El arte es un negocio y hoy en día el artista tiene que implicarse en su comercialización.

No es fácil encontrar una galería puntera que te promocione bien o un buen representante al que le puedas delegar todo lo relacionado con la administración de tu trabajo.

Por ello, no desaproveches ninguna oportunidad que se te presente, sea en el sector de mercado que sea, donde hayas focalizado tu atención o en otras áreas donde puntualmente también pueda existir la demanda.

A continuación, te recuerdo los puntos sobre los que tienes que incidir para estabilizar la demanda de tu obra y estos son los siguientes:

Define la modalidad artística en la que vas a trabajar.
Encuentra el nicho socio-cultural en el que vas a moverte.
Hazte visible y ejerce de relaciones públicas a todos los niveles.
Busca espacios y proyectos donde mostrar tu obra.
Comercializa adecuadamente tu trabajo, siempre negociando las condiciones y no a cualquier precio.

Recuerda que lo fundamental es fomentar la oferta a todos los niveles para que provoque, con el tiempo, una demanda estable de tu arte y te permita trabajar exclusivamente dedicado a él y también poder vivir de él.

Para poder cubrir tus necesidades económicas durante todo el año es necesario que tu producción artística pueda llegar a mucha gente.

Puedes conseguirlo diversificando la oferta.

No se trata de bajar los precios, ni malvender tu obra cada vez que un posible cliente te diga que no puede pagar lo que se le pide por una obra tuya.

Tienes que darle alternativas de compra.

Le gusta tu obra y está dispuesto a comprar, pero podrá hacerlo si el precio entra dentro de sus posibilidades económicas.

Te lo voy a ilustrar con dos ejemplos:

1. Puedes vender una obra original con un precio de 1.000 euros y llegarás a un cliente.

Podrán optar por esta oferta una minoría de tus seguidores.

2. También puedes editar una colección limitada de 100 ejemplares y vender cada uno a 50 euros, por ejemplo.

Con esta alternativa la posibilidad de venta es mucho mayor al dirigirirte a un mercado más amplio y que puede acceder económicamente a este tipo de obra. (Licensing)

Ten en cuenta que el comprador que hoy adquiere una obra múltiple o de edición, alimenta su hábito de compra, lo fidelizas y, posiblemente, en un futuro próximo podrá acceder a la pieza única (la que vendes en 1000€).

La cuestión es disponer de distintos canales de venta y permitir que tus seguidores se siguan emocionando contigo y con tus obras.

Igual que al coleccionista de arte, también ocurre con el comprador ocasional, les gusta visitar el estudio o taller del artista y comprar directamente sin intermediarios.

Comseguir la decisión de la compra significa superar algunas trabas por parte del cliente y que tu tienes que conocer y minimizar para materializar la venta, como puede ser :

– Desventajas de vender en el estudio:

• Nula promoción externa.
• Asumir toda la gestión de venta.
• Competir con tu/s galería/s.

El renting de arte es una estrategia innovadora que ha ganado popularidad en el mundo del arte contemporáneo.

Para un artista visual como tú, que buscas rentabilizar tu creatividad, el renting de arte puede ofrecer una serie de beneficios significativos para tu estabilidad económica.

A continuación, exploraremos estos beneficios en detalle:

El alquiler artístico, es una práctica que ha ido ganando popularidad en el mundo del arte contemporáneo.

Puedes practicarlo directamente con el cliente, ofreciendo tu propia obra y gestionando el alquielr o puedes recurrir a hacer la oferta a empresas  que se dedican al renting de obras de arte, como son :

– Cuadros Rent 
– Arrendart 
– Esfera del Arte 
– Arsper
– Agora Gallery 

Licenciar una obra de un artista significa otorgar permisos específicos para el uso de esa obra a terceros, generalmente a cambio de una compensación financiera.

La licencia establece los términos y condiciones bajo los cuales el trabajo artístico puede ser utilizado, distribuido o exhibido, mientras que el artista retiene los derechos de autor y la propiedad intelectual sobre la obra.

Existen diferentes tipos de licencias, como las licencias libres o abiertas, que permiten el uso, la modificación y la distribución de la obra con pocas o ninguna restricción.

Por otra parte, están las licencias restrictivas o cerradas, que imponen más condiciones y limitaciones al uso de la obra.

Cuaderno «Ojos Glamorosos» de la artista Bar de Belle, para Zazzle

La versatilidad de las obras de arte permite adaptarlas a diferentes formatos, y la licencia puede aplicarse a productos que van más allá de las tradicionales pinturas o esculturas.

Licenciar tu trabajo como artista visual para su reproducción en diversos productos puede ser una estrategia efectiva para establecer una fuente de ingresos constante.

El licenciamiento artístico es una excelente opción para los artistas visuales que desean reproducir y comercializar sus obras de manera controlada y rentable.

Esta modalidad permite al artista otorgar derechos limitados a terceros para utilizar su obra, ya sea en forma de impresiones, productos derivados o en otros formatos específicos.

A continuación, tienes un análisis detallado sobre cómo un artista visual puede abordar el licenciamiento artístico y las diferentes alternativas disponibles:

– Impresión por cuenta propia:
Ventajas: Control total sobre la calidad y cantidad de las reproducciones. Mayor margen de beneficio por unidad.
Desventajas: Requiere una inversión inicial en equipos de impresión y materiales. El artista se encarga de la gestión de inventario y envíos.

