Te voy a comentar doce errores que debes evitar cometer.

Probablemente, si ya eres veterano en este circuito, los conozcas.

O, quizás, no eres consciente de estarlos cometiendo por muy evidentes que sean.

Estés en una situación o en otra no está de más que te los exponga y decidas su conveniencia en tu búsqueda de galerías de arte o donde quieras exponer tus obras:

1.Error: Sólo buscar galerías en ciudades grandes:
No solo hay galerías de arte increíbles en las ciudades, sino que también puedes encontrarlas en lugares menos conocidos con excelente oferta expositiva.
¡Hay cientos de galerías de arte y salas de exposición en ciudades pequeñas que están esperando ser descubiertas por artistas como tú!

2.Error: Enviar correos electrónicos genéricos en lugar de cartas de presentación personalizadas:
Los propietarios de galerías pueden recibir cientos de solicitudes cada semana, por lo que es vital destacar con una carta de presentación personalizada y emocionante.
Esmérate en redactar la carta, porque según como lo hagas atraerás o no la atención del destinatario.

3.Error: Olvidar de investigar la galería antes de contactarla:
Puede parecer una tarea tediosa, pero no investigar la galería antes de hablar con sus responsables es un gran error.
Además, puede ser una gran fuente de inspiración para ese correo electrónico personalizado que mencioné en el segundo punto.
Evita contactar sin haber investigado previamente sobre su enfoque artístico, el tipo de artistas que representan y las exposiciones que han realizado.
Es importante asegurarte de que tu trabajo encaje con la visión y el estilo de la galería.
Si no es la galería apropiada, tampoco vale la pena perder el tiempo en mostrarles tu obra.

4.Error. No hablar directamente con el director de la galería:
Si te encuentras en una galería de arte y tienes la oportunidad de hablar con el director, ¡hazlo!
Asegúrate de expresar tu interés en exponer tu obra en su galería.
Es él quien tiene que decidir si expone tu trabajo o no.
Si delega en alguién para atenderte, declina la entrevista y pasate en otro momento que pueda atenderte personalmente.

5. Error. No prepararse para la entrevista:
Imagina entrar en una galería de arte con tu portfolio bien montado y ser incapaz de hablar sobre tus propias obras.
¡No te pongas en ese apuro!
No improvises y sigue un guión sobre el discuros de cada obra, tanto a nivel conceptual, como en el proceso de realización.

6.Error: No tener versión digital del portafolio:
En estos tiempos de alta tecnología, no tener un portfolio digital de tus obras de arte puede ser un gran obstáculo.
¡Asegúrate de tener una versión digital de alta calidad de tu trabajo!
Que sea fácil de recordar su URL y accesible.
Diseña tu portfolio de manera original y que sea cómodo de navegar.

7. Error: No seguir las tendencias del mercado:
El mundo del arte es muy dinámico.
Debes estar informado de las últimas tendencias y estilos del mercado.
Conocer la competencia y preferencias de mercado te será de gran ayuda para dar a conocer tus obras.

8. Error: Envío de trabajos inapropiados:
Evita enviar trabajos que no cumplan con los requisitos establecidos por la galería.
Asegúrate de seguir las pautas específicas proporcionadas por la galería en cuanto a formato, tamaño, número de piezas, etc.
También es importante seleccionar cuidadosamente las obras que envíes para asegurarte de que representen tu mejor trabajo y sean coherentes entre sí.

9. Error: Falta de presentación profesional:
No presentes tu solicitud de manera descuidada o poco profesional.
Asegúrate de incluir una carta de presentación clara y concisa que explique quién eres como artista, tu enfoque artístico y por qué te gustaría exhibir en esa galería en particular.
Acompaña tu solicitud con un currículum actualizado y una selección de imágenes de alta calidad de tu trabajo.

10.Error: No seguir las instrucciones:
Es fundamental leer y seguir cuidadosamente todas las instrucciones proporcionadas por la galería.
Si solicitan que se envíe la solicitud por correo electrónico, no la envíes por correo postal.
Si piden un número específico de imágenes, no envíes más ni menos.
Asegúrate de cumplir con todos los requisitos solicitados para que tu solicitud sea considerada seriamente.

11. Error: Ser impaciente o insistente:
Evita el seguimiento excesivo o la presión constante sobre la galería después de enviar tu solicitud.
Dale a la galería el tiempo adecuado para evaluar tu trabajo y si están interesados, te contactarán.
Si no te responden pasado un plazo prudencial, probablemente, no estén interesados.
Entonces, llámalos o contacta para saber su decisión definitiva.

12. Error: No investigar los términos del acuerdo:
Por último, si te ofrecen la oportunidad de exhibir en una galería, revisa detenidamente los términos del acuerdo antes de aceptar.
Asegúrate de comprender los detalles sobre la comisión, la duración de la exhibición, las responsabilidades compartidas, el transporte y cualquier otra cláusula relevante.
Si tienes alguna pregunta o inquietud, no dudes en discutirlas con la galería antes de firmar cualquier contrato.

Recuerda que cada galería tiene sus propios procedimientos y requisitos, por lo que es importante adaptar tu enfoque a las especificaciones de cada una.

Ser profesional, respetuoso y cuidadoso en tu solicitud aumentará tus posibilidades de éxito y podrás exigir el mismo trato por parte de la galería.

Espero que estos consejos te ayuden en tu búsqueda.

Como cualquier otro negocio, la galería de arte tiene que hacer frente a los gastos de mantenimiento y gestión, además de buscar un margen lógico de beneficios.

Por su parte, el artista tiene también que hacer frente a unos gastos ineludibles y debe poder vivir de su producción.

Hay que pactar de acuerdo por ambas partes y muy conscientemente cual es el porcentaje de la venta de una obra que debe percibir cada una.

Si después de una exposición se liquidan los beneficios de las ventas al 50% (porcentaje habitual en galerías que representan la obra del artista) hay que tener en cuenta que para el artista pasará un tiempo (fácilmente puede ser un año) hasta que vuelva a exponer y obtener beneficios de la posible venta.

Sin embargo, la galería celebrará inmediatamente una nueva exposición con lo que será más fácil que se reponga si la anterior no ha tenido una buena acogida.

Visto desde este punto de vista el artista sale desfavorecido frente a la galería percibiendo el mismo porcentaje, por lo que se tienen que negociar con acierto las condiciones a la hora de exponer.

No solo a lo que se refiere al porcentaje, sino también las prestaciones que gestionará la galería, además de la venta, y si ésta le compra al artista o, por el contrario, es él quien le vende directamente al comprador y liquida el porcentaje a la galería.

Aunque no haya norma general, si pueden servir de orientación los siguientes porcentajes en función de la relación que exista entre artista y galería.

También quedará claro si los descuentos corren a cargo de la comisión de la galería o serán sobre el precio final y se asume por partes iguales.

Existe otra opción de galerías de arte que no cobran ningún porcentaje por ventas, pero cobran un precio elevado por el alquiler de la sala y no se tiene garantías de que gestionen las ventas, ni se ocupen de la promoción de la exposición.

No obstante, hay artistas que suelen tener su propia clientela y prefieren este tipo de galerías, porque les es más rentable que pagar una comisión, ya que tienen su  cartera de clientes y gestionan personalmente las relaciones públicas de la muestra.

Dos tipos de relación son los más habituales que se dan entre el galerista y el artista:

• Relación de colaboración
• Relación de representación

La relación de colaboración contempla un trabajo puntual entre ambas partes y que puede ser una forma habitual de la galería al trabajar con una amplia cartera de creadores, no mediando ningún compromiso de exclusividad.

La colaboración con una galería de manera puntual puede quedar circunscrita a la celebración de una exposición, por concurrir a una feria o solo por dejar un determinado número de obras en depósito hasta su venta.

Este tipo de relación se suele dejar por escrito mediante la redacción de la “Hoja de Depósito” en la que debe de figurar:

Fecha de entrega,
Datos técnicos de la obra,
Plazo de depósito y de devolución,
Responsabilidad de custodia,
Condiciones de transporte y embalaje.

Debe quedar constancia del precio de venta de la obra, impuestos a aplicar, posibilidad de descuento, quien o como se asume la rebaja y porcentaje de la galería.

Cuanto más detallada esté la documentación, mayor será la garantía de buenas relaciones y eliminar la posibilidad de conflicto.

Lo habitual es que cada obra que se entregue a la galería para su comercialización se haga con su correspondiente “Hoja de depósito”.

También se puede redactar un documento con las condiciones generales y acompañarlo con un anexo para cada obra con sus características técnicas que la identifiquen.

El artista puede tener relaciones con las galerías a nivel de exclusiva o de forma puntual, como se ha expuesto más arriba.

Si la relación la determina la exclusividad, ésta se debe establecer en su totalidad o parcialmente en lo que se refiere a la obra o al ámbito territorial.

