalidad o parcialmente en lo que se refiere a la obra o al ámbito territorial.

El grado de exclusividad debe negociarse con detalle y concretar las condiciones en que se desarrollará, porque puede  no interesarle al artista quedar demasiado ligado a la representación de una sola galería cuando hoy en día tiene la oportunidad de acceder a un mercado mucho más globalizado.

También, habrá que definir el número de obras que deberá entregar, bien sea anualmente o por exposición y la posibilidad de trabajar con otras galerías, participar en ferias o permitir que su obra sea itinerante o no.

Al margen del tipo de representación que se haya acordado, en la negociación no se pueden descuidar otros aspectos importantes como son el modo de exhibición, la custodia de la obra, como será almacenada, los plazos de entrega o como se llevarán a cabo las devoluciones.

Obligación de la galería es organizar un mínimo de exposiciones de carácter individual o colectivo y definir los gastos que hará frente como representante del artista en lo que se refiere a traslados de la obra, embalaje, transporte, montaje, fotografía, alojamiento y viajes del artista, etcétera.

En el Contrato de Representación debe quedar claro desde el primer momento, en función de la comisión que corresponda a la galería, si debe hacer frente o no a los gastos de publicidad, representación, catálogo, invitaciones, asistencia a ferias, etcétera.

La liquidación de los beneficios debería ser abonados al artista en un plazo razonable y no superior a treinta días, siempre y cuando no se haya acordado otra opción, ya que en cada venta se pueden dar circunstancias distintas como puede ser el pago a plazos, financiación de la obra o aplazamiento de la entrega.

También tiene derecho el artista a ser informado de la identidad del comprador y del destino de la obra vendida.

Por su parte, el artista debe cumplir con lo pactado con la galería como puede ser asistir a las inauguraciones, actos concertados, cumplir los plazos de entrega, supervisar el montaje de las exposiciones, informar de las relaciones con otros profesionales del sector y de la posible revalorización de su obra y, en todo momento, respetar la confidencialidad del contrato.

Desde el aspecto conceptual, lo relevante en tu labor creativa es conseguir una obra bien hecha, lograr expresar una buena idea y, mediante recursos técnicos, saberla plasmar satisfactoriamente.

Dominar el medio en el que trabajas artísticamente y expresar tus inquietudes es solo el primer paso, aunque para ti esta etapa sea la más importante del proceso.

Después de conseguida la obra, hay que saber venderla y estipular con acierto el precio justo de cada uno de tus trabajos, en función de una serie de pautas:

– ¿Aplicas los precios con certeza en función del trabajo y de su valor artístico?

– ¿Pongo el mismo precio en el estudio-taller que en la galería, que si lo hago a través de un intermediario?

– ¿Aciertas al tarifar una obra cuya inversión principal es el tiempo invertido en su realización?

– ¿Calculas con acierto tus ganancias una vez has deducido todos sus costos, comisiones, impuestos y descuentos?

– ¿Dispones de un método eficaz y justo para hacerlo?

– ¿Sabes si tu margen de ganancias te permite vivir de tu arte?

– ¿Sabes cómo calcular los precios teniendo en cuenta la comisión de la galería o de un intermediario?

– ¿Cuánto vale tu hora o día de trabajo?

– ¿Eres consciente de cómo y cuánto te afecta no aplicar los precios con rigor?

Aunque para los pintores hay medidas standard que pueden servir de orientación, en otros oficios de arte cada obra requiere una valoración diferente para su comercialización.

Valor y precio

Estoy seguro que en más de una ocasión habrás oído: ”No es lo mismo valor que precio en una obra de arte”.
De acuerdo. Así es.

Tu obra es genial, tiene tu impronta personal, te identificas con ella, es única e irrepetible.

Artísticamente, vale mucho para ti, pero piensa ¿cuánto estaría dispuesto un comprador a pagar por ella?.

Medítalo fríamente.

Distánciate de tu obra como autor y obsérvala como un mero objeto.

Para ponerle precio a una pieza de arte, sea pintura, dibujo, escultura, obra gráfica, fotografía, cerámica, etcétera tienes que basarte en una lógica que te sea útil, equitativa y satisfactoria para cada ocasión.

A la hora laboral ponle un precio justo, como si fueras un profesional de otro sector.

No vayas sacando pecho y considerando que lo que tienes es único.

Para ti, seguro que sí.

Será algo especial, pero todo es reemplazable y la oferta que hay en el mercado es muy amplia y variada.