– Tercerización de impresión:
Ventajas: Elimina la necesidad de inversión en equipos de impresión. Mayor escalabilidad en la producción.
Desventajas: Menor control sobre la calidad del producto final. Dependencia de terceros para la gestión de inventario y envíos.

– Colaboración con empresas especializadas:
Ventajas: Acceso a experiencia y recursos especializados en la reproducción artística. Menos carga administrativa para el artista.
Desventajas: Menor margen de beneficio debido a los costos de colaboración. Menor control sobre la producción.

– Plataformas de impresión bajo demanda:
Ventajas: Producción solo cuando hay demanda, evitando inventarios. Elimina la necesidad de gestionar envíos. Mayor visibilidad a través de plataformas existentes.
Desventajas: Menor margen de beneficio por unidad. Dependencia de las políticas y tarifas de la plataforma.

– Licenciamiento para productos derivados:
Ventajas: Oportunidad de expandir la presencia de la obra a través de productos como camisetas, tazas, etc. Mayor diversificación de ingresos.
Desventajas: Requiere acuerdos detallados y específicos para cada tipo de producto. Control necesario sobre la calidad de los productos derivados.

Recomendaciones

Evaluar la escala de producción deseada y los recursos disponibles.

Considerar plataformas de impresión bajo demanda para minimizar riesgos financieros y logísticos.

Establecer acuerdos claros en términos de derechos, regalías y calidad de reproducción al colaborar con terceros.

En mi opinión, una combinación de impresión por cuenta propia para ediciones limitadas de alta calidad y plataformas de impresión bajo demanda para llegar a un público más amplio podría ser una estrategia efectiva.

Además, explorar licenciamientos para productos derivados podría brindar nuevas oportunidades de ingresos.

El licenciamiento artístico es una herramienta poderosa, pero es esencial abordarlo con cuidado y establecer acuerdos detallados para proteger los derechos del artista.

En el mundo del arte, alcanzar el éxito no solo se trata de talento innato, sino también de una combinación de factores que trabajan en conjunto para llevar a un artista a la cima de su carrera.

Existen tres áreas clave que pueden llevar a un artista al éxito:

excelencia artística,
      reconocimiento
             y estabilidad financiera.

Las tres pueden solaparse.

Equilibrar estas tres áreas requiere perseverancia, adaptabilidad y una pasión inquebrantable por la expresión creativa.

El éxito puede llegar cuando se logre el equilibrio entre estas tres áreas, pero lograrlo  puede llevar toda una vida.

Para conseguirlo, tienes que tener organización.

Esta estrategia puede ser la menos emocionante de todas, pero la organización es necesaria para lograr objetivos a largo plazo en tu negocio de arte.

Si tu objetivo es hacer ventas, o si tu ambición es ganarte la vida con tu arte, tendrás que ver tu producción artística como un negocio.

Algunos artistas encuentran esta idea desagradable.

Sienten que el arte y los negocios no se mezclan, y que plantearlo como un negocio de alguna manera puede manchar la pureza de su arte.

¿Y tú?

¿Te identificas con este sector?

Aquí tienes diez propuestas que pueden ser clave para ayudarte a lograr visibilidad en el mercado y consolidar tu éxito artístico:

1. Desarrolla tu propio estilo: Trabaja en encontrar tu voz artística única y en desarrollar un estilo distintivo que te diferencie de otros artistas.

2. Aprende constantemente: Nunca dejes de aprender y mejorar tus habilidades. Toma clases, asiste a talleres y mantente actualizado con las últimas técnicas y tendencias en el arte.

3. Construye una red de contactos: Conecta con otros artistas, críticos, galeristas y coleccionistas. Participa en eventos y exposiciones para conocer a personas influyentes en el mundo del arte.

4. Exhibe tu trabajo: Busca oportunidades para mostrar tu obra en espacios reconocidos. Las exposiciones te ayudarán a ganar visibilidad y atraer a potenciales compradores y seguidores.

5. Utiliza las redes sociales: Crea perfiles en plataformas de redes sociales y comparte tu trabajo regularmente. Utiliza hashtags relevantes y interactúa con otros artistas y amantes del arte para aumentar tu presencia en línea.

6. Crea un portafolio profesional: Prepara un portafolio bien curado y actualizado con tus mejores obras. Esto te permitirá presentar tu trabajo de manera efectiva a galeristas, curadores y clientes potenciales.

7. Participa en concursos y premios: Inscríbete en concursos de arte y premios relevantes. El reconocimiento obtenido puede aumentar tu credibilidad y visibilidad en la comunidad artística.

8. Colabora con otros artistas y profesionales creativos: Trabaja en proyectos colaborativos con otros artistas, fotógrafos, diseñadores u otros profesionales creativos. Estas colaboraciones pueden ampliar tu alcance y atraer nuevos seguidores.

9. Cultiva relaciones con coleccionistas: Establece relaciones sólidas con compradores de arte y coleccionistas. Mantén un contacto regular con ellos y ofréceles información sobre tu trabajo y futuras exposiciones.

10. Mantén la pasión y la perseverancia: El camino hacia el éxito en el arte puede ser desafiante, pero es importante mantener la pasión por lo que haces y perseverar a pesar de los obstáculos. Confía en tu visión y continúa creando con autenticidad.

Participar en los concursos aporta estímulos positivos para tu desarrollo y consolidación como artista.

Son un escenario apropiado para poder relacionarte, si la convocatoria es presencial.