El grado de exclusividad debe negociarse con detalle y concretar las condiciones en que se desarrollará, porque puede  no interesarle al artista quedar demasiado ligado a la representación de una sola galería cuando hoy en día tiene la oportunidad de acceder a un mercado mucho más globalizado.

También, habrá que definir el número de obras que deberá entregar, bien sea anualmente o por exposición y la posibilidad de trabajar con otras galerías, participar en ferias o permitir que su obra sea itinerante o no.

Al margen del tipo de representación que se haya acordado, en la negociación no se pueden descuidar otros aspectos importantes como son el modo de exhibición, la custodia de la obra, como será almacenada, los plazos de entrega o como se llevarán a cabo las devoluciones.

Obligación de la galería es organizar un mínimo de exposiciones de carácter individual o colectivo y definir los gastos que hará frente como representante del artista en lo que se refiere a traslados de la obra, embalaje, transporte, montaje, fotografía, alojamiento y viajes del artista, etcétera.

En el Contrato de Representación debe quedar claro desde el primer momento, en función de la comisión que corresponda a la galería, si debe hacer frente o no a los gastos de publicidad, representación, catálogo, invitaciones, asistencia a ferias, etcétera.

La liquidación de los beneficios debería ser abonados al artista en un plazo razonable y no superior a treinta días, siempre y cuando no se haya acordado otra opción, ya que en cada venta se pueden dar circunstancias distintas como puede ser el pago a plazos, financiación de la obra o aplazamiento de la entrega.

También tiene derecho el artista a ser informado de la identidad del comprador y del destino de la obra vendida.

Por su parte, el artista debe cumplir con lo pactado con la galería como puede ser asistir a las inauguraciones, actos concertados, cumplir los plazos de entrega, supervisar el montaje de las exposiciones, informar de las relaciones con otros profesionales del sector y de la posible revalorización de su obra y, en todo momento, respetar la confidencialidad del contrato.

Desde el aspecto conceptual, lo relevante en tu labor creativa es conseguir una obra bien hecha, lograr expresar una buena idea y, mediante recursos técnicos, saberla plasmar satisfactoriamente.

Dominar el medio en el que trabajas artísticamente y expresar tus inquietudes es solo el primer paso, aunque para ti esta etapa sea la más importante del proceso.

Después de conseguida la obra, hay que saber venderla y estipular con acierto el precio justo de cada uno de tus trabajos, en función de una serie de pautas:

– ¿Aplicas los precios con certeza en función del trabajo y de su valor artístico?

– ¿Pongo el mismo precio en el estudio-taller que en la galería, que si lo hago a través de un intermediario?

– ¿Aciertas al tarifar una obra cuya inversión principal es el tiempo invertido en su realización?

– ¿Calculas con acierto tus ganancias una vez has deducido todos sus costos, comisiones, impuestos y descuentos?

– ¿Dispones de un método eficaz y justo para hacerlo?

– ¿Sabes si tu margen de ganancias te permite vivir de tu arte?

– ¿Sabes cómo calcular los precios teniendo en cuenta la comisión de la galería o de un intermediario?

– ¿Cuánto vale tu hora o día de trabajo?

– ¿Eres consciente de cómo y cuánto te afecta no aplicar los precios con rigor?

Aunque para los pintores hay medidas standard que pueden servir de orientación, en otros oficios de arte cada obra requiere una valoración diferente para su comercialización.

Valor y precio

Estoy seguro que en más de una ocasión habrás oído: ”No es lo mismo valor que precio en una obra de arte”.
De acuerdo. Así es.

Tu obra es genial, tiene tu impronta personal, te identificas con ella, es única e irrepetible.

Artísticamente, vale mucho para ti, pero piensa ¿cuánto estaría dispuesto un comprador a pagar por ella?.

Medítalo fríamente.

Distánciate de tu obra como autor y obsérvala como un mero objeto.

Para ponerle precio a una pieza de arte, sea pintura, dibujo, escultura, obra gráfica, fotografía, cerámica, etcétera tienes que basarte en una lógica que te sea útil, equitativa y satisfactoria para cada ocasión.

A la hora laboral ponle un precio justo, como si fueras un profesional de otro sector.

No vayas sacando pecho y considerando que lo que tienes es único.

Para ti, seguro que sí.

Será algo especial, pero todo es reemplazable y la oferta que hay en el mercado es muy amplia y variada.

Con el paso del tiempo y superándote día a día conseguirás una justa cotización.

Si eres un artista emergente que se está introduciendo en el mercado, puedes empezar por ponerle a la hora de trabajo alrededor de los 20-25 euros, por ejemplo.

Observa a otros artistas similares.

Analiza su obra y el precio que tienen.

Recuerda que si eres “nuevo” en este mercado no puedes vender al mismo precio que un artista de amplio recorrido y con una demanda de su obra establecida.

Es preferible subir poco a poco y hacerlo a medida que exista una demanda favorable que, pasado un tiempo, tengas que bajar los precios porque no vendas.

Si alguien te ha comprado a 500 euros y, pasado un año, el mismo formato y temática lo estás vendiendo a 350 euros es una mala política; muy mala política.

Da la impresión que has engañado al que te ha comprado al principio a 500 euros.

Subir es fácil, pero después cuesta mucho bajar.

Sube poco a poco, aunque ya tengas establecido un pequeño hueco en el mercado.

Siempre, aunque no te lo pidan, debes poder justificar las subidas de precio.

Los precios altos frenan al comprador.

Los precios bajos te subestiman.

Elementos extra economicos
dificiles de medir

Como se afirma en el estudio “Competencia por cantidades en los mercados de arte de México”, de J.C. Ramírez y P. Bueno, “el precio de las obras de arte incorpora elementos que son extra económicos, condensados en lo que se conoce como valor estético, que resultan muy difíciles de identificar y medir.»

«Por eso, analizar los productos artísticos resulta todo un desafío para la teoría económica, sobre todo porque la oferta y la demanda de las obras de arte no están regidas sólo por los criterios tradicionales de costos o de ingresos sino, también, por factores culturales que no están presentes en el estudio de los bienes normales”.

El arte es una expresión única de tu creatividad y dedicación, y reducir los precios puede hacer que los espectadores y compradores subestimen el esfuerzo y la calidad detrás de cada pieza.

Si constantemente bajas los precios, es posible que te encuentres luchando para cubrir los costos de producción, los materiales y tu tiempo invertido.

Esto puede llevar a una situación en la que te sientas obligado a crear más obras en menos tiempo, lo que podría afectar negativamente la calidad y la autenticidad de tu trabajo.

Al reducir los precios drásticamente, es posible que atraigas a compradores que buscan solo ofertas y descuentos, en lugar de personas que realmente valoren tu arte.

Esto puede generar una base de seguidores poco comprometidos y afectar la construcción de una audiencia genuina que aprecie tu visión creativa.

Si estableces un estándar de precios más bajo desde el principio, puede ser difícil aumentarlos a medida que tu trabajo gane reconocimiento y tu habilidad artística mejore.

Los ajustes de precio pueden malinterpretarse como intentos de aprovechar el éxito en lugar de reflejar el progreso legítimo en tu carrera.

Los compradores a menudo asocian precios más altos con mayor calidad.

En lugar de enfocarte en bajar los precios, considera otras estrategias para atraer a nuevos compradores y aumentar tu visibilidad en el mercado del arte.

Comunicar el proceso creativo detrás de cada obra y construir una historia en torno a tu arte puede ayudar a los compradores a comprender mejor su significado y a conectarse emocionalmente con él.

El arte es una inversión en la cultura y la creatividad, y tu trabajo merece ser valorado adecuadamente.

En lugar de ceder a la presión de reducir los precios, mantén la confianza en tu visión artística y busca un público que aprecie y respalde tu creatividad de manera auténtica.

El artista plástico sea pintor, escultor, acuarelista, dibujante, grabador, fotógrafo o artesano, por ejemplo, necesita exponer y mostrar su obra.

Para conseguirlo tienes que entrar en el exclusivo mercado del arte y lidiar con las peculiaridades de este sector elitista y comercial.

No siempre se acierta a la hora de elegir sala donde exponer su trabajo.

Disponer de la información necesaria y orientar acertadamente la difusión de tu trabajo artístico son las mejores herramientas para no perder el tiempo …y, a veces, dinero también.

¿Dónde se puede exponer?

Cada galería o sala de arte tiene sus características especiales y según sus preferencias se reserva el derecho de selección de los artistas que expone.

Es normal, porque en unos casos son negocios privados y otros siguen unas líneas de exhibición determinadas.

A la hora de buscar local donde exponer tu obra lo primero que tienes que tener claro es dirigirte solo a galerías que muestran en sus salas una línea artística igual o similar a la tuya.