Con el paso del tiempo y superándote día a día conseguirás una justa cotización.

Si eres un artista emergente que se está introduciendo en el mercado, puedes empezar por ponerle a la hora de trabajo alrededor de los 20-25 euros, por ejemplo.

Observa a otros artistas similares.

Analiza su obra y el precio que tienen.

Recuerda que si eres “nuevo” en este mercado no puedes vender al mismo precio que un artista de amplio recorrido y con una demanda de su obra establecida.

Es preferible subir poco a poco y hacerlo a medida que exista una demanda favorable que, pasado un tiempo, tengas que bajar los precios porque no vendas.

Si alguien te ha comprado a 500 euros y, pasado un año, el mismo formato y temática lo estás vendiendo a 350 euros es una mala política; muy mala política.

Da la impresión que has engañado al que te ha comprado al principio a 500 euros.

Subir es fácil, pero después cuesta mucho bajar.

Sube poco a poco, aunque ya tengas establecido un pequeño hueco en el mercado.

Siempre, aunque no te lo pidan, debes poder justificar las subidas de precio.

Los precios altos frenan al comprador.

Los precios bajos te subestiman.

El arte es una expresión única de tu creatividad y dedicación, y reducir los precios puede hacer que los espectadores y compradores subestimen el esfuerzo y la calidad detrás de cada pieza.

Si constantemente bajas los precios, es posible que te encuentres luchando para cubrir los costos de producción, los materiales y tu tiempo invertido.

Esto puede llevar a una situación en la que te sientas obligado a crear más obras en menos tiempo, lo que podría afectar negativamente la calidad y la autenticidad de tu trabajo.

Al reducir los precios drásticamente, es posible que atraigas a compradores que buscan solo ofertas y descuentos, en lugar de personas que realmente valoren tu arte.

Esto puede generar una base de seguidores poco comprometidos y afectar la construcción de una audiencia genuina que aprecie tu visión creativa.

Si estableces un estándar de precios más bajo desde el principio, puede ser difícil aumentarlos a medida que tu trabajo gane reconocimiento y tu habilidad artística mejore.

Los ajustes de precio pueden malinterpretarse como intentos de aprovechar el éxito en lugar de reflejar el progreso legítimo en tu carrera.

Los compradores a menudo asocian precios más altos con mayor calidad.

En lugar de enfocarte en bajar los precios, considera otras estrategias para atraer a nuevos compradores y aumentar tu visibilidad en el mercado del arte.

Comunicar el proceso creativo detrás de cada obra y construir una historia en torno a tu arte puede ayudar a los compradores a comprender mejor su significado y a conectarse emocionalmente con él.

El arte es una inversión en la cultura y la creatividad, y tu trabajo merece ser valorado adecuadamente.

En lugar de ceder a la presión de reducir los precios, mantén la confianza en tu visión artística y busca un público que aprecie y respalde tu creatividad de manera auténtica.

El artista plástico sea pintor, escultor, acuarelista, dibujante, grabador, fotógrafo o artesano, por ejemplo, necesita exponer y mostrar su obra.

Para conseguirlo tienes que entrar en el exclusivo mercado del arte y lidiar con las peculiaridades de este sector elitista y comercial.

No siempre se acierta a la hora de elegir sala donde exponer su trabajo.

Disponer de la información necesaria y orientar acertadamente la difusión de tu trabajo artístico son las mejores herramientas para no perder el tiempo …y, a veces, dinero también.

---

¿Dónde se puede exponer?

---

Cada galería o sala de arte tiene sus características especiales y según sus preferencias se reserva el derecho de selección de los artistas que expone.

Es normal, porque en unos casos son negocios privados y otros siguen unas líneas de exhibición determinadas.

A la hora de buscar local donde exponer tu obra lo primero que tienes que tener claro es dirigirte solo a galerías que muestran en sus salas una línea artística igual o similar a la tuya.

No es acertado que, si tu estilo es abstracto, le solicites fecha para exponer a una galería de estilo costumbrista o figurativo.

Por este motivo, antes de dar ningún paso en falso es importante informarte lo más ampliamente posible de las posibilidades que hay para exhibir tu obra en tu ciudad o en cualquier otra plaza que quieras exponer.

Es muy importante también saber si te interesa una sala de exposiciones de pago que funciona como negocio, una sala cultural patrocinada por una entidad institucional, cultural o financiera o hacerlo en un local alternativo.