Si solo se trata de participar aportando una obra la visibilidad será menor, pero siempre te puedes beneficiar de la publicidad que conlleva una convocatoria de estas caracteristicas.

Si eres seleccionado, el incentivo de poder llevarte el premio es relevante porque significará un ingreso extra a la comercialización de tu obra.

El concursar estimula tu creatividad, porque eres consciente de que tendrás que competir con los demás participantes y no podrás hacerlo, si quieres ganar, con una obra mediocre.

Además, de lo que te obliga como ejercicio profesional, debes tener en cuenta de no desaprovechar la oportunidad que te brinda una convocatoria de estas características para darte a conocer y promocionar tu trabajo.

Puede ser una buena plataforma destacar en un concurso y lograr que te sea mucho más rentable que la difusión que personalmente puedas hacer de tu obra llamando de puerta en puerta.

Los jurados los componen profesionales vinculados al mundo del arte y con amplio conocimiento del mercado, por lo que su interés por tu obra puede convertirse en una oportunidad única.

Las galerías están al tanto de los concursos y de los premiados para incorporarlos a su representación e, incluso, en muchas ocasiones promocionan estas convocatorias con la finalidad de descubrir a nuevos valores.

Publicidad, contactos o exposiciones son recompensas que puedes conseguir, al margen del premio de la convocatoria.

En el caso de que hayas sido seleccionado, este es el panorama que se te brinda con tu participación.

Si, por el contrario, no has podido pasar la criba y tu obra no ha sido aceptada, no significa que no tengas talento o que no debas presentarte a mas convocatorias de arte, porque los motivos por los que no te hayan aceptado en un concurso pueden ser de variada índole, al margen de tu capacidad como artista.

Hay muchos concursos y de todo tipo, por lo que es importante que sepas seleccionar con precisión a los que quieras presentarte, en función del premio, la temática, el tamaño, la técnica, la política de devoluciones, las condiciones de participación, el envío, etcétera.

• Selecciona los que sean de tu preferencia en webs como Deconcursos.com o en el portal Mundoarti.com

 Puedes participar indistintamente en concursos locales, nacionales o internacionales, pero siempre leyendo la letra pequeña de las bases de participación y teniendo muy claro que tu participación está al nivel de la convocatoria.

Conocer la dotación del premio es importante, porque puede no interesarte participar si es muy baja y, entonces, no te compensa invertir tiempo y dinero.

También te interesa saber cuál va a ser el destino de la obra premiada y que repercusión puede tener su difusión en los medios informativos.

En los últimos años ha estado de actualidad la aparición de iniciativas para poner en marcha nuevas residencias para artistas, con la finalidad de que sirvan de ayuda a la producción e investigación.

El enfoque en que se han creado las residencias son muy diferentes, porque no es lo mismo:

• un programa concreto de estudios,
• un taller de trabajo colectivo,
• refugiarse en un entorno rural o integrarse en un espacio urbano,
• convertirla en un lugar de encuentro entre artistas o limitar su función a hospedaje.

Este formato de trabajo colectivo resalta la importancia de la inmersión en otras culturas e intercambio cultural.

Definir el modelo ideal de residencia para artistas tiene su dificultad, porque hay que tener claro cuál es su finalidad y para que van a servir.

Para Javier Duero, comisario independiente y productor cultural: “una residencia puede ser una estructura barata, eficaz y muy útil para generar un sistema de producción cultural más democrático y horizontal”.

En un artículo que publica ElCultural.com, Duero insiste en esta idea y explica que “durante los años 80 y 90 nadie se interesaba por estas cuestiones. Los aspectos de investigación y producción eran asumidos en su integridad por los propios artistas, que trabajaban en un régimen de explotación, más parecido al servilismo que a una relación profesional. En este contexto, una residencia de artistas hubiera facilitado la ruptura con la estructura jerárquica tradicional del arte y hubiera permitido otro tipo de prácticas y trabajos. Desde entonces, las asociaciones de artistas las llevan reclamando. El principal problema es que las estructuras públicas han estado gestionadas por políticos ajenos al sector y una residencia de artistas o un centro de producción no es algo vistoso, no genera réditos inmediatos en términos de visibilidad. Es, sin embargo, una estructura básica si se quiere tener un sistema de producción cultural sostenible, que genere artistas profesionales y altamente preparados. Desde lo privado, no ha existido una cultura de emprendizaje y patrocinio de estas estructuras. Se ha privilegiado la gran exposición y el gran evento, y se entendía que el contexto productivo principal era el mercado del arte, con su sistema de colecciones, galerías y ferias”.

Entrar en una residencia puede ser por convocatoria abierta, por invitación directa o por acuerdo cultural con instituciones o fundaciones.

Las residencias no acogen únicamente a artistas, sino que se invita a otros profesionales del sector como comisarios, académicos o críticos con el fin de entrar en contacto y disfrutar de una experiencia colectiva y de un tiempo para investigar y producir.

Las residencias pueden mantenerse a lo largo del año, ser parte de un programa temporal o como una actividad más dentro de un evento o festival de arte.

La instauración y mantenimiento de las residencias puede estar patrocinado por sociedades culturales, instituciones administrativas y educativas o colectivo de artistas.

La financiación de los programas también es variado y van desde la residencia que cubre totalmente los gastos, hasta la que el residente debe financiar su estancia total o parcialmente.

El contenido del programa de trabajo puede ser de implicación con el entorno donde se lleve a cabo el desarrollo de un proyecto colectivo o de un taller o, por el contrario, aislarse dentro de la residencia con el único fin de trabajar e investigar en su idea creativa.