No es acertado que, si tu estilo es abstracto, le solicites fecha para exponer a una galería de estilo costumbrista o figurativo.

Por este motivo, antes de dar ningún paso en falso es importante informarte lo más ampliamente posible de las posibilidades que hay para exhibir tu obra en tu ciudad o en cualquier otra plaza que quieras exponer.

Es muy importante también saber si te interesa una sala de exposiciones de pago que funciona como negocio, una sala cultural patrocinada por una entidad institucional, cultural o financiera o hacerlo en un local alternativo.

Salas de arte institucionales

Son las que regentan las administraciones a todos los niveles, fundaciones o entidades bancarias.

Estas salas no tienen un fin lucrativo, aunque el artista puede vender por su cuenta.

Ofrecen el local donde exponer, catálogo de la exposición, copa de inauguración y un listado de personas interesadas en sus actividades.

La duración de las exposiciones suele ser de 15 dias a un mes y suelen pedir a cambio la donación de una obra para el fondo de arte de la entidad.

Añadir que estas salas disponen de buenas instalaciones y suelen estar abiertas a la demanda de artistas noveles.

Normalmente, hay una larga lista de espera que puede oscilar alrededor del año, pero es una de las opciones más favorables para el artista, aunque de la promoción de la exposición deba ocuparse él, al margen de los anuncios en medios informativos que suele poner la entidad anunciando el evento.

Establecimientos de hostelería

La oferta que hay en este sector cada día es más amplia y variada.

En bares de copas, cafeterías o pubs proliferan últimamente la oferta de sus paredes para exponer.

Si eres joven y tu obra está en consonancia con su ambiente seguro que encontrarás un local de estas características donde poder colgar.

En estos locales de ambiente joven el tipo de obra más apropiada suele ser el dibujo, obra gráfica o fotografía, ya que sus precios son más asequibles.

Otra posibilidad en el sector hostelero son los hoteles.

Hay artistas de cierto nivel que no renuncian a una exposición en un buen hotel.

Al establecimiento le interesa porque ofrece un atractivo cultural a sus huéspedes y al artista también si el poder adquisitivo del viajero es alto.

Al margen de que el artista es quien gestiona la exposición, es una buena práctica ofrecer un porcentaje por venta al personal.

Ellos conocen a los clientes y su mediación puede sernos muy útil.

El coste de exponer en estos establecimientos lo habitual es entregar una obra a cambio de la exposición.

Los gastos van por cuenta del artista, aunque en lo que se refiere al cocktail de inauguración puede colaborar el establecimiento.

Centros socio-culturales

En esta área el campo donde se puede buscar sala para exponer es muy amplio y casi todas las asociaciones, clubs, colegios profesionales o hermandades suelen tener un patrón común de actuación.

La variedad de la oferta es en áreas de cultura, deportes, colegios profesionales, musicales, artístico-literarios, etc.

Sus dependencias, normalmente, disponen de un local apropiado para celebraciones o actos culturales donde se puede exponer muy dignamente.

El precio a cambio de exponer suele ser normalmente la donación de una obra o un pequeño porcentaje de las ventas para sufragar gastos o ayudar al mantenimiento de las instalaciones.

Tiendas especializadas

Si estás dando los primeros pasos como artista exponiendo tu obra, lo que te interesa en este momento es que poderla mostrar para que el público la vaya conociendo y se consolide tu firma.

No hay que hacerlo de cualquier manera y en cualquier lugar.

Lo importante es tu obra artística y se debe mostrar con dignidad, aunque no sea un lugar habitual para exposiciones.

Hay talleres de enmarcación que disponen de un espacio para exponer.

Tiendas de muebles o relacionadas con la decoración que también pueden acoger tu obra muy dignamente.

Las condiciones variarán según lo que acuerdes con el propietario.

Algunas veces con enmarcar tus cuadros en el taller/galería te dejan colgar gratuitamente.

Eso sí, deberás preocuparte de promocionar la muestra en todos los aspectos para que asistan a la inauguración o durante los días que permanezca abierta.

Se trata de seguir una estrategia para ofrecer una combinación de productos y poder satisfacer un espectro más amplio del mercado.

La idea se centra en poder atender la demanda con una variada oferta y, de esta manera, poder llegar a todos los bolsillos.

Estemos o no socialmente inmersos en una crisis, a nivel individual las personas siguen emocionándose con el arte.

Se interesan por tu obra y en algún momento desearán adquirirla.

Esto ocurre a distintos niveles de mercado y, mientras unos puedan permitirse adquirir una obra original, un sector mayoritario de la sociedad no puede hacerlo.

Este principio fue propuesto por el economista italiano Vilfredo Pareto en la década de 1890, quien observó que el 80% de la riqueza en Italia estaba en manos del 20% de la población.

Aplicado a las ventas globales de obras de arte, esto significa que aproximadamente que una quinta parte de las iniciativas, artistas o piezas de arte son responsables del 80% de las ventas totales del mercado del arte.

A nivel individual, como artista, realiza diferentes tareas y actividades centradas en la divulgación de tu obra para favorecer o fomentar la venta.

En principio, cualquier oportunidad que tengas de exponer, ser entrevistado, participar en iniciativas artistico-culturales, colaborar, integrarte en grupos, fomentar las relaciones públicas, abrir tu estudio-taller o , incluso, dar clases potenciará tu visibilidad.

Todas estas actividades deben estar focalizadas en conseguir la venta de tu obra.

Después, revisa en un plazo de unos tres meses, por ejemplo, que ventas has conseguido y a través de que actividad se han materializado.

Deberás revisar las ventas e intentar identificar qué tipo de iniciativas u obras generaron los ingresos máximos.

La idea es crear una identificación del 20 % de los productos más vendidos.

La idea significa que al enfocarte en tus convicciones y creencias, puedes construir una conexión más fuerte con tu audiencia y establecer un sentido de comunidad en torno a tu obra.

El 20% restante de la comunicación debes centrarla en mostrar y compartir tu producción artística.

Comparte imágenes de tu trabajo, descripciones detalladas del proceso creativo y cualquier otra cosa que ayude a tus seguidores a comprender y apreciar la obra.

Al cumplir esta proporción, garantizas que tu comunicación esté equilibrada.

Compartes tus creencias y, al hacerlo, refuerzas de manera efectiva tu obra.

El principio de Pareto se utiliza a menudo como una herramienta para la toma de decisiones y la gestión de recursos, ya que sugiere que enfocarse en los pocos factores más importantes puede tener un impacto significativo en los resultados generales.

Cuando las ventas son consecuencia de la calidad y el reconocimiento del público tienden a recibir más atención y, por lo tanto, generan más ventas.

Las iniciativas  con más éxito, generalmente, invierten más en estrategias de marketing y promoción.

Los artistas y galerías más reconocidos suelen tener una amplia red de contactos en en el sector del arte y entre coleccionistas.

El precio alto y la exclusividad es otro de los motivos que conduce a una mayor proporción de ingresos generados por un grupo más pequeño de ventas.

Además, algunos artistas pueden mantener cierta exclusividad en el mercado, lo que aumenta la demanda y el valor de sus obras.

Factores subjetivos en las preferencias artísticas pueden variar ampliamente entre diferentes compradores.

Esto significa que algunas obras de arte pueden sintonizar mejor con el gusto de un público más amplio, mientras que otras pueden tener un atractivo más limitado.

Es importante tener en cuenta que la «Regla 80/20» no es una fórmula estricta, sino una tendencia observada en muchos escenarios diferentes, no solo en el del arte.

No siempre se aplica exactamente, pero el concepto subyacente sugiere que una pequeña parte de las iniciativas o elementos contribuirá de manera significativa a los resultados de los beneficios globales.

– Tu actitud debe ser de acompañamiento y procurar :

*No atosigarlo.
*No tratar de convencerlo.
*Informarlo.
*Dejar que crea que es él quien decide

Si no está del todo convencido, sea por cualquier motivo, no le facilites tú el pretexto para que pueda abandonar el estudio-taller sin comprar, aunque diga que aplaza su decisión para otro momento.

Cuando te encuentres en esta situación no debes cruzarte de brazos y dejar que se enfríe el interés que demostró por tu obra, sino que tienes que reavivar el deseo de compra .

Por eso, cuando tengas un primer contacto con algún coleccionista te conviene recabar datos para poderlo fidelizar.

Necesitas que te facilite:

Su email

Su teléfono (whatsapp)

Sus datos de contacto

Para enviarle periódicamente:

Información de tu actividad
Nuevas ofertas
Boletín de noticias

Y evitar que se enfríe su interés por tu obra.

Si se va sin comprar, en relación a sus preferencias o por el interés que demostró en determinada obra de tu autoría, diseña una programación de envíos o comunicaciones mandando fotografías relacionadas con la obra, datos técnicos o conceptuales que has recopilado, criticas o publicaciones de la prensa que estén vinculadas, con la finalidad de mantener vivo su interés.