La experiencia con las residencias es vital como lugar de trabajo, investigación y exhibición alternativos, fuera de los circuitos artísticos convencionales.

En definitiva, las residencias, a pesar de sus limitaciones financieras o de programación, son una oportunidad positiva que ayudan al artista aportando el espacio idóneo donde crear, residir e intercambiar reciprocidad entre creadores.

 ¿Cómo actuar para que la prensa se interese por tu exposición?

Me imagino que en la ciudad donde te encuentras se podrán ver múltiples exposiciones simultáneamente y, como es lógico, la prensa local elige los artistas más reconocidos para hablar y escribir sobre ellos y de su exposición.

Si tienes abierta una muestra de tu obra y quieres que te apoyen los medios de comunicación para darle difusión hay que trabajárselo a fondo y uno a uno.

Esto tiene que ser así, a no ser que conozcas a alguien que te facilite el contacto,

Como artista que eres, es conveniente disponer de un dossier o portfolio (fotos, curriculum, declaración de artista, etcétera) como documentación para el redactor de Cultura de cada medio informativo y si es posible haciéndote presente en el periódico, radio o televisión y entregárselo personalmente.

Enviar notas informativas, aunque me consta que las tienen en cuenta, como las que suelen enviar las galerías en cada exposición, no siempre se publican y cuando lo hacen es una reseña breve.

Al margen de la calidad de tu obra y que ésta sea merecedora de la atención de la crítica, si quieres una entrevista o una opinión sobre tu obra tienes que contactar con la persona que se ocupa de ello en cada medio informativo.

Hay que trabajárselo y documentarse bien para saber quién es quién en cada sitio para que el contacto sea certero.

Ten en cuenta que una nota informativa puede resumirse en medio folio, pero un dossier ocupa bastante más.

La nota informativa sola llama poco la atención y es fácil que vaya a la papelera, el dossier le creará al redactor más interés o, quizás, por la extensión de su contenido, dudará a la hora de tener que deshacerse de él sin publicar nada.

Sea para una exposición o para cualquier otra finalidad, debes redactar una nota de prensa que sea atractiva, con información clara y concisa, para que no puedan eludir su publicación.

Algunos consejos para conseguir este propósito son los siguientes:

– Ve al grano. Explica lo que quieres contar empezando por lo más importante. En el primer párrafo debe quedar resumido qué es, de quién, dónde se celebra y cuando.

– Fotografías. Acompaña la nota con una o mSalir Visual Builderás fotografías y si haces la entrega vía online facilita la ruta de donde se las pueden descargar con una calidad óptima.

– Evita contactar con los periodistas a través de las redes sociales, por Messenger o enviándoles un whasapp. Parece una intromisión, es molesto y no son los canales adecuados.

– Destaca lo esencial del primer párrafo y si tienes algo más que comunicar acompáñalo con un subtítulo.

-Anexos. Además de la información descrita, puedes añadir textos que la amplíen, biografía del autor, listado de premios, exposiciones, bibliografía, enlaces o videos como material complementario.

– Por email. Si no la entregas en mano, hazlo por correo electrónico. Envíala con un tiempo prudencial y recuérdaselo uno o dos días antes, por si hubiera pasado desapercibido el correo.

– Información. En el siguiente párrafo ya se puede dar explicación detallada explicando en que consiste lo que les comunicas. Debes hacerlo con un lenguaje inteligible, evitando palabras rebuscadas, porque de lo que se trata es de informar. En ningún caso, contribuir a la confusión.

– Envío. Infórmate de quien se ocupa de la sección de Cultura en los medios informativos locales y mándales la información personalizada. Envíala a todos los medios de la ciudad y si tiene el evento cierta relevancia también se la mandas a los medios de cobertura nacional.

El portfolio es una herramienta esencial en tu promoción y, esmerándote en su diseño y contenido, lo debes convertir en la llave maestra que te abra las puertas a las que llames.

Al confeccionarlo, es conveniente analizar quienes van a ser sus destinatarios y diseñarlo de tal modo que, con unas ligeras modificaciones, pueda ser válido para todos.

Ten en cuenta que será lo primero que van a ver de tu trabajo y debe reflejar tu sello personal como artista.

No hay que conformarse con enviar un curriculum vitae extenso, bien nutrido de exposiciones, premios, estudios y bibliografía.

Es necesario también, pero en el mundo del arte lo que se impone son las imágenes por encima de cualquier escrito o recurso teórico.

Aquí sí vale aquello de que “una imagen vale más que mil palabras”, por lo que debes procurar ser original y hacerlo con creatividad para ofrecer lo mejor que tengas, porque se trata de diferenciarte de los demás.

Las galerías, instituciones, coleccionistas o convocatorias de arte reciben cientos de portfolios y es importante que, en primera instancia, visualmente se interesen por el tuyo porque llama la atención por su presentación.

Por experiencia y por la información recabada de otros artistas hoy en día las nuevas tecnologías ofrecen más posibilidades de ofrecer atractivos dossiers que hacerlo en formato físico.

Si tienes la oportunidad de presentarlo personalmente, un portfolio físico, incluso acompañado de alguna obra original, es más cálido, cercano y personal.

Si lo distribuyes digitalmente puedes hacerlo a través de tu página web, una memoria USB o a través de plataformas especializadas, además de que te permite diseñarlo con más recursos.