Quizás no compró, porque
no fue el momento adecuado,
la compra no se ajustaba a su presupuesto
o, simplemente, la aplazó.

Durante su estancia en tu estudio-taller pregunta si podéis haceros una foto como recuerdo y guárdala junto a la ficha que le habrás creado para recordar en el futuro quién es y contactarlo para evitar que se enfríe su interés de compra.

La realidad es que no todos los miembros de tu nicho o seguidores que estén interesados por tu obra van a convertirse en compradores.

Para poder persuadirlos tienes que implementar un método de fidelización y, progresivamente, acercarlos a la acción de compra.

Cuando realizas adecuadamente el seguimiento de los coleccionistas o posibles compradores que se han interesado por tu trabajo artístico, se consigue una conversión de un 3-5%, normalmente.

Esto significa que de cada cien personas interesadas se convierten en clientes 3 ó 5 de ellas.

El porcentaje puede ser mayor o menor en función de cómo, donde y cómo hayas conseguido los contactos.

La calidad de los integrantes de la comunidad que hayas creado en torno a tu arte redundará en la tasa de éxito que tengas para convertirlos en compradores.

Debes mantener el interés de tus seguidores y mantener un contacto fluido con ellos a través de tres canales de información:

página web,
redes sociales,
y email marketing.

Mantener la constancia y facilitar información relevante sobre tu trabajo artístico mantiene la atención de tu público que, en algún momento, decidirá comprar o te tendrá en cuenta en su proyecto artístico.

Identificar a posibles clientes que estén listos para comprar tu obra de arte requiere un enfoque estratégico y algunas tácticas de investigación.

La posibilidad más accesible para contactar con potenciales compradores es a través de exposiciones, ferias de arte, subastas y otros eventos relacionados con la cultura.

Estos lugares atraen a personas interesadas en el arte y pueden ser una excelente oportunidad.

También, te conviene establecer contacto con otros artistas, galeristas, curadores y profesionales del arte.

Tienen información valiosa sobre posibles compradores o incluso pueden ser compradores ellos mismos.

Visita galerías de arte y espacios de exhibición que muestren obras similares a las tuyas y observa si sus clientes encajan con tu mercado objetivo.

Encontrarás información sobre ellos a través de revistas especializadas, eventos de arte o en en la propia galería.

Envíales un correo electrónico o una carta presentándote y mostrando tu trabajo.

Algunos coleccionistas pueden estar dispuestos a adquirir tu obra o recomendarte a otros posibles compradores.

Igualmente, deberías hacer lo mismo con los diseñadores de interiores, decoradores o profesionales similares.

A menudo, estos profesionales buscan obras de arte para sus proyectos.

Establece relaciones con ellos y ofrece tus servicios como proveedor de arte.

Recuerda que la identificación de posibles compradores requerirá tiempo y esfuerzo.

Es importante mantenerse activo en la promoción de tu trabajo, para construir una red de contactos sólida, bien informada de tu trabajo y, en consecuencia, de compradores recurrentes.

Quizás estés trabajando en un proyecto a medio o largo plazo que requiere de apoyo financiero para conseguir que sea viable su ejecución.

O tal vez, vas a celebrar en breve una exposición que organizas y sufragas tu personalmente, sin la intermediación de galería alguna o marchante que se ocupe de los detalles de gestión.

Si es esta o similar la situación en la que te encuentras, considero que encontrar un patrocinador que te financie es la solución idónea.

DEFINICIÓN DE LOS PERFILES DE FINANCIACIÓN

Primer paso: Establecer un objetivo

Tienes que tener claro el interés que pueda aportar tu trabajo, la zona geográfica donde se va a desarrollar, publico al que va dirigido, la proyección mediática que puedas tener o la repercusión social que obtendrás.

Cuando tengas estos parámetros bien definidos te será más fácil saber a quien puedes dirigir tu oferta.

El siguiente paso sería saber exactamente que tipo de patrocinio necesitas;

– Financiero (por ejemplo, financiar un catálogo).
– Productos o servicios.(por ejemplo, aportar material o mobiliario ).
– Publicidad (por ejemplo, difusión mediática).
– Influencers RR.SS. (por ejemplo, difusión de marca personal ).
– Una vez hayas definido el objetivo y el tipo de patrocinio que te interesa personaliza tu petición de ayuda para cada solicitud que hagas, porque no todas las empresas son iguales o persiguen los mismos fines en cuestiones de promoción.

Beneficios que quiere el patrocinador

En general, un patrocinador puede interesarse en tu solicitud por motivos similares a los que te expongo a continuación:

– Aproximación a nuevos clientes o posibilidades de negocio.
– Promoción y vinculación de marca.
– Credibilidad para sus productos al ponerlos en uso frente al público.
– Compromiso socio-cultural y mejora de marca.
– Mayor visibilidad para ampliar su negocio en el sector.
– Mejorar su posicionamiento frente a la competencia.

Ahora bien, ¿que obtendrá la empresa si te patrocina?.

Sé realista en la exposición de los beneficios que puede obtener y no mientas por tratar de conseguir su mecenazgo.

Los beneficios que ofreces pueden incluir alguna o todas de las siguientes acciones:

– Referencia o logotipo en la invitación, folleto o cartelería.
– Mención en la publicidad o entrevistas de prensa.
– Referencia de patrocinio y publicidad destacada en el catálogo.
– Stand de exhibición para promocionar productos o servicios
– Descuento en la compra de obra o realización de trabajo personalizado.
– Atención y presentación personal del artista para grupo o evento que organice la empresa patrocinadora.

Presenta una solicitud detallada y atractiva

Presenta tu solicitud con datos y cifras lo más realista posible, además de dejar bien claro que aspectos de tu oferta congenian con los valores del patrocinador o de su marca para que ambos podáis sacar el mayor beneficio.

Tu propuesta debe ser detallada y diáfana en la exposición de los motivos por los que se vería beneficiado el mecenas si decide financiarla.

Los datos que debes aportar deben referirse, principalmente, a los siguientes puntos:

-Quién eres, qué haces, credibilidad que tienes de marca y trayectoria personal.
-De que se trata el evento a patrocinar
-Tipo de público que atraerá su celebración.
-Oradores y profesionales que lo apoyarán.

Se debe cumplir siempre con las prestaciones que se hayan acordado por ambas partes.

Para conseguirlo hay que redactar un compromiso en el que quede detallado a lo que se compromete cada uno y en que forma se llevará a cabo.

Se debe establecer el tiempo que durará la acción, dónde se llevará a cabo, como se desarrollará y que medios se emplearán.

Examina detenidamente todo lo expuesto en este artículo y decide que tipo de acción consideras más apropiada para encontrar el patrocinio que más te beneficia y se ajusta a tus necesidades.

Pasa a la acción y haz tu oferta a los candidatos que hayas escogido para financiar total o parcialmente tu proyecto.

No te quedes en tu zona de confort y sal a buscar este apoyo externo que te hace falta para sufragar los gastos.

Recuerda que nadie va a poner su dinero para ayudarte si no ven una clara rentabilidad a cambio de lo que vayan a invertir.

Esta es la realidad.

Por lo tanto, objetividad, paciencia y confianza en que lo vas a conseguir.

El crowdfunding es una forma de financiamiento colectivo que se basa en la colaboración de un gran número de personas para recaudar fondos destinados a un proyecto, causa o emprendimiento específico.

En lugar de depender de un solo inversor o entidad financiera, los proyectos de crowdfunding obtienen pequeñas contribuciones de una amplia comunidad en línea.

Existen varios tipos de crowdfunding, incluyendo:

1. Crowdfunding de recompensa:

En este modelo, las personas contribuyen a un proyecto a cambio de recompensas tangibles o productos.

Por ejemplo, alguien que apoye un proyecto de crowdfunding para la producción de un libro podría recibir una copia del libro una vez que se complete.

2. Crowdfunding de inversión:

En este caso, las personas invierten dinero en un proyecto o empresa a cambio de una participación en los ingresos futuros o en la propiedad de la empresa.

Esto a menudo se utiliza para financiar startups y negocios en crecimiento.

3. Crowdfunding de préstamo:

En lugar de invertir en el proyecto, las personas prestan dinero al prestatario a través de plataformas de crowdfunding.

El prestatario devuelve el dinero con intereses en un período determinado.

4. Crowdfunding de donación:

En este tipo de crowdfunding, las personas realizan donaciones sin esperar ninguna recompensa material a cambio.

Este enfoque se utiliza comúnmente para recaudar fondos para causas benéficas, organizaciones sin fines de lucro o para ayudar a personas en situaciones de emergencia.

Las plataformas de crowdfunding online, como Kickstarter, Indiegogo, GoFundMe y muchas otras, han ganado popularidad en los últimos años.