Más adelante, nos ocuparemos de un portfolio digital y los pasos a seguir cuando se diseña un dossier electrónico.

Una lista de consejos indispensable para confeccionar un portfolio (sea físico o digital) es la siguiente:

Aunque técnica y académicamente tu formación te permita desenvolverte en varias áreas profesionales,  es conveniente que orientes tu carrera artística hacia una especialización de tu creatividad.

Quizás te preguntes: ¿Por qué centrarme en un sector en concreto y no llegar a todos los públicos?

La respuesta es muy sencilla: ¡para no perder el tiempo!.

Y poder centrar todas tus energías en el grupo que realmente te interesa, porque es similar a tus inquietudes estéticas y conceptuales.

Hablar de nichos de mercado, aunque parezca algo reciente o quizás desconocido para tí hasta ahora, es una estrategia de marketing cuyo origen se puede remontar al siglo XVII, época de referencia en que se sitúa el nacimiento del mercado del arte, tal y como se entiende hoy en día.

Eso ocurrió el día en que se prescindió del mecenazgo del Papa, de los reyes o de la aristocracia y se empezó a producir en función de los gustos de la nueva burguesía que obtenía su riqueza del comercio.

Fue Rembrandt quien personalizó esta transición y como afirma Rosalía Sánchez, en su artículo “Así nació el mercado del arte”, publicado en ABC, “en la medida que los artistas se especializaban, tenían más facilidad de encontrar un nicho de mercado propio y lucrativo.”

La repercusión de esta decisión que tomaron los artistas modificó, no solo la comercialización, sino los temas y el formato, que se acomodaron al gusto de los nuevos coleccionistas.

Los artistas se fueron especializando en diversas temáticas: bodegones, paisajes, escenas campesinas o interiores familiares.

Esta especialización les favoreció al encontrar un nicho de mercado en el que podían destacar con su marca personal.

¿Lo tienes ya?

Cuando encuentres o sepas ya a que público debes dirigir tu oferta artística es cuestión de empezar a trabajar a fondo para convertirte en una autoridad en tu nicho de mercado o área en que te desenvuelvas comercialmente.

Debes aprovechar todas las oportunidades que se te presenten para obtener visibilidad.

Además de ser un buen profesional, cuando te conozcan por ser experto en una área o especialidad determinada, comprarán tu arte, porque confíaran en la inversión y se identificarán con tu oferta.

Si quieres dedicarte exclusivamente a vivir de tu vocación artística es importante que encuentres tu sitio y concretes cuál va a ser tu nicho de mercado, donde te puedas desenvolver profesionalmente con más afinidad y rentabilidad.

Un nicho de mercado es una parte muy específica de la sociedad como consumidores de arte.

Está compuesta por un número reducido de personas, empresas o instituciones que comparten características y preferencias similares dentro del sector cultural y artístico.

Representan una gran oportunidad de mercado al tener cualidades tan definidas.

Si te desenvuelves en el mercado del arte con una marca personal generalista, que ofreces tus dotes creativas a todos los segmentos, estarás perdiendo una de las mayores oportunidades de comercialización: la especialización.

Centra tu oferta en una modalidad artística que identifique tu marca personal y comercializala en el nicho de mercado más apropiado a tu producción.

La búsqueda de tu público puedes realizarla desde distintas perspectivas de selección y utilizando las siguientes características:

-Por conducta:
Analizar el mercado y la conducta en relación al arte: preferencias, frecuencias de compra o inversión.

-Por zona geográfica:
Selección de espacios geograficos: continente, países, ciudades, regiones, vecindario…. Individualmente o en conjunto.

Por demografía:
Seleccionar por sexo, estudios, edad, ingresos, familia, religión o raza.

-Por clase social:
Seleccionar en función de la clase social, personalidad o estilo de vida.

Por edad:
La edad es un segmento de mercado muy general, pero tu obra puede encontrar mejor acogida en un determinado rango de edad que en otro.

-Por profesión:
Las ocupaciones de las personas pueden determinar un status social que te interesa conocer y analizar por sus preferencias y poder adquisitivo.

Una vez hayas decidido cual es tu nicho de mercado ideal, tienes que validarlo para saber si te será rentable o no invertir en él tu trabajo, tu tiempo y tu dinero.

¿Se nace artista o se llega a serlo?

Esta es una pregunta que ha intrigado a filósofos, científicos y amantes del arte a lo largo de la historia.

Algunos sostienen que la habilidad artística es un talento que se desarrolla con el tiempo.

Otros creen que es un don innato que se manifiesta desde el principio de la vida.

En este sentido, la idea de que «se es artista desde que se nace hasta que se muere» cobra un significado poderoso.

Aunque muchos artistas no ejerzan profesionalmente en el mundo del arte y pueden encontrarse ocupados en otros campos laborales, la esencia artística permanece intrínseca en su ser.

Este síndrome conlleva un miedo permanente a ser descubierto como un mentiroso.

Cuando esto ocurre, es una realidad que no se puede ignorar y que se debe aprender a manejar para poder seguir adelante.

La ansiedad y el pánico son respuestas naturales del cuerpo ante situaciones de estrés, y aparecen cuando se está trabajando arduamente para alcanzar los objetivos marcados.

El síndrome del impostor es un fenómeno psicológico en el que la persona que lo sufre tiene la sensación de no merecer el éxito que ha alcanzado.

Tiene miedo de ser descubierta como un fraude.