Su actividad ha facilitado la financiación de una amplia variedad de proyectos, desde proyectos culturales y artísticos, películas independientes y nuevos productos hasta campañas de caridad y causas sociales.

Esta forma de financiamiento permite a emprendedores, artistas y organizaciones acceder a fondos de una manera más democrática y descentralizada, al tiempo que involucra a la comunidad en el apoyo a iniciativas que les interesan.

Verkami

Verkami es una plataforma de crowdfunding centrada en el ámbito de los proyectos creativos.

Tiene su origen en España, su objetivo es facilitar la financiación de artistas audiovisuales, desarrolladores de videojuegos, escritores, pintores, fotógrafos o músicos.

La creatividad y la cultura  son su principal objetivo, dando a los creadores las mejores herramientas para que cada proyecto sea un éxito.

>>> Acceder a Verkami<<<

Manual práctico para la búsqueda de patrocinio

En este manual (que se puede descargar en pdf) Roberto Gómez de la Iglesia afirma que hay que cambiar el chip de la financiación de las organizaciones culturales y artísticas.

Aconseja diversificar las fuentes, porque hay más formas de vincular las artes y la cultura con el mundo empresarial que el patrocinio y el mecenazgo tradicional.

>>> Descargar el Manual <<<

Ampliación de tu audiencia:

Al colocar tus obras en espacios públicos o privados a través del renting de arte, aumentas la visibilidad de tu trabajo.

Esto te brinda la oportunidad de llegar a un público más amplio, lo que puede resultar en una mayor apreciación y reconocimiento de tu arte.

Diversificación de ingresos:

Al incorporar el renting de arte como una fuente adicional de ingresos, diversificas tus fuentes financieras.

Esta diversificación puede ayudarte a reducir la dependencia de la venta directa de obras, lo que puede ser especialmente beneficioso en momentos de fluctuación en el mercado del arte.

Negociación de condiciones:

Tienes la posibilidad de negociar las condiciones del contrato de renting, como la duración del alquiler, el precio y las condiciones de conservación.

Esto te brinda cierto control sobre cómo se manejarán y exhibirán tus obras durante el período de alquiler.

Adaptabilidad a cambios del mercado:

El renting de arte puede ser una estrategia adaptable que te permite ajustarte a cambios en la demanda del mercado.

En momentos de desafío económico o fluctuaciones en las tendencias artísticas, el renting puede ofrecer una mayor flexibilidad en comparación con la venta directa.

La galería de arte es aún hoy en día el canal de distribución más adecuado para la comercialización y promoción del artista con que cuenta el mercado del arte.

Interrogantes que suele hacerse el galerista al elegir o rechazar a un artista:

• ¿Qué trayectoria tiene y donde ha expuesto?
• ¿Qué aceptación ha tenido en el mercado?
• ¿Prestigia a la galería su trabajo?
• ¿Es fácil de comercializar su obra?
• Su historial es reducido, pero, la calidad artística, indiscutible.
• Personalmente me gusta, pero ¿debo exponerlo?
• ¿Sus precios son competitivos?

En las galerías, el proceso de selección es más directo, recayendo este procedimiento en la dirección que, normalmente, suele ser unipersonal, aunque esté asesorada previamente.

Ten en cuenta las siguientes consideraciones:

– Cuando más prestigio tenga una galería filtrara más el proceso de selección para correr el mínimo riesgo.

– La selección de un artista emergente es arriesgado para la galería y si decide apoyarlo es una inversión de tiempo y dinero que tiene que hacer a medio y largo plazo.

– Las galerías de menor nivel o más comerciales asumen más fácilmente el riesgo de trabajar con nuevos artistas, ya que la única responsabilidad de su gestión se centra en la obra expuesta temporalmente.

– La posibilidad de exponer en estas galerías suele ser después de una entrevista personal o de conocer el portfolio si es del agrado de la dirección.

– Si la galería es de reciente creación y entras a formar parte de los artistas habituales con los que inicia su andadura, es muy posible que la relación permanezca en el tiempo, si hay buena sintonía entre ambas partes.

CLAVES PARA CONTACTAR CON UNA GALERÍA

En realidad, los artistas necesitan a las galerías para mostrar su obra y poder comercializarla.

Por su parte, el galerista necesita al artista porque el trabajo de este es el origen de su negocio, actuando de puente entre el artista y el coleccionista.

– Antes de presentarte personalmente o de manera virtual en una galería conoce el tipo de exposiciones que celebra habitualmente.

– Es preferible mantener el primer contacto en persona, en lugar de enviar un email. (Pregunta directamente si quieren conocer tu obra y como prefieren hacerlo).
A veces, el mejor método es también el más fácil. Haz la pregunta: “¿Cómo elige esta galería a sus artistas?”.

– Presenta el dossier con la máxima coordinación de contenido y calidad fotográfica.

– Las galerías suelen programar al menos con una temporada de antelación, por lo que tendrás tiempo para preparar a conciencia una exposición si te aceptan y entras a formar parte de su programación.

– Si llegáis a algún acuerdo, no tengas reparo en solicitarlo por escrito.

– Basa tu solicitud en la coherencia de la línea expositiva de la galería y evita ofertarla a galerías con las que no te identificas.

– No dudes en preguntar, porque el NO ya lo tienes asegurado si no lo haces. Muestra tu trabajo con confianza e intercambia opiniones con los responsables de la galería.

-Lo mas importante es la relevancia de tu trabajo para ser reconocido por una galería. Tienes que seleccionar y presentar lo mejor, eligiendo obras con las que te identificas artísticamente.

– Puede que no acepten tu obra en ese momento, pero, tal vez, te dirijan a alguien que si le interese o te propongan un proyecto o colaboración.

– Mejor si existe la mediación de algún conocido, amigo en común o profesional, al menos para que acepten que les muestres tu obra.

– Frecuenta el espacio antes de ofertar nada, porque el mundo del arte es reducido en cualquier ciudad y todos se conocen. Déjate ver.

– Una tarjeta de presentación en la que figure tu sitio web es mucho más efectivo que cualquier otro medio social. Utiliza las RRSS solo como un complemento paralelo a cualquier otra iniciativa.

– Dispón de un portfolio online o web donde puedan encontrarte y conocer tu obra, si lo desean. (Aunque la posibilidad de plagio te haga desistir, son más las ventajas de tener presencia online que carecer de ella).

– Las ferias de arte son una oportunidad para conocer a las galerías y saber cual es su oferta. Recopila toda la información que puedas, pero aplaza el contacto para otro momento. Su atención en estas convocatorias se centra en la promoción y venta de los artistas que ya representan.

Tipos de galerías de arte

Es complejo clasificar la gestión de las galerías de arte, porque existen tantos tipos de galerías como galeristas hay.

Los criterios de gestión son muy dispares y depende de la formación o fin que persigue el galerista, porque su interés tiene que trascender el ámbito económico, centrarse en la difusión de la cultura y sus representados y a la vez ser un perspicaz comerciante que conozca a fondo las estructuras del mercado.

Simplificando, se pueden describir tres grandes grupos:

Galerías culturales

Son las salas gestionadas por organismo oficiales, entidades bancarias, fundaciones o colectivos culturales sin ánimo de lucro.

Concretando en la especialización de cada galería se pueden establecer las siguientes categorías:

– Galería internacional: Con una trayectoria reconocida a nivel mundial. Trabajan con artistas consagrados y también con obra del mercado secundario. Los principales clientes de estas empresas son grandes coleccionistas y museos.

– Galería nacional: La relevancia de este tipo de galería es inferior a las de carácter internacional, aunque son muy reconocidas en su país y participan también en ferias internacionales. Sus compradores tienen poder adquisitivo alto y trabajan estrechamente con museos e instituciones

– Galería local: Su ámbito de acción es de carácter local y trabajan con artistas con una menor trayectoria, emergentes o de ca­rrera media, pero no por ello sus ventas son menores. Su cartera de clientes se centra en el mercado local o provincial.

– Galería emergente: La actividad de estas galerías esta en promocionar la obra de los artistas emergentes con un gran potencial en su carrera artística. El galerista oferta representación profesional a la vez que un espacio expositivo y hacen una gran labor en la difusión artística y cultural.

– Galería alternativa pop-up: Es un nuevo concepto de negocio que puntualmente hace su oferta en distintos locales, que también lo han puesto en práctica galerías importantes donde no tienen sede pero sí clientes. Estratégicamente permite la movilidad de la obra en función de la oportunidad de negocio que puede haber temporalmente, pero tiene también sus desventajas. Las contraprestaciones principales son encontrar un local que se adapte a las necesidades que conlleva celebrar una muestra en condiciones óptimas y el trabajo extra de promoción al no ser el lugar habitual de exposición.