Las causas de este síntoma pueden ser diversas y algunas de las principales son:

– Autoexigencia: Tener altos estándares y expectativas para sí mismo, lo que puede llevarle a sentir que nunca está haciendo lo suficiente y que está engañando a otros.

– Perfeccionismo: Creer que todo debe ser perfecto a menudo o no cumplir con sus propias expectativas, puede alimentar el sentimiento de fraude.

– Falta de autoestima: Dificultades para aceptar el éxito y la alabanza de los demás, lo que puede llevar a sentimientos de impostor.

– Fracaso: Si ha experimentado fracasos o rechazos en el pasado puede tener miedo de ser descubierto como fraude y, por lo tanto, puede tener dificultades para aceptar el éxito.

Es importante tener en cuenta que no hay una única causa del síndrome del impostor, y que puede ser influenciado por factores tanto internos como externos.

Sin embargo, si estos sentimientos comienzan a interferir en la vida diaria y la capacidad para funcionar, pueden convertirse en un trastorno de ansiedad.

Uno de los principales síntomas de este desorden psicológico es tener un alto nivel de autoexigencia.

Esta autoexigencia puede ser tan extrema que te impide reconocer lo que vales y tus logros personales.

No debes juzgarte severamente y no permitirte disfrutar de tus éxitos, porque pienses que siempre hay algo más que podrías haber hecho mejor.

Entonces, ¿qué puedo hacer para manejar estos sentimientos y seguir trabajando hacia mis metas?

– El primer paso es reconocerlo y ser conscientes del problema.
– Tus pensamientos tienen mucho más poder del que te imaginas y debes pensar en positivo.
– Reconoce tus éxitos y tenerlos presentes siempre que te invada la ansiedad.
– Acepta el fracaso y no te exigas más de lo necesario por querer ser perfecto.
– No dejes que el miedo a fracasar te paralice y sigue avanzando.
– Se realista y no te marques metas imposibles.

En lugar de juzgarte constantemente y centrarte en tus errores, reconoce tus logros y celebralos.

Aprender a valorar lo que has logrado hasta ahora, porque te ayudará a seguir motivado en tu proyecto.

Nadie alcanza sus sueños sin tropiezos y errores.

Aprender de tus errores te hará más fuerte y más resistente en tu camino hacia el éxito.

Como primer ejercico, te propongo una pregunta que, como artista, deberías formularte con cierta frecuencia.

Te conviene para que puedas descubrir y desterrar de tu pensamiento las creencias internas que limitan tu opción de poder dedicarte profesionalmente al arte.

Se trata de vivir de tu vocación artística,
pero…

¿Qué es realmente lo que impide crecer y hacer rentable tu proyecto de arte?

En primer lugar, debes aprender a no tener miedo al fracaso y a no permitir que condicione tu progreso la autocritica inadecuada y las creencias malsanas que tienes arraigadas en tu pensamiento.

¿Sabes como hacerlo?

Siendo honesto contigo mismo y sin hacer trampas.

No engañándote .

No te plantees la realidad de tu situación como artista de una manera errónea, para evitar reconocer los aspectos más conflictivos.

Empieza por analizar e identificar tres criticas internas que seguro afectan tu comportamiento:

1. ¿Confío en mi capacidad de trabajo para poder vivir del arte?

2. ¿Realmente, tengo pocas oportunidades porque he nacido en este país, en este entorno familiar o por la situación personal en que vivo?

3. ¿Tengo suficiente talento, formación y experiencia para defender mi obra en un mercado inhóspito?

Si has identificado correctamente cada una de estas tres creencias que limitan tu crecimiento, tienes que empezar a tomar acciones para irlas modificando y valorando en su justa medida.

Tus pensamientos y creencias son los cimientos sobre los cuales construyes tu camino en el mercado de arte.

Si crees que no eres lo suficientemente talentoso, que la competencia es abrumadora o que el éxito es inalcanzable, estás construyendo una prisión mental que limita tu crecimiento.

Desenvolverte en el mercado de arte no es fácil, pero en tu interior se encuentran los grandes obstáculos que frenan tu progreso.

Pensamientos y creencias son tu mundo interno.

Lo que suceda en tu entorno a nivel social, económico o artístico es el mundo externo.

Solo podrás cambiar o defenderte frente a lo que ocurre en el exterior si el trabajo interno lo has realizado correctamente a la hora de derribar tus creencias limitantes.

Derribarlas es como romper los barrotes de esa prisión mental, liberándote para actuar y reaccionar de manera más eficaz en el mundo exterior.

Poder, se puede.

Obstáculos los encontrarás siempre.

En tu país, en tu ciudad o en el ámbito de tu circulo social.

Pero, si otros artistas lo han conseguido en el mismo terreno en el que tu te desenvuelves, tú también puedes.

Los dos pasos que te voy a proponer a continuación son esenciales para desbloquear tu potencial:

1. Una vez que hayas identificado tus creencias limitantes, cuestiónalas.
¿Son realmente ciertas o son percepciones distorsionadas?
Reúne evidencias que desafíen esas creencias y construye argumentos sólidos en su contra.

2. A medida que desafíes tus creencias limitantes, reemplázalas con afirmaciones positivas y potenciadoras.
Por ejemplo, si crees que no eres lo suficientemente talentoso, cámbialo por «Estoy en constante crecimiento y mejora en mi arte».

Solo se trata de conocer y desterrar las creencias inapropiadas que te perjudican.