– Galería online: Actualmente la mayoría de las galerías tienen también presencia online por lo que significa esta opción como escaparate permanente y de carácter global.
El contacto con el cliente se establece a través de un dispositivo móvil o por el ordenador, es inmediato y permite la comparativa de la oferta del mercado instantáneamente.
Sin embargo, la principal desventaja se puede encontrar en la falta de trato personal durante el proceso de compra, ya que le gusta al cliente asiduo a las galerías el trato personalizado y asesorado exclusivamente.

CONCEPTO DE LA RELACION ARTISTA / GALERISTA

La relación artista / galerista deberá estar presidida por la mutua confianza, buena fe, confidencialidad de los pactos y por la máxima diligencia en el cumplimiento de las obligaciones asumidas por cada una de las partes.

La relación entre un artista y un galerista puede definirse como aquélla en la que ambas partes, mediante aportaciones recíprocas de diversa índole, unen esfuerzos con el objetivos común de proceder a la venta de la obra del artista así como difundir y dar a conocer la misma.

El galerista, cuando se produce la venta efectiva de la obra, percibirá un porcentaje (comisión), a determinar contractualmente, sobre el precio de venta de cada una de las piezas exhibidas.

• Código de relaciones artistas y galeristas
• Artistas Visuales Asociados de Madrid (AVAM)
• IAC. Instituto de Arte Contemporáneo. España

La figura del representante o marchante de arte es conveniente para la consolidación de la trayectoria profesional del artista.

Su figura es relevante para un artista, porque tener quien le represente en exclusiva le facilita todo lo relacionado con el marketing de las artes, pudiéndose centrar en la realización de su obra artística.

Tareas de un marchante de arte

Las tareas de un representante no se limitan solo a vender, sino también a trabajar para tu futuro buscando patrocinadores, coleccionistas y oportunidades del mercado o segmento en que desempeñe su trabajo.

Muchas de las acciones que realiza un marchante no persiguen la venta como finalidad inmediata, sino hacer visible a su representado a los galeristas, críticos y coleccionistas.

Más que vender, su gestión busca la forma más rentable a medio plazo, que es la de “colocar” en una colección o exposición relevante la obra del artista que representa.

Está claro, que en un mercado tan subjetivo como es el del arte la reputación del artista se beneficia del prestigio de las colecciones en que se encuentra su obra.

La demanda de su producción aumenta en la medida que su marca personal consigue notoriedad en el exclusivo ámbito coleccionista

Las tareas en las que se ocupa generalmente un marchante, además de vender tu obra, son las siguientes:

Organiza exposiciones y la participación a ferias.
Negocia contratos, intercambios y colaboraciones.
Aporta asesoramiento comercial y publicitario.
Atiende la relación con los medios informativos y la crítica especializada.
Gestiona la tramitación de permisos y documentación de la obra.
Fomenta, mantiene y crea nuevas redes de coleccionistas.

¿Donde y cómo encontrar un representante?

Aunque la finalidad sea la misma, no se trata tanto de que tú busques, sino más bien que te encuentren y que deseen gestionar tu obra.

Los representantes artísticos escogen ellos en función de sus preferencias y de la demanda de mercado en que se desenvuelven.

No todos los profesionales de la venta son adecuados para comercializar tu obra y no debes facilitar tu representación a la primera oferta que recibas o a cualquiera que no se identifique con tu trabajo.

Para ser “encontrado” como artista y que alguien se interese por representar tu trabajo debes ser visible para estos profesionales.

A continuación, te enumero algunas de las pautas que puedes seguir para ser «más visible» para los diversos agentes que interviene en el mercado del arte:

1. Promociona y divulga tu obra fuera del estudio/taller, participando y asistiendo a todo tipo de actividades artístico-culturales.

2. Como prevención, pon la condición de supeditar al principio la colaboración a un tiempo limitado, que después puede consolidarse o ampliar si el resultado es positivo para ambas partes.

3. Contacta con otros artistas que represente o ha representado en algún momento para conocer su opinión y como es o ha sido su relación profesional.

4. Infórmate sobre que reputación tiene quien quiere representarte y que actividades desempeña en el mercado del arte.

5. En cualquier decisión que tomes, ten mucho cuidado con las ofertas engañosas, ya que lo único que consigues con ellas es que te cueste dinero y trabajo.
A cambio, tan solo añadiras en el historial una línea más de curriculum dudoso.

6. Deja bien claras cuáles son tus aspiraciones en lo que se refiere a exposiciones, ferias, ventas directas, encargos o proyectos para que sepa cómo enfocar tu carrera.

7. Además, de estar presente en ferias, exposiciones, abrir tu estudio a visitas o disponer de página web, hazte presente en cualquier otro sitio que creas que puede beneficiar tu promoción.

8. Siempre con el apoyo de la calidad y de la originalidad de tu obra, promociona primero y después te llegarán las ventas y los profesionales que se interesen por representarte.

9. Participa y acude a exposiciones, actos culturales o afines, ten presencia en internet y procura que tu trabajo lo conozcan lo más posible en el sector artístico en que te desenvuelves habitualmente.

10. Conócelo personalmente y averigua si la línea de representación que lleva es acorde con la temática y características de tu obra y si su intermediación es temporal o está dispuesto a trabajar a largo plazo.

Imprescindible firmar un contrato

Si trabajas con un representante artístico, desde el primer momento debe quedar muy claro en qué términos se desarrollará vuestra relación.

Negocia al detalle las condiciones en base a las cuales vais a trabajar y exige que queden reflejadas por escrito.

En la inmensa mayoría de los casos, suele ocurrir que el artista se conforma con un acuerdo verbal, pero, en mi opinión, es conveniente dejar por escrito las obligaciones de uno y otro lo más detalladas posibles.

Incluso en el propio ámbito cultural, formalizar un contrato como puede ser la actuación de un grupo musical o de teatro en determinado evento es lo razonable, mientras que si es un artista visual quien lo plantea se suele entender como una falta de confianza.

Ten siempre presente que un contrato por escrito (no acuerdo verbal) da seguridad por ambas partes, concreta lo que se pacta y a lo que se obliga cada uno de los firmantes.

Como señala el bufete de abogados MYL: ”En la normativa española o europea no existe una duración mínima o máxima para el contrato de representación artística. La media suele estar entre dos y cinco años. Si el representante tiene la exclusividad y no se ha comprometido con muchas obligaciones le interesará una duración lo más amplia posible, mientras que el artista querrá negociar períodos cortos y/o revisables.”

Ser artista y vivir de tu vocación es una carrera de fondo que se empieza con mucha ilusión.

Más bien pronto que tarde, aparece jalonada de obstáculos que tienes que saber superar.

La ilusión del primer momento pronto se diluye en los contratiempos y problemas que, día a día, se van presentando.

Es, entonces, cuando te das cuenta que de la ilusión inicial no se vive eternamente.

Lo que está claro es que tendrás que salir de tu “zona de confort”.

Empezar algo nuevo es siempre difícil, porque se transita por un territorio desconocido y lleno de dudas.

No hay fórmulas mágicas que te puedan facilitar el camino, pero la mejor herramienta que te puede ayudar a afrontar la realidad del emprendimiento es el autocontrol como persona y como artista.

La «zona de confort» puede aplicarse a diferentes aspectos de la vida, como el trabajo, las relaciones personales o las actividades diarias.

Por ejemplo, como artista puedes tener una rutina establecida en tu taller.

Te sientes a gusto realizando las mismas tareas día tras día.

Evitas así enfrentarte a nuevos desafíos o salir de tu área de comodidad.

Esta conducta puede limitar tu crecimiento personal y profesional.

El estancamiento en la «zona de confort» puede impedir el desarrollo de nuevas habilidades.

Perderte el descubrimiento de nuevos horizontes y oportunidades que podrían estar muy cerca de esa zona.

Para crecer y alcanzar metas más ambiciosas, a menudo es necesario salir de la «zona de confort» y enfrentarse a situaciones desconocidas.

Al conocer desafíos diferentes, se tiene la oportunidad de aprender.

De adquirir nuevas habilidades y conocimientos.

A estimular tu creatividad, para pensar de manera flexible y fuera de lo convencional.

Muchas veces, las personas se quedan en su «zona de confort», porque tienen miedo al fracaso, al rechazo o a lo desconocido.

Al salir de esa zona, se enfrentan a sus miedos.

Se dan cuenta de que son capaces de superar obstáculos y desafíos, lo que fortalece la confianza en sí mismos.

Pueden experimentar cosas nuevas, conocer diferentes culturas, personas y formas de pensar.

Esto les permite ampliar la perspectiva, fomentando la empatía y la tolerancia.

También, desarrollan resiliencia y habilidades para adaptarse a los cambios.

Esto resulta valioso en un mundo en constante evolución, donde la capacidad de adaptación es fundamental.

Se genera una mayor autoestima y motivación para seguir expandiendo los límites.

Salir de la «zona de confort» es un paso fundamental para alcanzar el máximo potencial y vivir una vida más plena y enriquecedora.

Recuerda que salir de tu zona de confort no significa asumir riesgos irresponsables o ponerse en peligro.

Es importante buscar un equilibrio.

Tomar decisiones informadas y conscientes para asegurarte de que las experiencias que buscas sean seguras y beneficiosas.

La estabilidad financiera es un componente esencial para permitir que un artista siga dedicando tiempo y energía a su trabajo creativo sin preocupaciones constantes sobre su sustento.

Aunque la relación entre el arte y el dinero a menudo es compleja, es importante encontrar formas de monetizar tu talento artístico.

Esto puede incluir la venta de obras, la realización de encargos, la participación en ferias de arte y la creación de productos relacionados con el arte.

La diversificación de las fuentes de ingresos es clave para garantizar una estabilidad financiera a largo plazo.

Cuando se trata de desarrollar un proyecto de arte, te puede parecer una tarea abrumadora e intimidante.

A menudo, los artistas se sienten paralizados por la magnitud del proyecto o del proceso que requiere organizarse y se preguntan cómo podrán completarlo.

Sin embargo, hay una estrategia que puede hacer que todo sea más fácil y llevadero:

Dividir el proyecto en recorridos más cortos y celebrar las pequeñas victorias a lo largo del camino.

Al dividir el proyecto en plazos más pequeños, te puedes enfocar en una tarea específica en lugar de preocuparte por la magnitud del proceso en su totalidad.

Esto te ayudará a mantener el enfoque y a reducir el estrés asociado con la creación de arte.

Además, al completar cada paso, sentirás una sensación de progreso que te motivará a continuar avanzando.

Es importante que disfrutes de las pequeñas victorias a lo largo del camino.

Al reconocer el progreso realizado y el trabajo duro que ha requerido, aumentarás la autoestima y la confianza en tí mismo.

Además, las celebraciones pueden servir como un recordatorio de que el proyecto está avanzando y que estás logrando algo importante.

Es importante tener en cuenta que el éxito no siempre se mide en términos de resultados finales.

Al celebrar las etapas que vas superando a lo largo del camino, estas centrado en el proceso en lugar del resultado final.

Esto te ayudará a mantener el enfoque en la tarea en cuestión y reducir la ansiedad que puede venir con la preocupación por llegar al final.

Así que, si tienes un proyecto de arte en mente, recuerda que no tienes que hacerlo todo de una vez.

Divídelo en pasos más pequeños, y disfruta de cada pequeña victoria en el camino hacia la meta final.

1. PRECIO DE VENTA Y COMISIONES

Infórmate de los precios que circulan en el sector donde te desenvuelves artísticamente.

Es importante que conozcas las tarifas de otros creadores similares a ti y de los porcentajes que corresponden a los agentes intermediarios o galerías de arte.

Las galerías suelen aplicar comisiones del 30%, 40% y 50% , según sea la comercialización y representación que asumen del artista.

Aunque no haya una norma general, si pueden servir de orientación los siguientes porcentajes en función de la relación que exista entre artista y galería.

– 20-30% suele ser la comisión de las galerías que, además, cobran un pago fijo por gastos de mantenimiento en concepto de alquiler, electricidad, promoción, etc.

– 40% cuando la galería representa al artista en exclusividad en exposiciones, ferias y promociona su obra.

– 50% cuando la galería representa en exclusiva al artista en exposiciones, ferias y promoción, pero también en la producción de su obra.

2. MEDRAR SOCIALMENTE

Si se te da bien las relaciones públicas puedes medrar dentro de la comunidad artística con la finalidad de conocer gente, saber que intereses tienen, como repercute su gestión o conocer que papel jerárquico le corresponde a cada uno en el mercado del arte.

Esta relación social la conseguirás asistiendo a exposiciones, visitando galerías, relacionándote con curadores y criticos, organizando eventos relacionados con tu trabajo o haciendo contactos a los que puedas recurir en algún momento.

4. ENCONTRAR PATROCINIO PARA TU PROYECTO

Si necesitas de ayuda económica para desarrollar tu proyecto tienes que salir a buscarlo defendiendo tu trabajo e informando de los beneficios que va a conseguir el patrocinador si decide financiarlo.

Las opciones donde conseguir financiación son principalmente las siguientes:
– Iniciativa privada.
– Becas, subvenciones o ayudas públicas.
– Crowndfunding.

La iniciativa privada invertirá en tu proyecto en función de la repercursiòn que pueda tener en su negocio, bien sea a nivel de publicidad, marchamo cultural o imagen.

Si recurres a ayudas públicas tienes que seleccionar previamente que ofertas son mas afines al trabajo que has realizado y como puedes acceder a ellas.

El crownfunding o la financiación con pequeñas aportaciones de dinero o bienes está cada día mas extendida y vía internet dispones de varios portales a través de los cuales podrás buscar micromecenazgo.

Verkami.com y Patrocinam.com son dos de estos portales especializados.

5. EJERCE TUS DERECHOS DE AUTOR

Protege tu trabajo y no permitas la reproducción no controlada de tu obra, sino que solo se realice a través de tu autorización o supervisión.

El Derecho de Reproducción es el más importante de los derechos patrimoniales de los autores.

La obra de autor sólo puede ser explotada por el autor mismo o por aquellas personas que hayan recibido una autorización expresa y previa a la explotación que se desee realizar.

El Derecho de Reproducción se destaca como uno de los derechos patrimoniales más fundamentales y esenciales para los autores en el ámbito de la propiedad intelectual.

Confiere a los creadores el poder exclusivo de autorizar o prohibir la reproducción de sus obras en cualquier forma o medio, ya sea impreso, digital, audiovisual u otros formatos.

En un entorno donde la facilidad de reproducción y distribución puede tener un impacto directo en la comercialización y la explotación de las obras, el Derecho de Reproducción se convierte en una herramienta vital para garantizar que los autores tengan un control adecuado sobre cómo se utiliza y distribuye su trabajo.

6. RELEVANCIA DEL CURRICULUM

El curriculum es relevante porque en él se recoge en síntesis tu trayectoria académica y profesional, pero cada vez tiene menos protagonismo a efectos de promoción.

Un historial extenso no significa exactamente que se traduzca en la calidad de tu trabajo, porque hoy en día es muy fácil inflar e, incluso, falsear datos.

Pon lo más relevante y procura darle la mejor difusión posible.

Procura que se lea rápido y dé una buena impresión visual.

Acompañalo con un buen portfolio de tus obras y con una Declaración de Artista.

7. NUNCA PAGAR POR PARTICIPAR

Si se te propone participar en un concurso o deseas participar en una convocatoria porque te interesa la opción del premio, es desaconsejable hacerlo si hay que pagar previamente una cuota de participación.

Tu presencia fomenta la iniciativa y el motivo de la convocatoria, porque si no se presentan artistas no existirían como tal.

Por lo tanto, no concurras en eventos de este tipo en los que tienes que pagar una cuota de participación.

En lo que se refiere a tu curriculum no será relevante, porque en el gremio se conoce la naturaleza que impulsa estas convocatorias.

Además, profesionalmente puede volverse en tu contra y su existencia fomenta la precariedad de la comunidad artística.

Ten en cuenta que existen muchos certámenes a nivel nacional e internacional cuya participación es gratuita y que son relevantes.

Infórmate debidamente de cada convocatoria y selecciona bien las que se ajustan a tu trabajo creativo.

Crea un calendario de certámenes de los que hayas elegido para presentarte y participa de manera organizada y acomodada a cada uno de ellos.

8. DISPONER DE UN WEBSITE

Hoy día el mejor escaparate y donde mejor puedes mostrar las posibilidades de tu creatividad es a través de internet.

Crea un blog donde comentes el desarrollo de tu proyecto artístico o una web para mostrar tu obra y, si lo deseas, poder ponerla a la venta a través de la opción de ecommerce.

Piensa que internet es un escaparate global y si sabes navegar con acierto seleccionando las ofertas que más te pueden interesar, a nivel de difusión, tiene muchisima más repercusión que una exposicion en un galería fisica.

9. EXPOSICIONES ITINERANTES

Si has estado trabajando en un proyecto artístico cuya finalidad no esté centrada en la venta de su contenido o, por el contrario, su comercialización pueda ser múltiple, te interesa hacer una gira por diversos espacios de exhibición.

Esta programación se puede hacer con perspectiva de tiempo y oportunidad, calculando la inversión que pueda requerir su planificación y reservando los espacios donde se va a celebrar.

Se puede planificar individualmente o integrándose en festivales o programaciones de terceros.

Esta difusión en formato de gira del trabajo realizado repercute en una mayor promoción, que si se centrara todo el esfuerzo de difusión en una sola exposición.