Las que frenan tu progreso como artista, porque no podrás hacerlo si tu actitud es el principal obstáculo para avanzar.

El mercado de arte puede ser desafiante, pero gran parte de ese desafío proviene del comportamiento que tu mismo creas y alimentas.

Así que, ¡adelante!

Empieza a trabajar en tu mundo interno para conquistar el mundo externo y llevar tu carrera artística al siguiente nivel.

¡Tú tienes el poder de hacerlo!

Pero, ¿qué tipo de artista eres tú o quieres ser?

La voluntad de superación y la necesidad de expresarte a través de tu arte es la mejor manera de desarrollarte como artista.

Ahora bien, cuando decides vivir de tu creatividad tienes que acomodar tus tiempos a producir y gestionar tu trabajo como hábitos normales en tu rutina diaria .

Por ejemplo, digamos que eres artista porque ves en el arte ese mundo romántico que te atrae, donde se manifiestan las más puras expresiones humanas.

Quizás, hoy en día, sea una utopía, porque cuando el arte entra a formar parte del mercado éste se ve inmerso en una pugna de intereses, comportamientos y poderes jerarquizados en busca de su parte del pastel.

Esta pugna la protagonizan los artistas, galerías y directores de museos, curadores, críticos
y coleccionistas, que determinan en algún momento tu éxito o tu fracaso.

De tí depende saber a qué nivel de mercado te interesa desenvolverte artísticamente.

Igual que no existe un solo modelo de artista, no debes dejarte influenciar por un determinado sector del mercado.

Hay muchas oportunidades para poder desarrollarte y para convertir tu vocación en una profesión que te satisfaga en lo personal y te permita económicamente vivir de ella.

A veces, nos asombramos cuando conocemos obras de arte por las que han pagado
decenas de millones.

Creemos que el artista que lo consigue es porque ha llegado al nivel más alto.

En realidad, este pensamiento es un espejismo.

Ten en cuenta que un 99,9% de los artistas no están, ni estarán nunca, en este ranking mercantilista y conseguirlo tampoco es la única opción que te ofrece el mercado del arte.

En este mercado hay también espacio
para galerías que representan firmas de primer nivel,
para galerías más modestas de ámbito nacional o local,
para artistas que trabajan por encargo,
para retratistas con una cartera de clientes,
para artistas emergentes subvencionados
o, simplemente, artistas comerciales.

Todos tienen cabida en el mercado del arte, sean académicos de Bellas Artes o autodidactas, autónomos o empresarios liberales.

Según tus inquietudes e intereses debes decidir que nicho de mercado será el tuyo y asumir el rol de artista que has decidido ser.

Hay muchos tipos de artista y muy variados que se revelan de distinta forma en su comportamiento, tanto en lo personal, como en lo profesional o en lo artístico.

En el escenario del arte podemos encontrar individuos: 

– Con un cliché romántico y de comportamiento obsoleto hoy en día, como podría ser Van Gogh.

– Con talento renacentista, como Leonardo Da Vinci.

– Otros con síndrome mercantilista, como el norteamericano Jeff Koons.

– Quizás, hedonistas empedernidos, sirva de ejemplo Pablo Picasso.

– Adictos crónicos, como fue el caso de Jackson Pollock.

– Algunos existencialistas torturados como Andy Warhol.

– Conceptuales comprometidos, como Sol Lewitt.

– Excéntricos presentuosos, como Salvador Dalí.

– Marginales underground irreductibles, como Nazario.

– Utópicos idealistas, como el alemán Joseph Beuys.

– O virtuosos de la técnica, como el español Antonio López.

Artistas que se comportarán como genios o divos, como personas activas o engreídas, que serán tímidos y huraños, extrovertidos y simpáticos, afectuosos, antipáticos o insufribles.

Técnicamente, también hay que reconocer que son buenos profesionales y excelentes artistas, que pueden etiquetarse como realistas o abstractos, hiperrealistas o conceptuales, performativos, escultores, fotógrafos o grabadores o artistas del videoarte.

Todos son válidos, porque no existe un solo tipo de artista.

Hay cabida para todos en el mercado del arte y para ti también.

Eso sí, tan pronto te desenvuelvas en el terreno del mercado del arte debes saber cuál es tu lugar apropiado.

No conviene estar en un sitio, porque tú lo has elegido o porque es lo que te corresponde por tu trabajo artístico y pretender disfrutar de lo que hay en otro lugar.

Sé honesto contigo mismo y consecuente con la realidad que te rodea.

Me explico y sirva sólo como ejemplo.

Si eres un excelente pintor de paisajes y comercializas tu obra directamente o expones en centros culturales de los municipios cercanos a tu estudio, como es el caso de muchos artistas, no pretendas que tu obra forme parte de la colección del Guggenheim.

No se puede hablar desde una visión fundamentalista del artista, como si hubiera un solo modelo esencial e inamovible en su definición.

Entonces, tú, como artista, recuerda que puedes estar en el mundo del arte escogiendo el modelo, la opción y el posicionamiento que prefieras sin atender a los intereses creados, que tanto mal han hecho a las disciplinas artísticas.

La realidad es que en un sistema capitalista como el que nos encontramos rige una economía de mercado.

El artista profesional debe estar en él con normalidad, porque tiene que comer de su trabajo y tiene facturas que pagar a fin de mes.

Por lo tanto sé libre en la elección.

Sin complejos de cómo negociar o comercializar tu trabajo y auténtico siempre en tu producción artística.