10. PARTICIPACIÓN COLECTIVA

Al margen de centrar tu creatividad en tu proyecto personal, es beneficioso para obtener una mayor proyección participar también en iniciativas de grupo.

Formar parte de una red o proyecto colaborativo te abre nuevos horizontes y posibilidades de trabajo.

Participar en iniciativas de grupo y formar parte de redes o proyectos colaborativos puede ser altamente beneficioso tanto para tu desarrollo personal como profesional.

La participación te aporta diversidad de ideas, networking, aprendizaje y crecimiento, apoyo mutuo, recursos compartidos, mayor motivación y compromiso.

Programas de Residencias Artística En Res Artis, red mundial de programas de residencia artística, se ofrece a aquellos interesados en participar en una residencia la información y los recursos que cada uno de sus miembros ofrece a artistas, curadores y toda clase de creadores el espacio adecuado para trabajar, lejos de la presión y de los hábitos de la vida diaria.

(Acceder a Res Artis)

Información. Incluye notas informativas de las características de cada proyecto para que se entienda fácilmente. No te olvides de poner el precio de cada obra, fecha de realización, medidas, materiales, etcétera. Es información complementaria pero el receptor de tu porfolio agradecerá la documentación y se hará una idea de cuáles son tus pretensiones.

Actualizado. Procura que el material esté siempre actualizado y que muestre lo más reciente de tu trabajo. Haz los cambios que sean necesarios en función de lo que evoluciona tu obra.

Contenido. Evita que su contenido sea estandar. Cronológicamente organizalo por categorías, técnicas, temáticas o especialidades.

Versátil. Encuentra la forma de hacerlo convertible para que se adapte fácilmente para cualquier fin que lo necesites o para actualizarlo en función de lo que avanza y evoluciona tu trabajo.

Puedes disponer de los dos formatos: digital y físico; pero las ventajas de distribución que te ofrece un portfolio electrónico son muy superiores.

La accesibilidad es mucho más inmediata, fácil de navegar si está bien diseñado, puede ser mucho más extenso en su contenido y el diseño te permite más posibilidades.

Permite acceder a él desde cualquier dispositivo electrónico y hay que procurar que su localización sea inmediata y cómodo en su recorrido.

Además de los consejos que se han enumerado más arriba para la realización de un portfolio, cuando éste es digital se tiene que tener en cuenta que las imágenes sean en formato jpg o png y que su tamaño esté entre los 500-750 pixeles para que puedan verse en pantalla perfectamente en su totalidad.

Tampoco es conveniente usar flash o efectos de animación, porque distraen y entorpecen la atención.

Puedes editarlo en una memoria USB, en tu página web o difundirlo a través de alguna plataforma especializada gratuita de las que hay disponibles en la red.

¿Dónde puedo publicarlo gratis?

A continuación, te facilito información de cinco de las plataformas online más populares:

– Behance:
Es una de los más populares donde puedes crear tu porfolio y acceder desde cualquier dispositivo móvil. Por los creativos es una de las utilizadas para mostrar sus trabajos.

– ArtDiscover:
Esta plataforma incluye desde pintores tradicionales, artistas callejeros transgresores, creadores digitales de vanguardia a artistas del performance innovadores. No importa el estilo, medio o disciplina con el que trabajes, ArtDiscover te permite promover tu arte y llegar a un público más amplio. Además, es totalmente gratuito.

– Deviantart:
En cuestión de minutos, puedes configurar completamente tu propio portfolio y comenzar a enviar tu trabajo creativo para su revisión por posibles empleadores, escuelas de arte o clientes. Alojamiento gratuito hasta cien imágenes. Compatible con todas las principales plataformas de navegación y dispositivos móviles sin necesidad de complementos.

– Dropr :
Dropr es una excelente forma de presentar los trabajos artísticos individualizando cada portfolio. Su presentación es muy profesional y tiene una interfaz fácil de manejar para la creación de tu espacio web.

– Crevado:
Crevado es una herramienta en línea que facilita a los creativos (artistas, fotógrafos, ilustradores, etc.) la creación de un sitio web para que puedan exhibir su trabajo online. Con Crevado, también es posible vender tus obras, al estar integrado con Paypal y Fotomoto hace que sea sencillo recibir pagos online.

No basta solo con tu obra para presentarte ante el público.

Ya hemos visto las ventajas que nos puede aportar tener un buen portfolio, pero además éste debe ir acompañado de una declaración de artista que esté bien redactada para que sepan lo que haces y por qué.

Estas dos herramientas de promoción que son el portfolio y la declaración de artista son tus mejores armas en un primer contacto con la galería o con su destinatario.

Una vez tengas claro cómo vas a abordar la redacción de tu declaración de artista, piensa escribir el texto en base a tres interrogantes:

1. ¿Qué es lo que hago?
           2. ¿Cómo creo mi obra?
                          3. ¿Por qué lo hago?

Empieza a escribir el por qué haces tu obra y cómo la haces de una manera asequible para quien la lea y que le gustaría conocer el origen de tu trabajo.

En segundo lugar, sin entrar en detalles que pueden aburrir o confundir, explica el proceso que sigues al crear tu obra y la aportación que haces en la investigación de materiales o recursos para realizarla.

Al final, menciona en que proyectos artísticos estás inmersos en la actualidad y que es lo que te motiva para seguir indagando cada día en nuevas propuestas y experiencias creativas.

Por último, considero que lo que no debes hacer o incluir en tu declaración de artista es ninguna expresión o mención que suene pretenciosa.

Evita hablar de ti o de tu obra de manera presuntuosa, no abuses de los términos técnicos, no presumas de premios y distinciones, no recurras a frases hechas para explicar tu trabajo y no comentes ninguna intención mercantil.

Esta pequeña guía que acabo de presentarte es la base sobre la que puedes cimentar tu declaración de artista, pero si consideras que lo tuyo no es escribir recurre a la posibilidad de contratar a un escritor o editor profesional.

Un contacto que puede interesarte es el de Juanma Velasco, de teescriboloquequieras.com, impulsor de esta iniciativa online que se ocupa de elaborar y corregir textos a terceros previo encargo.

Ten siempre a mano y actualizados tu curriculum, portfolio y declaración de artista.

Si el curriculum sirve para resumir y presentar tu trayectoria profesional, el portfolio es su acompañante imprescindible para que conozcan tu obra y el cometido de la declaración de artista es reforzar la acción de ambos en cualquier entrevista de trabajo.

– En este enlace puedes ver la Declaración de Artista de Luis González Palma
– En este enlace puedes ver la Declaración de Artista de Ana Isabel Diez
– En este enlace puedes ver la Declaración de Artista de Agustin Pontesta

Imagina a un niño que se deleita en el acto de crear garabatos en un papel, sin preocuparse por la representación exacta de los objetos.

¿Es esto un signo temprano de su potencial artístico?

Sin duda, la inclinación natural de explorar, experimentar y expresar es una muestra temprana de esa chispa artística.

A medida que crecemos, algunos pueden abrazar esa chispa y seguir buscando formas de expresión artística.

Por el contrario, otros pueden relegarla a un segundo plano y no prestarle la atención que merece.

La habilidad artística trasciende las fronteras de la profesión.

Incluso si alguien no trabaja como pintor, escultor, músico, fotógrafo, escritor o actor, puede llevar consigo el espíritu creativo en cada aspecto de su vida.

Desde la forma en que organizan su hogar hasta cómo resuelven problemas en el trabajo, el enfoque artístico puede influir y mejorar cada elección que hacen.

Cada individuo tiene la capacidad de transformar lo ordinario en algo extraordinario, de convertir lo común en una expresión única de su visión personal.

La creación artística, en todas sus formas, otorga la posibilidad de trascender el tiempo y el espacio.

Cuando un artista se sumerge en su proceso creativo, puede entrar en un estado casi mágico, en el cual la conexión con el mundo exterior se disuelve.

Entonces, solo queda el diálogo entre el artista y su obra.

Este espacio íntimo y personal es un reflejo de la sensibilidad artística, una capacidad de observar y capturar la esencia misma de la vida en sus diversas manifestaciones.

Ser artista, por tanto, es un regalo que perdura desde el momento del nacimiento hasta el último suspiro.

No es una mera etiqueta o una profesión, sino un aspecto fundamental de la identidad de una persona creativa.

La pasión por crear, la habilidad de transformar la materia en una manifestación de belleza y la capacidad de observar el mundo con una mirada única, son elementos que definen a un artista en todo momento.

En última instancia, el arte no se limita a un lienzo o a un bloque de mármol, una partitura o una página en blanco.

El arte se encuentra en cada rincón de la vida, en cada acto de creación y en cada momento de contemplación.

Así que, SÍ, se es artista desde que se nace hasta que se muere.