Para ser un artista de referencia tienes que ser aceptado por los intermediarios que actúan en el mercado.

Digamos que son las galerías, los críticos, las instituciones y los museos, entre otros factores.

Además, la obra de arte (a diferencia de otras artes: cine, fotografía, música, teatro…) suele ser una pieza única e irrepetible por lo que se añade a su cotización un valor diferencial y exclusivo.

El precio de la obra de un artista dentro del mercado primario se basa en sus dimensiones y en la reputación y solvencia del artista.

Es decir, se aplica el baremo de valoración por centímetro cuadrado, quedando todas las obras expuestas, en función de su tamaño, con la misma referencia de precio y no basándose en la calidad de la obra.

Por supuesto, la calidad se tiene en cuenta a la hora de ser aceptado o no por una galería, pero no es el principal elemento que decida su tasación.

En el mercado primario es la galería el principal agente que interviene en la trayectoria profesional del artista por ser su representante y promotor.

La galería trabaja para situar a los artistas que representa al primer nivel del mercado, tanto en la comercialización como en el reconocimiento de su obra

Nunca deben bajarse los precios, aunque temporalmente exista una carencia de mercado.

Hacerlo significa una devaluación de la obra vendida anteriormente y la desconfianza del coleccionista hacia al artista.

En estos casos, la galería o representante prefiere retirar al artista del mercado de manera temporal o definitivamente.

El artista, por su parte, recurrirá a otras galerías de menor nivel o a un sector del mercado con precios más bajos.

Otras opciones, por parte del artista, antes de bajar los precios, sería crear obra nueva con soporte y técnica diferente a la habitual, editar colecciones de obra seriada o aceptar encargos ajustados a un presupuesto previo.

En el mercado del arte contemporáneo, más que la calidad de ejecución que ofrece su obra, predominan los criterios de autorreferencia, que son las calificaciones o reconocimientos que obtienes por parte de la crítica, medios de información especializados o prestigio expositivo.

Se mantiene la fama del artista siempre y cuando se mantenga en el mismo nivel o lo aumente en credibilidad por su calidad y reconocimiento del sector.

En esta estabilidad profesional es un factor determinante la demanda del mercado.

Si baja la demanda o careces de ella como artista puedes ser expulsado del sistema.

Así de fácil.

Cuando el artista deja de ser emergente y sale del entorno de nichos menores de mercado en los que ha comercializado su obra desde el inicio de su carrera y, después de superar varias etapas, llega al primer nivel, donde se alcanzan los precios más altos, depende exclusivamente de un mercado coleccionista.

En los países del primer mundo donde es más amplia la clase media, esta categoría social determina o establece el mercado del arte contemporáneo.

Las estadísticas lo afirman al detectar que las ventas provienen de coleccionistas de este sector de la sociedad.

Como profesional del arte sabrás que este mercado se rige por unas normas poco ortodoxas y tiene sus propias reglas y es el criterio de determinados intermediarios que se encuentran entre el productor (artista) y el consumidor (coleccionista) quienes califican y valoran la calidad y solvencia de la producción artística.

También el consumidor final como coleccionista tiene un papel destacado en el mercado, ya que con su decisión de compra o rechazo de determinadas obras o corrientes artísticas influye finalmente en la fluctuación o desaparición de un artista del mercado.

No obstante, para el público en general y como potenciales compradores sigue siendo un misterio la evaluación de la obra que se comercializa, por no ser aplicada con criterios objetivos.

Sus gustos y preferencias artísticas suelen estar influenciados por la opinión de los profesionales teóricos y comerciales del mercado, ya que suele ser un público desconcertado estéticamente e inseguro en su propio gusto.

El desconocimiento de los entresijos que lo determinan y la falta de criterio propio en la mayoría de los casos hacen que se acepte, por comodidad o inseguridad, la opinión de críticos, comisarios e intermediarios de la venta de arte.

Concluyendo esta exposición, se puede resumir en que la cotización del arte es algo que pocos entienden, pero poseerlo da prestigio social, además del placer que genera a nivel personal.

En líneas generales, este es el escenario en el que tienes que actuar como artista y sobre el que tienes que plantearte las siguientes interrogantes para vivir de tu trabajo:

 

1.¿Puedo ser independiente o debo someterme a las exigencias del mercado?
2.¿Quién comprará mi arte y por qué?
3.¿Cómo puedo conocer y acceder a esos compradores?
4.¿Cómo planifico y oriento mi estrategia comercial?
5.¿Existen para el artista ofertas de trabajo y donde se publican?
6.¿A quién le oferto mi trabajo?
7.¿Cómo debo promocionarme para encontrar nuevos clientes?
8.¿Cómo acierto en la valoración de mi propia obra?
9.¿Por dónde empiezo?…

No es fácil dar una respuesta satisfactoria a cada pregunta y que, además, sea válida para todos los casos.

En la etapa formativa o en tu paso por la universidad no se te ha preparado para hacer frente a la necesidad de lograr hacer rentable tu trabajo y que éste te permita vivir dignamente.

Tampoco ser artista es el perfil más adecuado para plantearte el oficio desde una visión empresarial, ya que tu formación ha sido diametralmente opuesta a esta finalidad.

Quieres poder vivir desempeñando tu vocación y las posibilidades de conseguirlo son muchas.

No quieras ejercer tu oficio de forma unidireccional, sino adaptarte a los nuevos tiempos y a los cambios que experimenta actualmente la sociedad en demanda y preferencias artísticas.